Le blog Droit et cinéma : regards croisés

UNE BALLADE CINEMATOGRAPHIQUE AVEC JEAN-LOUIS TRINTIGNANT

      En attendant la sortie sur nos écrans (et une possible palme d'or à Cannes ?) du dernier opus de Michael Haneke, Amour (France, 2012), autour du vieux couple Emmanuelle Riva/Jean-Louis Trintignant, de leur fille Isabelle Huppert et du pianiste Alexandre Tharaud

 

plongeons-nous avec délice dans les entretiens qu’accorde une fois encore à André Asséo cet immense acteur

dont l’un des films préférés demeure Le conformiste (de Bernardo Bertolucci, Italie, France, All., 1970), nous rappelant ses débuts au théâtre et au cinéma, quelques secrets de tournage et digressions sur ses deux réalisations cinématographiques - Une journée bien remplie (Italie, France, 1972) et Le maître-nageur (France, 1978), ses passions pour Shakespeare et Bach et son goût pour la poésie qu’il nous fait partager au cours de spectacles dont la magnifique voix nous ravit encore et encore…

Retrouvez-le dans le film documentaire de Serge Korber, Jean-Louis Trintignant, Pourquoi je vis (France, 2012) diffusé sur Arte le 21 mai 2012.

 

Claude MILLER (1942-2012)

     Depuis son premier long métrage (La meilleure façon de marcher, 1976) jusqu’à son dernier (Thérèse D.) qui sortira sur les écrans à la fin de l’année, la filmographie de Claude Miller a été abondante (dix-sept films en tout) et riche d’œuvres de grande qualité même si le cinéaste, comme beaucoup d’autres, a connu des échecs commerciaux et artistiques (v. J.-M. Frodon, Le cinéma français. De la nouvelle vague à nos jours, Cahiers du cinéma, 2010, spéc. p. 790).

C’est d’ailleurs après un tel échec faisant suite à Dites-lui que je l’aime (1977) que Claude Miller tournera ce qui constitue sans aucun doute son chef-d’œuvre : Garde à vue (1981). Ce film est un huis clos (v. Le huis clos judiciaire au cinéma, A. de Luget et M. Flores-Lonjou (dir.), Ed. Geste, 2010) se déroulant dans un commissariat la nuit du réveillon du 31 au cours de laquelle un notaire (Michel Serrault) est placé en garde à vue par un policier (Lino Ventura) à la suite du viol et du meurtre de deux fillettes. Le notaire, à bout de force et de nerfs, avoue les crimes dont la scène finale nous apprend qu’il est innocent. Au petit matin il sort donc libre du commissariat, l’action publique ne sera pas mise en mouvement, mais son épouse (Romy Schneider) s’est suicidée… Ou comment dénoncer la garde à vue de l’époque (qui se déroulait sans l’assistance d’un avocat) et le culte de l’aveu (film qui évoque également l’affaire Bruay-en Artois en 1972 : v. Ch. Guéry, Justices à l’écran, PUF, coll. questions judiciaires, 2007, spéc. p. 16).

Pour la première fois dans l’histoire du cinéma français, la garde à vue était montrée de bout en bout, elle était le sujet principal d’une fiction cinématographique. Cette dernière a précédé la réalité, la caméra ayant fait son entrée dans les locaux des services de police judiciaire aux fins d’enregistrement audiovisuel des gardes à vue  depuis la loi du 15 juin 2000 pour ce qui concerne les mineurs (art. 4 de l’ordonnance du 2 fév. 1945) ; et depuis la loi du 5 mars 2007 en matière criminelle (art. 64-1 du Code de procédure pénale), y compris en matière de criminalité et de délinquance organisées (v. en ce sens la décision du Conseil constitutionnel du 6 avril 2012, n° 2012, 228/229, QPC).

Les thèmes récurrents de l’œuvre de Claude Miller sont la justice à travers sa procédure (Garde à vue) et des faits divers réels (Garde à vue, Thèrèse D., adaptée du roman de François Mauriac, est inspirée de  l’affaire Canaby en 1905) ou imaginaires (Dites-lui que je l’aime ; Mortelle randonnée, 1983 ; La classe de neige, 1998, adapté du roman d’Emmanuel Carrère).

Ce sont également les échecs et drames conjugaux (Dites-lui que je l’aime ; Garde à vue ; Mortelle randonnée).

Ce sont aussi l’adolescence et la jeunesse (v. L’enfant, le droit et le cinéma, A. de Luget, M. Flores-Lonjou (dir.), PUR, coll. L’univers des normes, 2012), traversées par des crises et des malheurs de tous ordres : La meilleure façon de marcher ; Dites-lui que je l’aime ; La classe de neige ; L’effrontée (1985) ; La petite voleuse (1988) ; L’accompagnatrice (1992) ; La petite Lili (2003) ; Un secret (2007) ; Marching band (2009) ; Je suis heureux que ma mère soit vivante (2009).

Nous parlerons à nouveau de Claude Miller lorsque sortira Thérèse D.

Parution de l'ouvrage "L'enfant, le droit et le cinéma"

Les actes des IIIèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés (La Rochelle, 2010) sont dans toutes les bonnes librairies et bibliothèques depuis le 22 mars dernier.  

TABLE DES MATIERES

L'ENFANT, LE DROIT ET LE CINEMA : TROIS APPROCHES COMPLEMENTAIRES

Sommes-nous en présence d'un enfant universel en droit et au cinéma ?, Magalie-Flores-Lonjou et Agnès de Luget

Cinéma et école : petit flash back historique, Jean-Marie Tixier

L'enfant star, Jean Tulard

L'ENFANT : DE L'ECRIT A LA PELLICULE

Réflexion sur la culpabilité de l'enfant à l'écrit et à l'écran, Richard Vidaud

Mickybo and Me de Terry Loane : une adaptation cinématographique de la pièce de théâtre Mojo Mickybo d'Owen McCafferty, Brigitte Bastiat et Franck Healy

La dé-construction identitaire et sociale ou l'enfant dans les films de science-fiction de Spielberg, Danièle André

Une approche du western : les fondations sous le regard politique de l'enfant, Xavier Daverat

LE CINEMA ET LA PAROLE DE L'ENFANT

Les enfants de Louis Malle ou l'enfant chez Louis Malle, Françoise Thibaut

De la mise en récit d'un crime à sa mise en scène : l'affaire Pierre Rivière, Lionel Miniato

Dialogues et silences d'adolescents sous main de justice (Des 400 Coups à La vie de Jésus), Laurence Bellon

La justice et les mineurs à travers les images de prison au cinéma, Barbara Villez

De l'enfant des favelas au mineur délinquant : l'enfance marginalisée dans le cinéma brésilien, Rémy Lucas

LE CINEMA REVELATEUR D'UN STATUT JURIDIQUE DE L'ENFANT

La figure de l'instituteur au cinéma : la mise en scène de la pédagogie, Gauthier Jurgensen

La Chine est encore loin, Jean-Marie Tixier

La figure de l'orphelin, à partir de Versailles de Pierre Schoeller, Carole Desbarats

Holy Hola, Une vie toute neuve : Deux films sur l'adoption internationale, ou les tribulations du droit à la recherche du bonheur, Serge Sur

Conclusion, Emmanuel Aubin et Jean-Marie Tixier

L'enfant, le droit et le cinéma, A. de Luget et M. Flores-Lonjou (dir.), Presses Universitaires de Rennes, coll. L'univers des normes, 2012, 270 pages.

 

Les mistons, François Truffaut (France, 1958)

LES NOUVEAUX CHIENS DE GARDE (2012) : Média-cratie et média-crité ? Documentaire français (1h44) de Y. et G. Balbastre, scénario : S. Halimi, P. Rimbert, R. Lambert, Y. Kergoat et G. Balbastre.

Tout comme Paul Nizan (Les chiens de garde paru en 1932 aux éditions Rieder), qui dénonçait la pensée idéaliste et coupée des réalités sociales de certains philosophes de son temps, Serge Halimi, Yannick Kergoat et Gilles Balbastre entendent révéler la conscience de classe, la pensée unique animant les acteurs des médias français et les liaisons dangereuses qu’ils entretiennent avec leurs employeurs issus du monde industriel (Bouygues, Dassault, Lagardère, Bolloré, Pinault etc…) et qui déterminent leur servilité. 

Le titre Les nouveaux chiens de garde, du documentaire de Yannick Kergoat et Gilles Balbastre, est inspiré du pamphlet éponyme du co-scénariste et directeur du Monde diplomatique Serge Halimi, publié en 1997 aux éditions Liber-Raisons d’agir, maison d’édition fondée en 1996 par le sociologue Pierre Bourdieu, appellation elle-même suggérée par l’essai du philosophe français Paul Nizan. Ce jeu de poupées russes composées de critiques, journalistes et chercheurs de gauche se substitue à celui des journalistes et d’experts acquis à la cause libérale omniprésents dans les médias dominants que les auteurs du film dénoncent avec succès et ironie. 

Avec une musique originale de Fred Pallem rappelant celles des séries britanniques comme La panthère rose ou Chapeaux melons et bottes de cuir (1961-69, en anglais The Avengers, c’est-à-dire Les vengeurs) et un générique représentant une main tendant un sucre à un chien, le ton est donné. Le film mêle extraits d’émissions télévisées et radiophoniques, d’entretiens avec des chercheurs et des dessins animés. Tour à tour perfide, amusant, ironique et fort bien documenté, le film utilise divers procédés que les réalisateurs eux-mêmes dénoncent chez leurs ennemis. Ainsi ne donnent-ils la parole qu’à leurs alliés, sociologues, politistes ou économistes du CNRS, de l’Université ou encore du site critique des médias ACRIMED (créée en 1996 par des proches de Pierre Bourdieu et d’ATTAC).  Lorsqu’ils utilisent des archives de l’INA faisant s’exprimer les élites journalistiques de la radio, de la presse ou de la télévision, ce n’est que pour mieux les épingler ou les ridiculiser. Ce que certains et certaines méritent bien par ailleurs ! Comme l’expert en économie Michel Godet, invité dans les médias régulièrement depuis les années 1980, et qui n’a eu de cesse d’accuser les Français de paresse là où lui-même facture son discours répétitif et sans nuances dix fois le SMIC ! Ou encore la journaliste Anne Sinclair qui, dans les années 1980-90, qualifie en riant « d’antique, ou de soviétique » l’attitude du gouvernement d’Alain Peyrefitte, ministre de l’Information dans les années 1960, qui contrôlait de près les médias français. Il est vrai qu’à l’époque de son émission « 7 sur 7 » (1981-97), tout contrôle direct avait disparu, mais restaient l’autocensure des journalistes et l’adhésion totale de la majorité d’entre eux à la toute puissante autorégulation des marchés, dogme qu’Alain Minc, autre expert multi-casquettes (président du conseil de surveillance du Monde en 1994, ancien trésorier du Club « Le Siècle », condamné le 28 novembre 2001 par le Tribunal de Grande instance de Paris pour plagiat et contrefaçon pour son ouvrage intitulé Spinoza, un roman juif, publié chez Gallimard en 1999, dont le tribunal a considéré qu’il était une contrefaçon partielle du livre du philosophe Patrick Rödel, Spinoza, le masque de la sagesse, publié par les éditions Climats en 1997) défendit au moins jusqu’en 2008 sur Direct 8, chaîne de TV de son ami Vincent Bolloré, lui-même ami de leur ami commun Nicolas Sarkozy.  

Si les documentaristes ne donnent la parole qu’à leurs alliés, au moins ont-ils l’excuse de ne jamais être invités à s’exprimer dans les médias traditionnels et aux heures de grande écoute. Où la critique peut-elle donc se faire alors entendre ? L’émission de décryptage des médias Arrêt sur images de Daniel Scheidermann (France 5, 1995-2007), qui n’allait pas aussi loin que ce documentaire, a été supprimée et a migré sur Internet en 2007 ; qui la regarde encore ?  La critique ne peut donc justement exister qu’en dehors des médias traditionnels, c’est-à-dire dans des documentaires indépendants financés par des producteurs audacieux, tels que Jacques Kirsner, le producteur des Nouveaux chiens de garde, ou Pierre Carles (Trilogie de Pierre Carles : Pas vu pas pris (1998), abordant le fonctionnement des grandes chaînes de télévision française et en particulier de Canal +, film commandé par Canal + puis censuré par la chaîne ; Enfin pris ? (2002) tente de démontrer ce que Pierre Bourdieu dénonçait dans son livre Sur la télévision (Liber-Raisons d’agir, 1996), à savoir l’impossibilité de critiquer la télévision à la télévision. Il fustige d’ailleurs dans ce documentaire l’émission Arrêt sur images de Daniel Schneidermann ; Fin de concession (2010), projeté en avant-première au Festival du film de La Rochelle en 2010, traite du renouvellement systématique par le CSA de la concession de la première chaîne de télévision française à TF1/Bouygues). Mais il faut aussi trouver des circuits de distribution qui acceptent des sujets politiquement controversés et critiques des normes sociales pour que ces films rencontrent un public ; ainsi, le documentaire de Y. Kergoat et de G. Ballastre est-il distribué par Epicentre Films (Mourir comme un homme, 2010, Un ano sin amor, 2006). De plus, ces films ont souvent du mal à être diffusés pendant plusieurs semaines. L’édition peut également jouer un rôle car les formats télévisuels sont soit trop courts soit trop contraignants et le travail d’investigation approfondi ne peut plus guère se faire qu’ainsi, comme par exemple les enquêtes de Pierre Péan et Christophe Nick sur TF1 (Péan Pierre et Nick Christopher, TF1 – Un pouvoir, Fayard, 1997) ou du même Pierre Péan avec Philippe Cohen cette fois sur le journal Le Monde (Péan Pierre et Cohen Philippe, La face cachée du Monde : du contre-pouvoir aux abus de pouvoir, Editions Mille et une nuits, Paris, 2003). L'Internet peut-il être une solution ? Peut-être mais à condition que l’information soit relayée par les médias traditionnels ou par les sites bénéficiant d’une grande consultation. Sans cela, pour l’instant, La Toile peut être une énorme caisse de résonnance mais également un gigantesque trou noir !

Bien sûr on pourrait aussi reprocher aux réalisateurs leurs citations tronquées et hors contexte, l’abus de la citation en boucle qui met en exergue une idiotie proférée par un pape ou une papesse du PAF. Au moins ont-ils le mérite de faire entendre un autre son de cloche qui manque cruellement dans nos médias français si peu pluralistes, si peu indépendants et si peu objectifs. En effet, contrairement à ce qu’affirme le journaliste Alain Duhamel dans le film, ce n’est pas parce que les stations radiophoniques, les chaînes de télévision se sont multipliées que les discours varient : David Pujadas, le présentateur-vedette du journal de 20h de France 2 dénonçant lui-même « le panurgisme » dans un article paru en 2011 dans le magazine Médias (Pujadas David, « Ma vie dans les médias », Médias, n°31, Paris, Hiver 2011, p. 20-29). A l’heure de la constitution de groupes de communication « pluri-médias » (V. Jean-Marie Charon, « Stratégies pluri-médias des groupes de presse », Les Cahiers du journalisme, n°20, automne 2009, p.64-82), dont le groupe Lagardère est un bon exemple en France, il serait naïf de croire à une indépendance des journalistes vis-à-vis de leurs employeurs ; certain-e-s semblent même avoir complètement abandonné toute notion de fidélité à des idées, leur engagement n’étant plus qu’un engagement contractuel et financier à tel ou tel média, puisqu’ils (elles) passent indifféremment d’un employeur de gauche à un employeur de droite, comme le montre bien la séquence parodique du film qui assimile ces changements de postes à un mercato médiatique. Quant à l’objectivité, qui est une notion délicate, il serait au moins honnête de ne pas avancer masqués et cesser de faire croire à une prétendue  neutralité des médias et des journalistes.     

Brigitte Bastiat

Docteure en Sciences de l’information et de la communication, Université de La Rochelle

Les Nouveaux chiens de garde Bande-annonce par toutlecine 

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN ou de la difficulté d’être mère, Lynne Ramsay (Etats-Unis/ Grande-Bretagne, 2011)

    

Aux enfers, Eva serait destinée. Adapté du livre de Lionel Shriver (Etats-Unis, Counterpoint Press, 2003 traduit en français aux éditions Belfond, 2006), We need to talk about Kevin porte à l'écran la souffrance, l'incompréhension et la culpabilité d’une mère dont le fils a commis l’irréparable. Singulière, cette approche peut l'être tant le point de vue abordé est généralement celui des personnes ayant subi l'infraction soit, par ricochet, celui de leurs proches. Ainsi, dans le documentaire Bowling for Columbine de Michael Moore (Etats-Unis/ Canada, 2002) où le point de départ de l'enquête du réalisateur sur l'utilisation des armes à feu aux Etats-Unis est la fusillade du lycée Columbine dans le Colorado en 1999, ou encore dans la fiction Elephant de Gus Van Sant (Etats-Unis, 2003) qui suit le quotidien d’un lycée jusqu’à l’évènement fatidique. Mais celui de la famille des auteurs d'infractions n’est pas pour autant ignoré par le cinéma : pensons par exemple à Poetry (Shi de Lee Changdong, Corée du Sud, 2010) retraçant la quête de justice d’une grand-mère dont le petit-fils a commis un viol et dont la victime s’est suicidée, ou Mother de Bong Joon-ho (Corée du Sud, 2009) où une mère remue ciel et terre pour innocenter son fils. Ces films nous rappellent que les proches de l’auteur subissent également les conséquences de l’acte commis : la honte, la culpabilité, l’opprobre, l'impuissance, l’absence de l’être aimé. Au-delà de l’acte commis qui les lie, s’il y a bien une chose que la famille des victimes et de l’auteur partagent, c’est certainement la souffrance. Mais si l’intérêt et la compassion pour la première apparaissent naturels, il n’en va pas toujours de même pour la seconde. Or, c’est la douleur de la mère d’un meurtrier dont Lionel Shriver a voulu parler et le spectateur le ressent avec violence à travers le personnage d’Eva Khatchadourian incarnée par Tilda Swinton. 

Cette souffrance conduit Eva à une véritable introspection pour comprendre sa part de responsabilité dans le passage à l’acte de son fils. Scènes antérieures et postérieures à l’évènement s’entremêlent, la transformation physique de l’actrice est saisissante. Eva n’aura de cesse d’être confrontée à la douleur violente des mères des victimes de son fils et aux regards ostracisants de ses voisins qui tous la vouent aux Enfers. L'image du sang est omniprésente dès les premières scènes : dans son rêve, au travers de la sauce tomates dans laquelle elle baigne, de la peinture rouge dont sa maison est maculée, du sang – véritable celui-là – versé par son fils, du sien après le coup porté par la mère d’une victime. Et elle n’aura de cesse de poncer, gratter, frotter pour laver ce sang qu’elle a sur les mains. Dans cet environnement hostile, seul l’un des élèves victimes, paralysé, fait exception et semble conscient, avec le spectateur, de la douleur qu’Eva peut aussi ressentir – et ce d’autant plus que Kevin l’a isolée, comme pour la désigner, tuant aussi son père et sa sœur.

Dans sa quête, Eva se remémore les instants passés avec son fils. Dès la naissance, le lien maternel apparaît précaire. L’accouchement se passe dans la douleur et la vue du nouveau né ne semble guère compenser cette épreuve. Aux pleurs succèdent l’apathie et la provocation dès le plus jeune âge. Kevin n’hésite pas à couvrir l’exaspération violente de sa mère pour faire pression sur celle-ci. Il nous invite ainsi à nous replonger dans la criminologie. Kevin est-il le criminel né de Cesare Lombroso (L’Homme criminel, 1876) porteur de stigmates déformatifs anatomiques, physiologiques et psychologiques ? Son milieu, familial notamment, est-il un facteur de son passage à l’acte comme le pensait Enrico Ferri (La sociologie criminelle, 1884) ? Son crime est-il le résultat de la rencontre de divers facteurs anthropologiques et sociologiques ? Dès l’enfance de Kevin, c’est dans une grande solitude qu’Eva s’interroge sur son comportement. Le père est d’un piètre secours, absent ou sourd à ses interpellations. "Il faut qu'on parle de Kevin". Son rôle se réduit à celui d’un papa joueur qui ignore les provocations de son fils et culpabilise son épouse, lui lançant des tendres « Ce n’est qu’un enfant » et « Va chez le psy ». Eva est donc seule face son fils, un fils qu’elle n’aime pas, ce qu’elle ne cache pas et ce dont Kevin a bien conscience - le contraste avec l’attitude d’Eva à l’égard de sa fille le souligne d’autant plus. Le spectateur ne cessera pas de  rechercher tout au long du film le regard d’un enfant (incarné par Jasper Newell), d’un adolescent (interprété par Ezra Miller), d’un frère et il ne le trouvera qu’à deux moments. A l’occasion de la lecture de Robin des bois par sa mère - mais de là lui viendra sa passion pour le tir à l’arc, moyen utilisé pour attaquer ses victimes - et dans la dernière scène du film. Lors de son ultime visite au centre pénitentiaire, Eva rencontre un Kevin marqué par la détention et qui semble pour la première fois avoir besoin de sa mère. Dans son regard alors plein de détresse, le spectateur sent qu’il va enfin répondre à la question du pourquoi, réponse qui permettra à Eva de le quitter dans la lumière. 

Calliope

 

Signalons la parution récente du dernier roman de Lionel Shriver Tout ça pour quoi (So much for that), traduit de l'anglais (Etats-Unis) par M. lévy-Bram, Belfond, 530 p.

Les cahiers de la justice ... et du cinéma.

Les cahiers de la justice est la revue de l'Ecole Nationale de la Magistrature, co-éditée par cette dernière et Dalloz (http://www.dalloz-revues.fr/revues/Les_cahiers_de_la_justice-47.htm). Le directeur de la publication est le directeur de l'ENM, M. Jean-François Thony. Son directeur scientifique est le magistrat et secrétaire général de l'Association française pour l'histoire de la justice M. Denis Salas. Cette revue existe depuis 2006 ; elle est devenue trimestrielle à partir de 2010. Très régulièrement, les cahiers de la justice publient des études qui évoquent des films ayant pour thème le droit et la justice. Ci-après la liste de ces études, du numéro 4 de la revue (printemps 2009) au dernier numéro (décembre 2011). Bien entendu, nous complèterons la liste au fur et à mesure des publications. Bonne lecture !

- La justice française au cinéma, par Ch. Guéry (n° 4, printemps 2009, p. 181)

- "J'ai laissé mon âme d'artiste envahir mes mains", à propos du film Une justice à visages humains, par D. Salas (n° 4, printemps 2009, p. 201)

- Adam's Rib de Georges Cukor, par F. Gras (2010/1, p. 137)

- Les cas de conscience d'une procureure, à propos de La révélation (film de Hans Christian Schmid, 2010), par D. Salas (2010/4, p. 179)

- Abraham Lincoln : un avocat pour l'histoire (sur Young Mister Lincoln de John Ford), par A. Fabbri et Ch. Guéry (2011/1, p. 159)

- Le Dernier voyage du juge Feng. Film chinois de Liu Jie (2006), par D. Salas (2011/2, p. 141)

- Du savoir en politique - Justice et démocratie en Italie à travers l'oeuvre de Francesco Rosi Cadavres exquis, par X. Daverat (2011/4, p. 159)

- De la mise en récit d'un crime à sa mise en scène : l'affaire Pierre Rivière, par L. Miniato (2011/4, p. 177)

- Zones d'ombre (film de Mika Gianotti, 2011), par D. Salas (2012/1, p. 181)

TOUTE ADAPTATION EST-ELLE UNE TRAHISON ? TOUTES NOS ENVIES de Philippe Lioret (France, 2010)

  

La question de l’adaptation d’un succès de librairie, récurrente lors d’adaptations cinématographiques, mérite une nouvelle fois d’être posée en présence du dernier film de Philippe Lioret, Toutes nos envies, librement adapté de D'autres vies que la mienne d'Emmanuel Carrère (P.O.L., 2009).

En effet, si le réalisateur  a choisi - dans la densité du récit d'Emmanuel Carrère - de nous faire partager le quotidien de deux juges d'instance lyonnais (Claire et Stéphane), entre audiences et rédaction de jugements, justiciables surendettés tentant d'expliquer seuls à la barre leurs délicates conditions d'existence et avocats des sociétés de crédit sûrs de leur bon droit, vie de famille et problèmes de santé, force est de constater que le film n'est pas à la hauteur du livre dont il s'inspire. La force du récit était de nous faire découvrir d'autres vies que celles de l'écrivain réputé narcissique : Philippe, Jérôme, Delphine et leur petite Juliette emportée par le tsunami de décembre 2004 au Sri Lanka ; Juliette et Etienne, magistrats et amis, tous deux handicapés après un cancer ; Patrice, le mari devenu veuf après le décès de Juliette et leurs trois filles : Emilie, Clara et Diane. Ces rencontres fortuites pour l'écrivain, ces injonctions de récit adressées par Philippe puis Etienne ont amené Emmanuel Carrère - malgré ses préventions - à dépasser ses fêlures héritées de l'enfance (V. Un roman russe, P.O.L., 2006) et à tenir en lisière ses démons (V. L'adversaire, P.O.L., 2000) pour découvrir un monde étranger, fasciné qu'il est depuis longtemps par la justice et, s'ouvrant aux autres, entrer dans une sérénité qui lui était jusqu'alors inconnue.

Nul narcissisme chez Philippe Lioret, son attention aux autres, constante, trouvant à s'exprimer non seulement dans ses précédents films (V. notamment : Welcome, France, 2009) mais également dans Toutes nos envies. Il n'a pas son pareil pour filmer les êtres dans leur vie quotidienne (Claire, Christophe et leurs enfants dans leur nouvelle maison dont le mari - véritable homme au foyer - s'occupe en attendant de retrouver un emploi de chef saucier à la Tour rose, célèbre et fameux restaurant lyonnais), dans l’action (qu'il s'agisse du match de rugby ou de l'escapade baignade sur les lieux de villégiature d'enfance de Claire) ou nous montrer comment le désir de vie peut dépasser la maladie, quand sortie en cachette de l’hôpital, Claire assiste en compagnie de son collègue Stéphane à un match depuis le banc de touche. Mais aussi pour nous dépeindre les relations qui se nouent entre deux êtres qui se découvrent, les confidences épanchées sur l’épaule d’un collègue, le coup de foudre d’amitié qui fait craindre au mari une liaison extraconjugale.

Pour autant, il n'élude pas le combat de ces deux juges d’instance contre les sociétés de crédit, combat mené par Claire dans l’urgence d’une vie qu’elle sait condamnée et le souvenir d’une enfance avec une mère surendettée, car comme le dit son mari « on ne devient pas juge par hasard ». Combat qui lui permet de ranimer la flamme juridique vacillante de son vieux collègue Stéphane, figure du père et de l’ami interprété par Vincent Lindon, qui en retrouvant ses réflexes de maître nageur de Welcome est moins convaincant que dans Pater d’Alain Cavalier (France, 2011). En demandant à Stéphane de l’aider à lire les contrats dont les conditions de prêt sont en taille de police 5 au lieu des 8 requis par l’article R 311-12 du Code de la consommation (http://www.legifrance.gouv.fr/affichCodeArticle.do;jsessionid=60BDEF9D1F999BB40BBB3C916CDC64B0.tpdjo06v_1?idArticle=LEGIARTI000023527579&cidTexte=LEGITEXT000006069565&dateTexte=20111226) puis de prendre en audience le dossier de la jeune femme surendettée dont la fille se trouve dans la même classe que sa propre fille et en lui imposant un covoiturage hebdomadaire vers les rendez-vous au CHU de Valence en cachette du mari, de la grand-mère et de ses enfants, grâce à sa complicité naïve, Claire lui permet de se raccrocher à son combat de jeunesse. 

Si Philippe Lioret capte ces moments magiques où le raisonnement juridique se met en place dans un joyeux enchevêtrement de discussions à bâtons rompus, de contorsions intellectuelles et de cafés bus dans la cuisine, pendant que la famille s’affaire à l’extérieur, il n’échappe pas à un processus de simplification aboutissant à présenter le droit comme édulcoré. Si tous les moments forts du récit d’Emmanuel Carrère sont conservés, ils sont trahis dans leur lettre et dans leur esprit à l’exemple de la première scène d’audience où la juridiction apparaît composée de trois juges (alors que le juge d’instance siège à juge unique : art. L. 222-1 du Code de l’organisation judiciaire http://www.legifrance.gouv.fr/affichCodeArticle.do;jsessionid=FED9D8071424F932B2B5151BF72BEB1E.tpdjo12v_3?idArticle=LEGIARTI000006572125&cidTexte=LEGITEXT000006071164&dateTexte=20111226 ) ; de la requête en suspicion légitime que veut introduire l’avocat de la société de crédits, au motif que la juge d’instance connaît la justiciable surendettée, où si Claire est bien convoquée par le président du tribunal, elle poursuit sa fréquentation en l’installant même chez elle sans sanction ; de la question préjudicielle posée à la Cour de justice de l’Union européenne, où par la plus grande des invraisemblances Stéphane s’y déplace et négocie les dates d’audience avec le greffier en chef, alors même que le film est resté silencieux sur les différentes étapes judiciaires qui se sont déroulées en France. Traquer l’être humain derrière les textes, les procédures certes, mais pas les trahir au motif de ses propres envies. Ce que l’auteur avait réussi à rendre intelligible pour tout un chacun (qu’il soit juriste ou néophyte) est ici galvaudé par le scénariste-réalisateur dans un salmigondis de bons sentiments. A l'instar des paroles du film souvent incompréhensibles, la parole judiciaire y devient inaudible.

Dès lors deux histoires parallèles se déploient, celle qui se déroule sur l’écran, celle encore présente dans nos mémoires de lecteurs de D’autres vies que la mienne, histoires auxquelles se surajoute le récit du stage qu’Emmanuel Carrère avait effectué auprès des juridictions d’instance pour préparer son ouvrage et dont il nous avait entretenus le 4 novembre 2009 à l’Université de La Rochelle : (http://droit-gestion.univ-larochelle.fr/Rencontre-Droit-et-Litterature.html )

 

QUELQUES MESSAGES PERSONNELS, par Pierre Clémenti (S. E. F. Ph. Daudy, 1973, réed. Gallimard, coll. Folio, 2005)

 

Pierre Clémenti est un héros du cinéma libertaire français des années 60-70. Homme sans concessions, acteur exigeant, aperçu dans Le Guépard (France, Italie, 1963) de Luchino Visconti, il se fera notamment connaître du grand public grâce à deux films : Belle de jour (France, Italie, 1967) de Luis Buňuel aux côtés de Catherine Deneuve, et Benjamin ou les mémoires d’un puceau (France, 1968) de Michel Deville. Allure de jeune premier, présence magnétique à l’écran, Clémenti, beau comme Delon, est promis à une belle carrière populaire. Mais, avide d’expériences artistiques et refusant toute facilité, l’acteur tournera vite le dos au succès et préfèrera jouer sous la direction de réalisateurs avant-gardistes, tels Bernardo Bertolucci Partner (Italie, 1968), Pier Paolo Pasolini Porcherie (Italie, 1969) et Philippe Garrel Le Lit de la Vierge (France, 1969).

En juillet 1971, Pierre Clémenti alors en tournage à Rome est arrêté à son domicile par la police italienne pour détention de drogues.  Il restera emprisonné dix-huit mois avant d’être relâché. A la suite de cet épisode, ses apparitions sur le grand écran se feront plus rares jusqu’à sa dernière collaboration avec Joao César Monteiro et le film Le Bassin de J.W. (France, Portugal, 1997). Clémenti mourra des suites d’un cancer du foie à Paris au mois de décembre 1999.

Dans son livre Quelques messages personnels, Clémenti raconte son expérience carcérale et partage ses réflexions sur le métier d’acteur et ses souvenirs sur les grandes rencontres qui ont marquées sa vie. Quelques messages personnels permet tout d’abord au lecteur de se plonger dans le bouillonnement culturel du Paris rive gauche des années 1960, qui favorise l’émergence d’un grand mouvement d’avant-garde théâtrale auquel participe Pierre Clémenti avec d’autres compagnons décidés à briser les codes de la culture bourgeoise telle qu’elle existe à cette époque : « Les mecs de Saint-Germain (…) gardent les yeux ouverts sur le monde et à leur façon aussi ils se battent (…) poètes, illuminés, médecins, prophètes, acteurs, philosophes, architectes (…) ».

Clémenti est également un membre actif de la Bande de la Coupole réunissant son plus fidèle ami Jean-Pierre Kalfon (acteur touche-à-tout), Zouzou (chanteuse yé-yé, actrice et muse), Bulle Ogier (révélée par Rivette dans L’amour fou (France, 1968) ou encore Philippe Garrel (alors jeune réalisateur sous influence de Jean-Luc Godard et du Velvet Underground), véritables figures de la contre-culture et pour lesquels l’art doit être au service du peuple. Une partie de la Bande de la Coupole se retrouvera au générique du film Les Idoles (France, 1967) réalisé par le principal catalyseur de la troupe, Marc’O. Le film, étape clef dans le parcours de Clémenti, est une satire du showbiz, une fable sur la gloire éphémère qui donne la définition suivante de l’idole : « L’idole est l’incarnation en un individu de l’aspiration à la réussite des autres qui n’y parviendront pas ». Les années passées au sein de cette troupe seront parmi les plus intenses de sa vie : « Cinq années de travail collectif, de dépassement, d’initiation et d’invention, une même énergie qui nous nourrissait, une communauté d’hommes et de femmes qui unissent leurs forces pour converger à la même source, qui se donnent tout entiers au groupe, sans se trouver freinés par des considérations de carrière ou de succès personnel ».

Cette dernière expérience détermine Clémenti à rester dans la marge, à ne faire aucun compromis avec l’industrie du cinéma qu’il abhorre et à laquelle il reproche principalement de nier l’art : « J’ai vite compris que l’industrie (…) n’avait pas pour principal objectif de faciliter la recherche, ni de bouleverser les habitudes, de se risquer à l’inédit ». Le cinéma devenu une industrie du divertissement, sans aucune imagination, se contente d’exploiter la même recette du succès « jusqu’à épuisement ».

Quelques messages personnels est également l’occasion pour Clémenti de faire partager son expérience carcérale et de faire part de ses préoccupations, toujours actuelles, sur l’état des prisons et le rôle dévolu au système pénitentiaire. Selon le comédien, la prison, « négation de l’être humain » constitue le symbole de l’Etat répressif : « C’est la société de la trouille et de la matraque ».

Pierre Clémenti fait partager au lecteur le choc carcéral ressenti lors de son entrée dans la prison romaine de Regina Coeli dans laquelle il passera huit mois : « Le commencement, les premiers instants sont les mêmes pour tous.  Le claquement d’une porte, la porte de ta cellule qui se referme sur toi et tu restes là, immobile, glacé mais le cœur fou. D’abord tu as l’esprit vide, impossible d’aligner une pensée derrière l’autre ». Il présente ensuite son lieu de détention comme une « Prison vieille comme la ville, pierres noires et usées par cent générations d’emmurés » que l’on imagine surpeuplé : « Les dix bâtiments de Regina Coeli sont conçus pour abriter mille cinq cents détenus : ils en contiennent plus de trois mille » et vétuste : « c’est la prison du petit peuple de Rome, la maison d’infortune où échouent immanquablement les paumés, les faibles ceux qui ont douze gosses et pas de boulot, ceux qui n’ont pas pu se nourrir des miettes du festin romain », sans compter l’état d’hygiène inquiétant dans lequel vivent les détenus entassés dans des « trous obscurs ». Clémenti sera ensuite transféré à la prison de Rebibbia qui, bien que plus moderne, ne trouvera pas davantage grâce à ses yeux : « On améliore l’enfer, on ne change pas sa fonction ».

L’acteur s’interroge en outre sur les missions du système carcéral qui doit certes protéger la société, assurer la punition du condamné mais aussi favoriser son amendement et permettre sa réinsertion. Or, Clémenti observe que bien loin de permettre la réinsertion des détenus, la prison les brise, les dépersonnalise, les déstructure. Il cite en guise de justification les nombreux suicides qui se produisent en milieu carcéral : « Déjà plus de trente suicides dans les prisons françaises depuis le début de l’année ». Il forme le vœu d’un système punitif porteur de vie, de reconstruction et d’espoir pour tous ceux qui le subissent : selon lui, « La prison ne doit être ni un lieu de condamnation et de répression, mais d’abord un lieu de création ». L’épanouissement culturel des détenus ne devrait plus exclusivement passer par la télévision : regarder la télévision, média insignifiant, ne doit pas être considéré comme un luxe : « La télé parlons en. Loin qu’elle soit l’indispensable ouverture sur le monde, on en a fait la drogue du prisonnier ». Il imagine la prison comme une arche, comme un véritable lieu de création. Le discours peu réaliste de l’auteur, que l’on peut moquer, doit être replacé dans l’héritage de mai 1968 où la société doit être à reconstruire par tous moyens.

L’ouvrage trouve son épilogue avec le procès formé en appel qui permettra au comédien de sortir de prison après dix-huit mois de détention. Pierre Clémenti compare le tribunal, le jour de l’audience, à un théâtre : « où chacun est censé ne pas sortir de son rôle, où la mise en scène ne souffre aucune innovation ». L’aspect théâtral de l’audience est renforcé par la présence de journalistes et d’un public nombreux dans la salle ainsi que par le défilé à la barre des témoins de diverses personnalités du cinéma italien comme Federico Fellini ou Laura Betti qui se sont mobilisés en faveur du comédien français. Le procès lui donne également l’occasion d’exprimer tout son mépris à l’égard les magistrats : « J’ai compris qu’ils étaient morts de rendre la justice, d’en être les instruments ». Il poursuit : « La plus grande douleur c’est de penser qu’ils passent leurs journées à filer des quatre ans, des cinq ans de taule, à expédier des dizaines de mecs en prison, et que le soir, chez eux, ils n’ont pas envie de dégueuler ». Les saillies de Clémenti contre l’institution judiciaire ne sont guère originales dans la mesure où les critiques contre le magistrat sans cœur ont toujours été très répandues dans l’opinion publique. Mais, Pierre Clémenti sans doute emporté par sa révolte se trompe de cible et fait peser à tort sur les juges un mécontentement qui résulte en fait du fonctionnement même de la justice. En revanche, il apprécie les plaidoiries des avocats : « J’admire les avocats d’essayer de ranimer ces zombies, de s’obstiner à leur insuffler un peu de vie, un peu de chaleur, à leur redonner quelque chose d’humain ».

A travers ce court récit, se dessine en creux le portrait d’un acteur idéaliste, contestataire, insoumis et généreux, attachant jusque dans ses excès et ses contradictions nous offrant tout de même une belle leçon de vie : « Etre chaque fois le débutant ouvert à toutes les découvertes, ne pas (se) laisser enfermer dans un style d’habitudes (… ). Pour moi créer c’est faire tout ce que l’on fait comme pour la première fois ».

 Me Alexandre SOLER

Avocat au barreau de Toulouse

L'avocat (C. Anger, France, 2011)

Ainsi que l'écrit Christian Guéry : « la malhonnêteté, l’anormalité d’un comportement font de biens meilleurs scénarios. L’avocat banal et qui fait son travail n’intéresse pas vraiment le cinéma. L’honnêteté ne peut être exaltée, elle peut seulement être pratiquée » (Les avocats au cinéma, PUF, coll. questions judiciaires, Préf. F. Saint-Pierre, 2011, p. 213). Le film L'avocat, de Cédric Anger, confirme les propos du magistrat. Le jeune Léo, interprété par Benoît Magimel, vient de prêter serment et intègre un cabinet, à Montpellier, en tant que collaborateur. Son patron se présente comme un « technicien de la procédure » tandis qu'un autre collaborateur est un fiscaliste ne plaidant jamais. Les premiers mois sont ennuyeux pour l’avocat débutant : les clients et les affaires se succèdent, mais rien de bien passionnant. Léo est déçu par la profession qu'il a embrassée même si son épouse, enceinte, l'embrasse tendrement quand il rentre le soir à la maison, alors qu'il est déjà tard… Pourtant, cette situation d'ennui, de routine est certainement celle que rencontre la plupart des avocats, jeunes et moins jeunes. Beaucoup font avec, faute de mieux. Mais Léo ne va pas s'en contenter, tant mieux pour lui (du moins le croit-il dans un premier temps), et surtout tant mieux pour le spectateur, qui va y trouver quelque intérêt.

Un jour, Léo décroche une affaire pénale lui donnant l’occasion de soulever la nullité d’une garde à vue et d’obtenir la relaxe de son client. C'est le début de la gloire, son nom étant mentionné dans la presse locale, les clients les plus fortunés ne manqueraient pas de venir à lui sans coup férir ! Le premier (et le dernier) de ces clients à se manifester est un chef d'entreprise, Paul Vanoni (interprété par Gilbert Melki), à la tête d'une société spécialisée dans le ramassage et le traitement des déchets. Mais Vanoni a d'autres activités, hors-la-loi celles-ci, notamment la contrebande de cigarettes, pour laquelle il est poursuivi mais finalement relaxé grâce aux talents et à l'éloquence de son jeune avocat que l'on voit plaider pour l'occasion.

Vanoni, satisfait de son avocat, va lui proposer de devenir son conseil à temps plein ou presque, pour réaliser une sorte d’audit juridique et l’aider à dissimuler les activités de l’entreprise qui pourraient révéler certaines infractions (relevant de ses activités officielles et officieuses). Et c’est là que les ennuis commencent pour Léo, lequel intègre un milieu – le banditisme – qui n’est pas le sien, le chef d’entreprise et ses « associés » se révélant dangereux et prêts à tout pour écarter de leur route ceux qui auraient l’audace de leur dresser des obstacles, ou ceux qui auraient envie de les trahir. Les évènements se précipitent lorsqu’un agent des Douanes propose précisément à Léo de trahir son « employeur » en lui communiquant des informations destinées à mettre fin aux activités criminelles de ce dernier. Cruel dilemme pour l’avocat (et suspense insoutenable pour nous !). Que doit-il faire ? En fait, Léo n’a pas vraiment le choix, l’agent des Douanes ayant à sa disposition des photos compromettantes… Nous ne dirons rien de la fin du film même si chacun peut la deviner.

Que le cinéma ne nous montre pas le quotidien parfois morne des avocats est une chose, mais nulle obligation comme nombre de films (cf également Commis d’office), de mettre en scène plutôt maladroitement un avocat pris dans une situation pour le moins invraisemblable ! Les films de prétoire américains dont le héros est un avocat ne tombent pas, eux, dans ce travers des films français, lesquels ont décidément du mal à nous montrer la justice et ses acteurs de façon à la fois spectaculaire et crédible. Il y a certes The Devil’s advocate (L’associé du diable, T. Hackord, USA, 1998) qui est plus proche du cinéma fantastique que du documentaire et qui, sans être génial, est plutôt efficace et plaisant à regarder. S’agissant de l’Avocat, c’est tout à fait différent. Comme beaucoup de films français grand public, il semble souffrir d’un manque de moyens et de temps (pour l’écriture du scénario, pour le tournage…), et donc d’un manque d’ambitions véritablement cinématographiques : L’Avocat n’a rien d’original ni de marquant ; il ne fera pas date dans l’histoire du cinéma, ni parmi les films français relatifs à la justice et aux avocats. Il s’agit d’un film mineur à ranger dans la catégorie des films que l’on peut voir sans mal, et plutôt même en priorité, sur un petit écran.

Nous avons lu pour vous … LES AVOCATS AU CINEMA (PUF, 2011) de Christian Guéry

Les avocats ont la réputation d’être de bons (ou mauvais) acteurs, assumant pleinement leur rôle au cours du procès pour convaincre les juges du bien-fondé de la demande ou de la défense de leurs clients. De l’avocat/comédien à l’avocat au cinéma, il n’y a donc qu’un pas que le magistrat Christian Guéry a franchi pour le plus grand plaisir du lecteur cinéphile et/ou juriste.

Son ouvrage Les avocats au cinéma (dont nous avions signalé la parution dans un billet du 27 février 2011), préfacé par l’avocat Maître François Saint-Pierre, et qui paraît aux éditions PUF dans l’excellente collection « Questions judiciaires » (dirigé par notre collègue Frédéric Debove ) nous parle de façon équilibrée et passionnante - et comme son titre l’indique - à la fois de la profession d’avocat et de son traitement cinématographique, l’étude étant centrée presque exclusivement sur les cinémas américain et français.

L’auteur, qui est juge d’instruction, a une connaissance très pointue des deux justices - américaine et française  - qu’il confronte par l’entremise des deux cinémas et des différentes figures d’avocats qui y sont représentées. En sept chapitres, Christian Guéry nous parle des films qui donnent à voir le rôle de l’avocat dans le procès (essentiellement pénal), des rapports qu’il entretient avec ses clients (et donc aussi avec l’argent), de ses rapports avec le juge, de ses obligations déontologiques … Au fil des lignes, on s’aperçoit que le juge Guéry aime les avocats, qu’il a une connaissance aigüe de la profession et de ceux qui l’exercent, et qu’il les considère avec respect, en tant qu’ils assurent la mise en oeuvre des droits de la défense, sans lesquels la justice n’aurait de justice que le nom.

L’auteur démontre une culture cinématographique encyclopédique, une multitude de films, et de séries TV, étant cités ; le tout agrémenté d’un appareil scientifique et d’une culture juridique qui fait de ce livre un outil indispensable pour celui qui s’intéresse au cinéma, au droit et à la justice. Ce livre donne véritablement envie de voir (ou de revoir) les films de Cayatte, Clouzot, Costa-Gavras, Decoin, Ford, Hitchcock, Lang, Lumet, Pollack, Preminger, et de bien d’autres réalisateurs encore … Ne manquent que deux films à l’appel, et pour cause, puisque ces films sont sortis trop tardivement pour que Christian Guéry puisse les évoquer : L’avocat  (C. Anger, France, 2011) et La défense Lincoln (B. Furman, USA, 2011), adapté du roman éponyme de l'écrivain américain Michaël Connelly (Seuil, coll. Policiers, 2006).

A juste titre, l’auteur déplore que le cinéma français ne porte pas autant d’intérêt à la justice que le cinéma américain et lorsque, tel est le cas, que le cinéma français ne montre pas une image fidèle de la justice française, en plagiant la justice - et le cinéma - américains. Il est vrai que la procédure accusatoire est plus « spectaculaire » que la procédure inquisitoire, laquelle ne se prête pas aisément aux « films de prétoire ». C’est la raison pour laquelle, sans doute, le cinéma français préfère traiter de la justice à travers le film documentaire (v. par ex. les films de Raymond Depardon), plutôt que par le biais de la fiction.

Une chose est certaine en tout cas : qu’il s’agisse du cinéma américain ou du cinéma français, la plupart des films dont le personnage principal est un avocat ne nous décrivent pas le travail ordinaire et ingrat d’un avocat moyen. Tous les avocats au cinéma doivent faire face à des situations exceptionnelles, des injustices à combattre, des erreurs judiciaires à éviter, certains apparaissent comme indignes d’exercer la profession, tandis que d’autres sont de véritables héros … Comme le dit Christian Guéry à la fin du livre (p. 213) : « la malhonnêteté, l’anormalité d’un comportement font de biens meilleurs scénarios. L’avocat banal et qui fait son travail n’intéresse pas vraiment le cinéma. L’honnêteté ne peut être exaltée, elle peut seulement être pratiquée ».

Raimu dans Les inconnus dans la maison (H. Decoin, scén. de H.-G. Clouzot, d'après Simenon, France, 1942)

Charles Vanel dans La vérité (H.-G. Clouzot, France/Italie, 1960)

James Stewart dans Anatomy of a murder (Autopsie d'un meurtre, O. Preminger, Etats-Unis, 1959)

Paul Newman dans The verdict (Le verdict, S. Lumet, Etats-Unis, 1982)

Sommaire de l’ouvrage

Introduction

Chapitre I : L’avocat et l’enquête

Chapitre II : L’avocat et son client

Chapitre III : L’avocat et l’argent

Chapitre IV : L’avocat et ses juges

Chapitre V : L’avocat à l’audience

Chapitre VI : L’avocat et la morale

Chapitre VII : L’avocat, ce héros

Conclusion

Filmographie (films cités dans l’ouvrage)

Bibliographie (ouvrages cités)

Index des notions

Index des séries

Index des noms propres

Post scriptum

1) La couverture du livre de Christian Guéry est tirée du film de Claude Autant-Lara En cas de malheur (France, Italie, 1958), adapté d'un roman de Simenon.

2) Christian Guéry était l'invité de l'émission d'Antoine Garapon Le bien commun sur France culture le 30 juillet 2011 à 13 h. 30.

3) Liste, non exhaustive, de films à voir :

- Anatomy of a murder (Autopsie d'un meurtre), Otto Preminger, 1959

- L'avocat de la terreur, Barbet Schroeder, 2007

- Erin Brockovich, Steven Soderbegh, 2000

- The firm (La firme), Sydney Pollack, 1992

- Guilty as sin (L'avocat du diable), Sydney Lumet, 1993

- Les inconnus dans la maison, Henri Decoin, 1942

- Murder on a sunday morning (Un coupable idéal), Jean-Xavier de Lestrade, 2003

- The verdict (Le verdict), Sydney Lumet, 1983

- La vérité, Henri-Georges Clouzot, 1960

- Young Mister Lincoln (Vers sa destinée), John Ford, 1939

4) D'autres ouvrages de la collection "Questions judiciaires" (PUF)

- Les grands procès, D. Amson, J.-G. Moore, Ch. Amson, préf. J. Vergès, 2007

- Justice et littérature, J. Vergès, 2011

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Le blog Droit et cinéma : regards croisés part en vacances. A très bientôt.

DROIT DU CINEMA, par Pascal Kamina

Signalons la parution de l'ouvrage de Pascal Kamina, universitaire et avocat, Droit du cinéma (Lexis nexis, coll. Litec professionnels), qui intéressera à la fois les juristes de droit privé et de droit public, les cinéphiles, les universitaires et les professionnels du droit et du cinéma. Ce qui fait beaucoup de monde ... Nul doute que cet ouvrage  - et c'est ce que nous lui souhaitons - aura le succès qu'il mérite !

 

Présentation par l'éditeur

Le droit du cinéma est une matière complexe qui mêle le droit public et le droit privé, le droit international, les libertés fondamentales et le droit de la concurrence. Il est fortement influencé par les pratiques et les usages de la filière cinématographique.

Son cadre unique, qui n'avait fait l'objet d'aucune réforme d'ensemble depuis 1956, subit depuis 2009 une refonte importante, qui s'est notamment traduite par l'adoption d'un nouveau code, le Code du cinéma et de l'image animée.

Cet ouvrage propose une synthèse des différents aspects de ce nouveau droit du cinéma. Il aborde notamment : les questions institutionnelles et internationales (organisation, missions et pouvoirs du CNC, Union européenne et commerce international, traités de coproduction), les concepts clés (définitions et nationalité de l'oeuvre cinématographique), les règles applicables à l'ensemble de la filière cinématographique (publicité, sûretés cinématographiques, visas et classification, dépôt légal), le régime de la production, de la distribution et de l'exploitation en salles (conditions d'exercice, opérations de production, location des films, classement des salles, spectacle cinématographique, groupements et ententes de programmation, contrôle des recettes et formules d'accès), l'exploitation des oeuvres sur les marchés secondaires (télévision, vidéo et VOD) et le soutien à l'industrie cinématographique (soutiens financiers, contribution des services audiovisuels, mécanismes fiscaux et de garantie financière).

Il est destiné aux étudiants et aux universitaires, mais aussi aux praticiens du droit et aux professionnels de la filière cinématographique.

Pascal Kamina est maître de conférences à l'université de Poitiers, codirecteur du magistère et des masters 1 et 2 en droit des techniques de l'information et de la communication. Il est également avocat au barreau de Paris.

Le travail : souffrance ou plaisir, Colloque organisé par l'Université Paris XI, 1er avril 2011

La Faculté Jean-Monnet de l’Université Paris-Sud XI et la ville de Sceaux organisent, du 30 mars au 5 avril 2011, la troisième édition du festival Ciné-Droit, sur le thème du travail. Sous la présidence de la psychanalyste et historienne Elisabeth Roudinesco et avec la participation de François Doubin, ancien ministre du Commerce, de l’artisanat et de la consommation, ainsi que des réalisateurs Jean-Michel Carré et Christian Rouaud …

 

 

Programme du colloque du 1er avril : Le travail : souffrance ou plaisir ?

 

Dans l’enceinte de la Faculté Jean-Monnet, ce colloque ne réunira pas seulement des universitaires spécialistes du droit du travail : sous les regards croisés d’artistes, d’hommes de lettres, d’historiens, de psychanalystes, de sociologues, de juristes… des aspects les plus divers de l’univers du travail seront examinés avant d’être débattus entre les participants et le public.

 

Colloque Le travail : souffrance ou plaisir ?  

9h : ouverture du colloque par Jérôme Fromageau, doyen de la faculté Jean-Monnet

 

Matinée : 9h30 : Souffrance et plaisir au travail 

Sous la présidence de Frédéric Touboul, directeur général de Intelligence-rh.com

 

- Clarisse Siméant, historienne du droit et maître de conférences à l’université Paris-Sud 11 : « Labor » dans la doctrine romano canonique médiévale.

- Jean-Baptiste Rivaud, professeur de lettres en khâgne : Au commencement était la terre...

- Gérard Koch, artiste sculpteur : Le plaisir de faire 

Pause : 10h45 à 11h

- Marie Pezé, docteur en psychologie, expert judiciaire, responsable du réseau de consultations « Souffrance et travail » : Les athlètes de la quantité 

- Fatma Bouvet de la Maisonneuve, médecin psychiatre et addictologue, responsable de la consultation d'alcoologie pour femmes à l'hôpital Sainte-Anne à Paris : La santé psychique des femmes actives

- Ninon Maillard, historienne du droit et maître de conférences à l’université de Nantes:Quel statut pour le plus vieux « métier » du monde ? Quelques réflexions sur les réglementations de la prostitution en France

 

Après midi : 

Sous la présidence de François Jankowiak, professeur à l’université Paris-Sud 11

 

14 h : Le travail : approches croisées

- Robert Castel, sociologue, directeur d’études à l’EHESS : Au-delà de la souffrance et du plaisir, la reconnaissance sociale… 

- Antoine Lyon-Caen, professeur de droit à l’université Paris Ouest Nanterre La Défense et directeur de la Revue de droit du travail : Le travail du droit

- Bernard Friot, professeur émérite à l’université Paris Ouest Nanterre La Défense, IDHE: Le travail entre l’emploi et le salaire à vie

 

16h30 : Travail et inégalités 

- Emmanuel Dockès, professeur de droit à l’université Paris Ouest Nanterre La Défense: L'essor moderne de la subordination au travail

- Louis Schweitzer, ancien président de la Halde, président d’honneur de Renault :Discrimination, égalité et inégalités au travail

 

- Sur le même thème : cf les IIèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés de La Rochelle (2009).

 

- A lire : Sortir de la souffrance au travail de C. Dejours, psychanaliste et psychiatre (Le Monde.fr, Débat, 21 fév. 2011).

 

- A voir : La mise à mort du travail (La destruction, L'aliénation, La dépossession), documentaire de J.-R. Viallet (France, 2009).

 

LES AVOCATS AU CINEMA de Christian Guéry

Signalons la parution prochaine du livre de Christian Guéry Les avocats au cinéma (PUF, coll. Questions judiciaires, 2011).

Le précédent ouvrage de l'auteur était consacré aux Justices à l'écran (PUF, coll. Question judiciaires, 2007).

Christian Guéry nous avait fait l'honneur de sa présence lors des Ières rencontres Droit et cinéma : regards croisés en 2008, dont le thème était le huis clos judiciaire au cinéma, où il était venu parler du film Douze hommes en colère (S. Lumet, USA, 1957) Voir et écouter la communication de C. Guéry sur le site de la Faculté de Droit de la Rochelle ("ressources documentaires").

A l'occasion de la sortie de son livre, il sera l'invité de l'émission d'Antoine Garapon, Le Bien commun, sur France Culture, le 12 mars prochain 26 mars prochain 30 juillet prochain à 13 h 30.

Derniers jours pour la chevelure au cinéma ! A propos de l’exposition Brune / Blonde à la Cinémathèque française jusqu'au 16 janvier 2011

Même si l’exposition s’achève sous peu, elle est une invite à poursuivre l’exploration du mystère féminin, la chevelure masculine ayant été – jusqu’à présent peut-être ? – l’objet de moins d’attentions de la part des réalisateurs … et des spectateurs.

 Dès l'entrée, une jeune femme brune nous entraîne dans un sillage musical à la découverte d’un mur kaléidoscopique où alternent photos et extraits de films : Loulou  de Pabst, Le mépris de Godard, Les hommes préfèrent les blondes (Gentlemen Prefer Blondes) d’Howard Hawks, Belle de jour de Luis Bunuel …

La visite se poursuit dans une première série de salles où l’on découvre l’origine de l’opposition blonde / brune. Si depuis la fin du XIX° siècle « l’impérialisme de la blondeur » venant des pays du Nord a été repris par les nazis, avant que de s’imposer aux Etats-Unis permettant à Hitchcock de déclarer : « la parfaite femme à mystères doit être blanche, subtile et nordique », ce mythe - également repris en U.R.S.S. dans un but d’exclusion des minorités ethniques - aboutit à cette hégémonie de la femme blonde au XXème siècle jusqu’à ce que la femme brune, issue des minorités raciales d’Amérique du sud, d’Asie et d’Afrique, fasse son apparition sur nos écrans depuis la fin siècle. Ainsi comme le rappelle Alain Bergala - commissaire de l’exposition - « parler de la chevelure, c’est embrasser l’histoire de l’art et celle de nos sociétés. Bruns, blonds ou roux, coupés courts ou portés longs, relevés ou lâchés, les cheveux des femmes entretiennent depuis toujours un rapport étroit à l’histoire des sociétés et à la mythologie » (entretien TéléObs. Paris, p. 1). C’est ainsi que le cinéma a été le vecteur de l’émancipation féminine en immortalisant les cheveux à la garçonne de Louise Brooks, la coupe afro des Blacks Panthers, la coupe courte de Jean Seberg …

 Dédale de salles, de salon de coiffure, d’alcôves, de cabinet photographique nous permettent d’admirer la chevelure féminine au prisme des arts. Si les grands réalisateurs ont su capter éclairer la chevelure féminine, en accompagner les oscillations et l’apparition des nuques, se servant de l'opposition des chevelures brune / blonde dans leur scenario (de la brune séductrice par opposition à la blonde femme au foyer, puis l'inversion des rôles dès les années 30 où la brune domestiquée fait face à une blonde devenu la séductrice d'Hollywood, avant que la confusion ne joue à plein : la brune étant aussi la blonde, comme deux faces de la même figure féminine dans Persona de Bergman et Mulholland Drive de David Lynch), du sacrifice des cheveux (La passion de Jeanne d'Arc de Dreyer) à l’instar des veuves dans la Grèce antique, les peintres (« Fleurs au Bull-dog » de Francis Picabia, « Lana Turner » d’Andy Warhol …), mais aussi les sculpteurs (« La Danaïde » de Rodin) et les photographes (Man Ray, Edouard Boubat …) ont eux aussi tenté de représenter la matérialité et la sensualité du cheveu. De cette correspondance entre les arts, c’est le jeu de miroir cinéma/photographie qui retient l’attention, nous permettant d’admirer des photos d’actrices rectifiant leur coiffure sur un tournage : Marylin dans Les désaxés (The Misfits) de John Huston, Simone Signoret dans M15 demande protection (The Deadly  Affair) de Sidney Lumet, Silvana Mangano dans Riz amer (Riso amaro) de Giuseppe de Santis, comme dans les estampes japonaises où une extrême attention est portée à la coiffure par opposition aux photos de femmes algériennes prises en 1960 pour l’armée française où dévoilant leurs bruns cheveux, elles apparaissent dénudées sous l’objectif de Marc Garanger, les regards lourds de reproches.

Pour autant, comme le relève Alain Bergala, le geste au cinéma étant plus ambigu qu'en peinture et dans les autres arts, la durée du plan pouvant induire la séduction, le repli sur soi, la destruction, le désir … la gestuelle de la chevelure révèle son motif ciné-génique et permet au cinéma de tirer son épingle du jeu, telle la chevelure de Monica Vitti chez Antonioni "toujours en mouvement, dégageant une charge émotionnelle indépendante du personnage" et maintient le spectateur dans ses rets.

Malgré la présence de l’installation de « The Isolated Child » d’Alice Anderson pris dans des fils roux tendus depuis le haut du bâtiment de la Cinémathèque, immenses cheveux tendus comme les mailles d’un filet, la rousse n’est qu’un personnage secondaire de cette exposition Brune / Blonde. Or elle a toujours nourri l’imaginaire des sociétés : esclave prostituée dans l'Antiquité, sorcière au Moyen-Âge, peinte à l'époque victorienne par Rosseti. S’il fallu attendre le Technicolor pour la voir apparaître sur les écrans à l’image de la flamboyante Rita Hayworth dans Gilda de Charles Vidor - devenue blonde aux cheveux courts sous la férule de son réalisateur de mari dans La dame de Shangai (The Lady from Shangai) - , d’autres ont pourtant su retenir notre attention comme Maureen O'Hara chez Huston, Shirley McLaine chez Wilder et Hitchcock, Françoise Dorléac chez Demy et Truffaut ou Stéphane Audran chez Chabrol …

Et puis un sentiment de frustration, si Antonioni, Bergman, Bunuel, Jean-Luc Godard et David Lynch sont au rendez-vous, quelques extraits de films supplémentaires d’Hitchcock, Woody Allen et quelques autres … auraient ravi nos yeux. V. Brune Blonde, la chevelure féminine dans l’art et le cinéma, coéd. Skira-Flammarion/La cinémathèque française, 2010.

Dotés d’indéniables qualités de pédagogue, Alain Bergala – dont nous apprécions les talents lors des stages cinéma organisés par Edith Périn, responsable cinéma à la Coursive (à La Rochelle) et nos rencontres Droit et cinéma : regards croisés – nous entraîne tel un passeur de cinéma vers l’éternel féminin ...

Conférence de Alain Bergala :  "Les grands cinéastes de la chevelure", 16 novembre 2010

Le cinéma français, de la Nouvelle Vague à nos jours

Le critique de cinéma Jean-Michel Frodon nous avait l'honneur d'une présidence de séance lors des IIIèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés en juillet dernier, dont le thème était :  L'enfant, le droit et le cinéma. Réjouissons-nous aujourd'hui de la parution de sa monumentale somme consacrée au cinéma français, de la Nouvelle Vague à nos jours (Ed. Cahiers du cinéma, 1182 p.). Une bonne idée de cadeau de Noël !

Le beau Serge (C. Chabrol)

Hadewijch (B. Dumont)

Sommaire de l'ouvrage:

Livre premier : D'un printemps l'autre (mai 1959-mai 1968)

Livre deuxième : L'onde de chaleur (1968-1975)

Livre troisième : Le cinéma tombé du ciel (1976-1983)

Livre quatrième : Une autre histoire (1984-1999)

Livre cinquième : Un autre siècle, toujours du cinéma

A propos du livre (et bientôt du film) "D'autres vies que la mienne"

 

L'adaptation cinématographique du livre d'Emmanuel Carrère D'autres vies que la mienne (POL, 2009) vient de débuter. Le réalisateur Philippe Lioret a en effet commencé le tournage du film Toutes nos envies le 12 octobre dernier ainsi que nous l'a appris une dépèche de l'AFP en date du 2 octobre. Le film réunira les comédients Vincent Lindon et Marie Gillain, et sera centré sur la seconde partie du livre, à savoir le portrait des deux juges (le juge Etienne Rigal et Juliette), et la jurisprudence concernant l'office du juge dans le cadre des litiges relatifs aux crédits à la consommation.

L'occasion de vous montrer de larges extraits de la rencontre "Droit et Littérature'" qu'avait organisée Magalie Flores-Lonjou et Agnès de Luget de la Faculté de Droit de La Rochelle le 4 novembre 2009, en invitant Emmanuel Carrère à venir parler de son récit. La rencontre était animée par Denis Montebello, professeur de lettres et écrivain, et Lionel Miniato, maître de conférences en droit privé et avocat.

Voir la vidéo Rencontre Droit et Litterature sur le site de la Faculté de Droit de La Rochelle ("ressources documentaires").

Le huis clos judiciaire au cinéma (Gestes Editions, 2010), séance de signatures le vendredi 1er octobre au 10, rue de La Ferté, La Rochelle, à 18 h.

En 2008, l'Université de La Rochelle, en partenariat avec le Festival International du Film de La Rochelle, organisait les premières rencontres "Droit et Cinéma : regards croisés". Le thème inaugural du Huis Clos Judiciaire au cinéma  rassemblait  juristes amateurs de cinéma, et cinéphiles avertis. De ces rencontres, un opus éponyme est né. Paru chez Gestes édition, sous la direction de deux enseignants chercheurs de l'Université de La Rochelle -Magalie Flores-Lonjou et Agnès de Luget - il  réunit les communications des intervenants.
Gilles Diment, Monsieur CinéMatouvu (http://www.cinematouvu.com/), organise le vendredi 1er octobre 2010 au 10 de la rue de La Ferté une séance de signatures à partir de 18 heures.

FESTIVAL INTERNATIONAL DU FILM DE LA ROCHELLE : UNE RETROSPECTIVE

Impossible de tout voir, sentiment d'être passé à côté de découvertes majeures, fatigue oculaire avancée, perte de repère temporel par abus des salles obscures, pupilles dilatées par excès de pellicules absorbées, péripéties de projections : pellicules 16 mn rares et donc fragiles, projecteur surchauffé ... C'est cela un festival de cinéma, mais aussi la découverte d'une oeuvre à travers la rétrospective Kazan, plaisir d'accompagner ce créateur de ses débuts Le Lys de Brooklyn ( A Tree Grows in Brooklyn, Etats-Unis, 1945) à sa dernière réalisation Le dernier Nabab ( The Last Tycoon, Etats-Unis, 1976 ), de se laisser emporter par le tourbillon de ses films jusqu'à en découvrir la quintessence. Cinq thèmes semblent se dégager de sa filmographie : les problèmes politiques et sociaux, la dénonciation, le recours au droit, les rapports fils / père et homme / femme.

Si le premier était connu, il fut revu avec plaisir dans Sur les quais ( On the Waterfront, Etats-Unis, 1954) et découvert dans Le mur invisible (Gentleman's Agreement, Etats-Unis, 1948), L'héritage de la chair (Pinky, Etats-Unis, 1949), Panique dans la rue (Panic in the Streets, Etats-Unis, 1950), Viva Zapata ( Etats-Unis, 1952), Le fleuve sauvage (Wild River, Etats-Unis, 1960) et surtout Les Visiteurs (The Visitors, Etats-Unis, 1972), terrible film évoquant le traumatisme post-Vietnam pour les soldats ayant commis des atrocités. Quant à Un homme dans la foule (A face in the Crowd, Etats-Unis, 1957) il peut être vu en miroir avec L'arrangement (The Arrangement,  Etats-Unis, 1969) sur le thème toujours d'actualité du pouvoir de la publicité dans nos sociétés post-modernes ...

Si Kazan admet lui-même dans le documentaire qu'Annie Tresgot et Michel Ciment lui consacrèrent - Elia Kazan Outsider ( France, 1982 ) - que ses réalisations se sont densifiées, sont devenues plus complexes à partir de sa déposition devant la Commission des Activités antiaméricianes (HUAC : House Un-American Activities Committe) en 1952, Michel Ciment nous invita à recontextualiser cette dénonciation / délation / trahison - lors de la rencontre autour d'Elia Kazan le 5 juillet -.  Si le réalisateur né à Constantinople (Istanbul) au sein de la minorité grecque persécutée donna une dizaine de noms d'anciens camarades du parti communiste, noms par ailleurs bien connus du F.B.I., c'est autant en raison de l'attitude de l'Union soviétique vis-à-vis de ses intellectuels que du fonctionnement dudit parti dont il avait été exclu dans les années trente : "(...) j'avais été humilié, irrité et ulcéré par la façon dont on m'avait exclu du Parti ", précision confiée dans les années 70 à M. Ciment lors d’une série d'entretiens ( Kazan Losey. Edition définitive, Stock, 2009, p. 102 ). Ce témoignage - toujours considéré par certains comme un acte de traîtrise, alors qu'il conserva le soutien et l'amitié de plusieurs personnalités dont J. Huston, N. Ray, B. Wilder et J. Mankiewicz (V. Kazan Losey. Edition définitive, Stock, 2009, p. 235 ) - rejaillit sur sa création, tous ses films ultérieurs incluant un face à face entre un être et sa conscience autour de la question de la délation comme le jeune docker Terry Malloy ( Marlon Brando ) de Sur les quais , le directeur du cirque Cernik en Téchocoslovaquie dans L'homme sur la corde raide ( Man on a Tightrope, Etats-Unis, 1953) ou Bill Schmidt lors de la guerre du Vietnam dans Les Visiteurs. 

Plusieurs de ses films révèlent une croyance en la force du droit, marque des premiers amendements de la Constitution étasunienne. C'est ce qui permet à la jeune métisse Pinky - héroïne de L'héritage de la chair - de défendre son héritage dans un sud raciste et d'obtenir gain de cause devant un juge blanc, au soldat Bill Schmidt (James Woods) des Visiteurs de dénoncer des atrocités commises par son sergent et quelques soldats aboutissant à leur condamnation par un tribunal militaire. Cette croyance en la force du droit se double ici d’une comparaison entre la justice américaine et celle connue par sa famille en Turquie dans l'auto-biographique America, America ( Etats-Unis, 1963), la seconde se caractérisant par un système de corruption.

La relation fils / père, domaine de prédilection des cinéastes masculins, trouve une place de choix au sein de la filmographie de Kazan, même si ce duo laisse parfois place à la relation fille / père comme dans Le lys de Brooklyn , L'homme sur la corde raide et Les Visiteurs. Ces fils dont les pères sont absents physiquement ou moralement dans Le lys de Brooklyn et Sur les quais  peuvent parfois bénéficier d'un père adoptif comme Brock en la personne de Jim (Spencer Tracy) dans Le maître de la prairie (The sea of Grass, Etats-Unis, 1947). Ce sont malgré tout des relations souvent difficiles que ces jeunes hommes - à l'image de Cal ( James Dean ) dans A l'est d'Eden (East of Eden, Etats-Unis, 1955) ou de Bud ( Warren Beatty ) dans La fièvre dans le sang ( Splendor in the Grass, Etats-Unis, 1961 ) -  entretiennent avec leur père, confiné dans le poids des traditions. Cette relation filiale se double d’un questionnement sur l’identité d’un être au sein d’une famille immigrée. Un fils peut-il s’émanciper de la tutelle paternelle sans renier ses origines ? C’est toute la question de L’arrangement où, à la faveur d’un « accident », le publicitaire en vue Eddie Anderson traverse une crise existentielle et veut renouer - en vain - les fils avec son géniteur ...

Est-ce la mort de ses deux premières épouses, dont il admirait la personnalité et le travail comme nous l'apprîmes dans Elia Kazan Outsider (France, 1982), son remariage avec Frances à soixante-douze ans (V. E. KAZAN, Une vie, Grasset, 1988, p. 794 ), ses aventures féminines, mais la grande découverte de cette intégrale Kazan est son attention aux rapports de couple. Toutes les facettes de ce duo ayant été explorées par ce réalisateur : de la naissance des amours adolescentes dans La fièvre dans le sang, de cette lente montée du désir dans Le fleuve sauvage (Wild River, Etats-Unis, 1960), de ce trouble des êtres, de cette timidité de Monroe Stahr (jeune Robert de Niro) devant la réincarnation de son épouse décédée dans Le dernier Nabab . Attention qui se porte dans le choix des acteurs - réputation de meilleur directeur d'acteurs qui trouve son apogée dans La poupée de chair (Baby Doll, Etats-Unis, 1956) où le choix de Karl Malden en mari frustré, d'Eli Wallach en voisin latino sensuel tout en violence contenue et de Caroll Baker en femme enfant n'est pas pour rien dans la réalisation de ce chef d'oeuvre tiré du scénario de Tennesse Williams.

Cette attention aux relations homme / femme se manifeste dès Le maître de la prairie - où plane l'ombre tutélaire d'un Ford admiré - en révélant une femme forte (Katharine Hepburn), capable d'abandonner ses enfants pour s'opposer à son éleveur de bétail d'époux (Spencer Tracy), se poursuit avec l'infernal duo Blanche (Vivien Leigh) / Stanley (Marlon Brando) d'Un tramway nommé désir  et trouve son acmé dans l'autobiographique L'arrangement où un Eddie Anderson ( Kazan lui-même ? ) est partagé entre deux femmes et ne sait comment résoudre cette équation.

Au-delà de sa réputation de cinéaste social, Elia Kazan n’est-il pas avant tout un cinéaste des passions humaines ?

J'ai grandi dans des salles obscures

Gauthier JURGENSEN est membre de la commission de classification des oeuvres cinématographiques et chroniqueur cinéma sur Canal Académie. Il participera aux IIIèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés (La Rochelle, 3 et 4 juillet).

Le huis clos judiciaire au cinéma : publication des actes des Ières rencontres Droit et cinéma : regards croisés (2008)

Après la mise en ligne, sur ce blog, des enregistrements audiovisuels des premières rencontres Droit et cinéma: regards croisés consacrées au huis clos judiciaire au cinéma, nous avons le plaisir de vous annoncer la publication des actes de ces premières rencontres sous la forme d'un ouvrage (Ed. Geste, 188 pages, 15 euros).

TABLE DES MATIERES

Exposé préliminaire par Jean Tulard

Le huis clos judiciaire au cinéma : un défi cinématographique par Agnès de Luget et Magalie Flores-Lonjou

PREMIERE PARTIE

HUIS CLOS DANS LE REGARD DE LA CAMERA

10è chambre, Instants d'audiences :
Un film de Raymond Depardon par Jean-Paul Pancracio

"Ca n'y ressemble pas, mais vous êtes dans un tribunal !" A propos de The Outrage, de Martin Ritt, 1964 par Xavier Daverat

DEUXIEME PARTIE

DIALOGUE ENTRE LE HUIS CLOS ET LE MONDE

Sergeant Rutledge ou le huis clos impossible par Jean-Marie Tixier

TROISIEME PARTIE

HUIS CLOS COUPE DU MONDE

Sur Twelve angry men : le huis clos du délibéré aux Etats-Unis et en France par Christian Guéry

Le huis clos dans Twelve angry men de Sidney Lumet : coupure vers le sacré ou l'enfer ? par Richard Vidaud

En guise de conclusion par Françoise Thibaut

Filmographie

Bibliographie

Plaisirs de cinéma

Serge Sur et Jean Tulard participeront aux IIIèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés consacrées à l'enfant, le droit et le cinéma (La Rochelle, 3 et 4 juillet 2010). Ces rencontres sont organisées grâce au soutien du GIP Mission de recherche Droit et Justice.

L'humour désespéré de Yann Moix

L'écrivain et cinéaste Yann Moix a écrit La Meute pour défendre Roman Polanski, lequel a été arrêté en Suisse le 26 septembre 2009 - alors qu'il devait participer au festival du film de Zürich - en vue d'être extradé aux Etats-Unis pour des faits à caractère sexuel commis en 1977 sur une mineure âgée de treize ans, Samantha Geimer. L'ouvrage de Yann Moix ne se contente pas de défendre Polanski, ou plutôt pour sauver l'honneur du cinéaste et tenter de rétablir la vérité des faits, Yann Moix accuse : il fustige notamment ce qu'il appelle l'e-meute, tous ceux qui, sur la Toile, s'en sont pris de façon souvent anonyme à Polanski, n'hésitant pas à le traiter de pédophile, ce qu'il n'est pas, bien que les faits pour lesquels Polanski devrait être jugé aux Etats-Unis (détournement de mineure) soient évidemment graves et choquants compte tenu des circonstances et de l'âge de la victime. Et quand on sait ce que ce mot de pédophile représente depuis l'affaire Dutroux, l'accusation semble pour Yann Moix monstrueuse, faisant sortir Polanski de la communauté des humains.

Yann Moix accuse, donc, comme l'avait fait en son temps Zola dans l'Affaire ; il se déclare d'ailleurs polanskiste, comme il existait les dreyfusards. L'Affaire Dreyfus, au demeurant, n'est pas la seule référence de l'écrivain et cinéaste. L'ouvrage comporte en effet de nombreuses citations du Procès de Kafka qui se veulent - et le sont - éloquentes au regard de la procédure judiciaire lancée contre Polanski (pour plus de précisions sur la procédure et ses méandres, voir l'excellent film documentaire de Marina Zenovich, Roman Polanski. Wanted and desired, USA, 2008, qui couvre la période antérieure à l'arrestation de Polanski en Suisse).

Bien que n'ayant manifestement pas envie d'en rire - l'affaire semblant trop lui tenir à cœur pour cela -, Yann Moix réussit souvent à nous faire rire, nous, lecteur. Il use - et abuse parfois - de jeux de mots, mais son style est percutant, pamphlétaire, et ses analyses, non seulement sur l'affaire judiciaire elle-même mais également sur les réactions de l'opinion, - ce lynchage mondialisé - sont la plupart du temps assez fines et justes. Pour Yann Moix, la judéité de Polanski aussi bien que son génie artistique - dans une époque où les concours de air guitar sont l'occasion pour de parfaits inconnus sans véritable talent de jouer dans le vide devant des milliers de personnes - peuvent expliquer cette Affaire Polanski, dont on se demande à présent quand et comment elle se terminera.

Yann Moix, La meute, Grasset, 2010.

La bande-annonce de Wanted and desired

Le Air Guitar, c'est ça...

Dictionnaire amoureux du cinéma, Jean Tulard

Présentation de l'éditeur :

Etre né avec le cinéma parlant et voir des films depuis l'âge de sept ans permet de parler avec amour du Septième Art. Avec nostalgie aussi. Le cinéma était jadis une fête et un spectacle. On choisissait sa salle. l'ouvreuse nous plaçait, les lumières s'éteignaient, un rideau s'écartait. Sur l'écran se succédaient les actualités, un documentaire et un dessin animé ; puis venait l'entracte avec ses esquimaux glacés; et c'était enfin le grand film tant attendu. Dans les années cinquante naquit une culture cinématographique à  travers les longues files d'attente de la Cinémathèque, rue d'Ulm puis au Palais de Chaillot, les ciné-clubs et les revues spécialisées. Aujourd'hui, près de cent films passent quotidiennement sur le petit écran, et le DVD permet de constituer son Panthéon cinématographique. Le cinéma a perdu beaucoup de sa magie. Mais comment ne pas continuer a l'aimer ?

Jean Tulard, Dictionnaire amoureux du cinéma, Plon, 2009.