Le blog Droit et cinéma

"Les représentations du juge au cinéma", Colloque, Bruxelles, 13-14 mars 2015, appel à contributions

Colloque international

Arrêts sur images. Les représentations du juge au cinéma

Organisé par le Centre de droit public et le Centre de droit international de la Faculté de
droit de l’Université libre de Bruxelles (ULB)
Dans le cadre de l’Action de recherche concertée (ARC) : « Le juge. Un acteur en mutation »

Les 13 et 14 mars 2015

  "Le procès de Viviane Amsalem", (S. et R. Elkabetz, France, Allemagne, Israël, 2014)

Depuis peu, les juristes mais aussi les théoriciens et philosophes du droit ont commencé à
s’intéresser au cinéma et aux représentations du droit et de la justice qu’il véhicule. Ce
mouvement est certes plus développé dans le monde anglo-saxon, au sein duquel on le
désigne souvent au moyen de l’appellation « Law & Films », mais des initiatives allant dans
cette direction ont également pris place, ces dernières années, dans les cultures de droit
continental et en particulier dans le monde francophone. Cependant, la figure du « juge »
au cinéma n’a pas encore été vraiment étudiée de façon directe et spécifique, alors qu’elle
est incontournable au sein de notre pensée et de notre expérience du droit et de la justice, et qu’elle a en outre régulièrement retenu l’attention des cinéastes.

Parce que cette figure est au coeur de l’Action de Recherche Concertée Le juge, un acteur en
mutation (2010-2015), le Centre de droit international et le Centre de droit public de
l’Université Libre de Bruxelles ont décidé de consacrer le colloque final du projet aux
représentations du juge au cinéma. Intitulé Arrêts sur images, ce colloque international
consacrera deux journées complètes à la réflexion sur la figure du juge – considérée au
sens large (juge professionnel, juge non professionnel, jury, etc.) –, telle qu’elle est
représentée au cinéma, non seulement dans le genre spécifique que l’on nomme « film de
procès », mais aussi en explorant d’autres domaines cinématographiques.

Ce colloque sera divisé en quatre ateliers qui auront pour thèmes :

Atelier 1 : Le juge face au pouvoir.
Quelles articulations est-il possible de concevoir et de mettre en scène au cinéma
entre ce qu’on appelle communément le « pouvoir judiciaire » et d’autres types de
pouvoirs, politique, médiatique, social ou économique ? Bien des configurations
semblent envisageables entre les deux situations extrêmes que sont, d’une part,
l’autonomie totale du judiciaire et, d’autre part, son instrumentalisation par les
autres pouvoirs. La force du septième art réside sans doute dans sa capacité à
explorer ces zones grises que l’on nomme « rapport de forces », « influence
réciproque », « confusion des genres », etc.

Atelier 2 : L’erreur judiciaire à l’écran.
Pour des raisons bien compréhensibles, les juristes peinent à élaborer une
« théorie » de l’erreur judiciaire. Qu’ont à nous montrer les cinéastes sur ce thème ?
Où se situe la force heuristique des expériences qu’ils nous font vivre dans les
nombreux films qui relatent de telles erreurs (ou prétendues erreurs), films qui
naviguent bien souvent entre réflexion et émotion, entre raison et passion ?

Atelier 3 : Juger le pluralisme juridique.
Bien que l’État revendique un monopole dans l’édiction de normes à caractère
juridique, il cohabite avec divers ordres qui génèrent, eux aussi, des normes
considérées comme obligatoires par leurs destinataires (Églises, syndicats, ordres
sportifs, familles, « loi du milieu », etc.). Comment le cinéma parvient-il à rendre
compte du passage à la limite entre ces différents ordres qui se côtoient, et parfois
s’affrontent, au sein de nos sociétés ? Comment appréhende-t-il les interactions
entre ces divers systèmes normatifs hétérogènes ? Quelle vision se font les
cinéastes du rôle du juge dans un tel contexte d’incertitude normative ?

Atelier 4 : Le juge comme acteur : quand la caméra entre au tribunal.
Ce dernier atelier sera consacré non au « juge personnage » – incarné par un acteur
–, mais au « juge réel », qui est de plus en plus souvent filmé au tribunal, alors qu’il
est plongé dans l’action. Cet atelier permettra ainsi d’interroger le double sens du
mot acteur – celui qui agit et celui qui joue un rôle –, ainsi que les implications de
cette polysémie dès lors que l’on considère le rôle du juge, en particulier. On se
tournera en conséquence vers d’autres genres cinématographiques ou télévisuels,
qui vont du documentaire aux émissions de téléréalité. Parmi les nombreuses
interrogations qui pourront être ici mobilisées, mentionnons la question de savoir
dans quelle mesure ces procédés se veulent « réalistes » ou, au contraire, assument
l’impact qu’ils produisent inévitablement sur la réalité, ou encore celle du devenir
de la justice, en tant qu’institution, dès lors que l’aspect formel du procès est
gommé au profit de sa dimension spectaculaire.

À la fin de ces deux journées, en lieu et place des habituelles « conclusions », une table
ronde sera organisée qui donnera la parole à des professionnels du cinéma afin de leur
permettre, de façon assez inédite, de dialoguer avec des juristes, qu’ils soient théoriciens
ou praticiens. L’interrogation placée au centre de cette table ronde finale sera celle du sens
et de la légitimité du recours au cinéma pour éclairer les débats juridiques contemporains :
en se tournant vers le cinéma, le juriste ne risque-t-il pas, en effet, de l’instrumentaliser et
de dénaturer la composante esthétique qui lui est essentielle (à supposer que le cinéma ne
soit pas appréhendé, ce qu’il peut être également, comme un pur divertissement) ?

Ce colloque s’inscrira en outre dans le prolongement des autres composantes du projet
« Arrêts sur images » (http://www.arcdroit.ulb.ac.be/Arrets_sur_images_-
_Sommaire.html), à savoir :
1/ le ciné-club : un cycle de projections/débats est actuellement en cours à la
Faculté de droit de l’ULB, qui propose à la communauté universitaire et au public
en général un certain nombre d’oeuvres cinématographiques et les soumet à
l’analyse de conférenciers invités en raison de leur expertise ;
2/ le site internet : des analyses de films sont publiées sur une interface spécifique
consacrée aux représentations du juge au cinéma, alimentée par des billets
réguliers, rédigés par des auteurs issus d’horizons divers.

1. Les propositions d’exposés et de contributions sont centrées sur la figure du juge,
considérée au sens large, et ne traitent pas à titre principal d’un autre objet ;

2. Elles s’insèrent explicitement et naturellement dans l’un des quatre ateliers définis
ci-dessus (Atelier 1 : Le juge face au pouvoir ; Atelier 2 : L’erreur judiciaire à l’écran ;
Atelier 3 : Juger le pluralisme juridique ; Atelier 4 : Le juge comme acteur : quand la
caméra entre au tribunal) ;

3. Elles anticipent un exposé de trente minutes, qui intègre des extraits de films, étant
entendu que le temps de parole consacré au extraits (en ce compris la
contextualisation par l’orateur des extraits choisis par rapport au film dont ils sont
issus) ne pourra pas représenter plus d’un tiers de la durée totale de la présentation ;

4. L’orateur accepte de participer activement aux séminaires préparatoires qui se
tiendront à l’ULB avant le colloque (durant la première quinzaine de décembre 2014),
séminaires qui sont destinés à insuffler une certaine cohérence à l’ensemble de
l’événement scientifique (les organisateurs prendront en charge les frais afférents aux
déplacements des orateurs qui résident hors du territoire belge).

Les propositions d’exposés (qui ne dépasseront pas 5000 signes, espaces non compris),
accompagnées d’une bibliographie et d’une filmographie (d’une page maximum) devront
parvenir aux organisateurs pour le 15 septembre 2014. Elles peuvent être envoyées à l’adresse suivante : webmaster.droit@ulb.ac.be

Les organisateurs, après avoir soumis les propositions reçues au Comité scientifique de
l’événement, informeront les postulants le 15 octobre 2014, au plus tard, de la décision prise. Les organisateurs prendront à leur charge les frais de déplacement sur la base d’un trajet en
classe économique au tarif le plus avantageux, les nuits d’hôtel sur la base d’une chambre
« single » pendant toute la période du colloque et les repas prévus au programme. Les
réservations seront faites directement par les organisateurs. Aucun remboursement
supplémentaire (taxis, restaurants, etc.) ne sera octroyé, ni aucun per diem. Ces conditions
s’appliquent également aux séminaires préparatoires.

Bill Viola, sculpteur de temps - Paris, Grand-Palais, 5 mars-21 juillet 2014

C’est une gageure d’essayer de rendre compte de l’exposition Bill Viola au Grand Palais tant l’œuvre est riche, complexe et dans la mesure où il ne s’agit pas d'imiter les critiques d’art ni d’essayer de décrire tout ce que l’on peut voir et expérimenter au cours de ce parcours assez inhabituel.

L’artiste est né le 25 janvier 1951 à New-York mais, comme il le dit, son véritable acte de naissance, c’est l’avènement de la vidéo : « je suis né en même temps que la vidéo » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux- Grand Palais, 2014, p.17).

 C’est en 1969 qu’il découvre ce médium au centre des étudiants de l’université de Syracuse dans l’état de New-York où il était parti étudier la peinture et la musique électronique. C’est là qu'en 1970 il rencontre Nam Jun Paik, coréen émigré aux Etats-Unis, qui a inventé ce nouveau médium qu'est l’art vidéo pour « s'attaquer à la télévision » (Ibid., p. 32).

Bill Viola va s’emparer de cet outil et aura recours à tous les moyens mis à sa disposition par les nouvelles technologies rendant compte, d’une certaine façon, de l’histoire de l’évolution de la vidéo.

L’œuvre de Bill Viola est le fruit d’une triple contingence : un accident de la vie, une nouveauté technologique (comme avait pu l'être l’invention du tube de peinture qui avait permis aux impressionnistes de sortir de leur atelier) et la rencontre avec Nam Jun Paik.

L'exposition évoque toutes ses séries de 1977 à aujourd’hui et montre l’étendue des supports utilisés : sculptures, bandes vidéos destinées à la télévision, installations, projections, écrans plasma, écrans flottants en tissu transparent, pièces sonores. Elle s’ouvre sur une phrase du penseur Soufi Ibn Arabi : « Si tu t’engages dans le voyage tu y arriveras ». A quoi et où s’engage-t-on lorsqu'on pénètre en ce lieu ?

D’emblée on est frappé par une atmosphère inhabituelle : le visiteur est plongé dans l’obscurité et déambule dans différentes salles obscures où se profilent des ombres, où les corps des visiteurs se frôlent ou se cognent les uns aux autres. On essaie de trouver une place, on s'appuie contre une paroi, on s'assoit ou on s'allonge par terre. Nul doute que nous allons participer à une expérience particulière, à une performance dont nous sommes le spectateur mais aussi, dans une certaine mesure, l’acteur : « C’est comme un voyage, voyage qui n’est pas une réponse mais une question ».

Les œuvres surgissent comme des fresques sur des écrans, sur des murs. On s’installe, on attend - car l’expérience du temps fait partie intégrante de l’exposition : il faut presque 7 heures pour en voir l’intégralité - et on est soudain immergé, submergé par les images.

Jérôme Neutre, commissaire de l’exposition, explique qu’il a conçu le parcours en trois chapitres : « Le premier concerne l’introspection, depuis les débuts, quand Bill Viola était son propre modèle : question de vie et de mort, jusqu’aux rêves et aux cauchemars. Le deuxième évoque le dialogue entre le moi et l’univers, depuis le film dans le désert : Chott el-Djerid, a portrait in light and heath, 1979, (bande vidéo en couleur avec son). Le troisième questionne la transcendance et la transfiguration ».

L’artiste nous invite à « partir en quête d’une signification et d’une spiritualité… Je pense que le mystère est probablement l’aspect le plus important de mon travail. Le mystère est le moment où vous ouvrez une porte et où vous la refermez, et vous ne savez pas où vous allez. Vous êtes perdu. Etre perdu est une des choses les plus importantes » (J-P. Fargier, Film Bill Viola, Expérience de l’infini, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux - Grand palais, 2014).

Effectivement nous sommes perdus dans l’espace et le temps, entre attente et disparition.

Bill Viola, créateur de vidéos, artiste de son temps, s’inscrit  également dans l’histoire de l’art : certains tableaux sont des dialogues avec des œuvres de grands maîtres de l’art classique auxquelles il donne chair par la mise en scène des corps, le travail sur les émotions extrêmes, la naissance, la mort, le passage, la continuité que la lenteur du mouvement met en scène (Catherine’s room de 2001, polyptique vidéo sur cinq écrans plats ; The sleep of the reason de 1998, installation vidéo sonore en continu ; The quintet of astonishe de 2000, rétro-projection vidéo en couleurs)

L’eau

   L’exposition s’ouvre et se clôt dans l’eau. Dans la première salle nous sommes en présence d’une vidéo de 1977-1979 : The reflecting pool, dans la dernière de sept écrans plasma montrant sept personnages immergés : The dreamers datant de 2013.

L’artiste nous livre l’origine de ce thème de l'eau et de ses variations. Il s’agit d’une expérience contingente, un accident, un début de noyade qui a provoqué une sorte de ravissement, un traumatisme « positif » (Ibid) : « J’ai failli me noyer à 6 ans, ça a changé ma vie, c’est l’expérience la plus importante de ma vie, expérience émotionnelle très forte. Je n’ai pas eu peur, mon père (lapsus)... oncle a plongé, sinon je serais resté là, j’étais très heureux, c’est une expérience très positive, pas effrayante du tout, c’est un traumatisme, mais positif, je me croyais au paradis ou pas loin. Depuis je suis toujours revenu à cela dans mon travail, c’était un monde nouveau. Je suis resté fasciné par le monde que j’ai découvert en me noyant. Toute ma vie j’ai été fasciné par l’eau ».

A «Thème et variations», Bill Viola préfèrerait sans doute le terme de flux, car nous dit-il : « Dans l’univers il n’y a pas une seule vitesse de vie, tout est flux. C’est pour moi l’un des grands sujets sur lequel nous devons travailler, il faut libérer notre nature intuitive que nous avons verrouillée » (Catalogue de l’exposition, p 29).

 Le flux, c’est également ce qu’évoque Pascal Dusapin à propos de sa création musicale : « la forme s’établit au moment même où son créateur choisit d’en arrêter le flux et de le continuer en créant un enchevêtrement nouveau » (Une musique en train de se faire. Librairie du XXI siècle, Seuil, 2009, p. 17) et « composer n’est pas démontrer, c’est inventer des pulsions et des flux » (ibid, p. 109).

L’eau, c’est donc ce bassin The reflecting pool où se reflètent des corps en marche mais - inquiétante étrangeté - il n'y a personne sur les bords. Soudain un homme plonge et se trouve arrêté, suspendu dans l’espace et le temps pour s’évanouir quelques minutes plus tard.

L'eau : c’est également un déluge quasi biblique dans Going forth by day, installation audio et vidéo de cycles d’images projetées en cinq parties. Qu'y voit-on ? Une maison blanche, des passants dont le pas s’accélère progressivement créant chez le spectateur le sentiment d’une urgence, d’une catastrophe imminente et soudain le surgissement par la porte ouverte d'un flot d'eau qui emporte hommes et objets et humains, fait exploser les fenêtres, submerge et envahit tout, immense noyade, destruction totale, apocalypse. Cette œuvre a été réalisée après les évènements du 11 septembre 2001 à New-York et pourrait en constituer une évocation.

L’eau c’est aussi ce « chef d’œuvre vidéolyrique » selon l’expression de Thomas Jean : Tristan’s ascension, The sound of of a mountain under a waterfall de 2005. Dans une des séquences conçues pour l’opéra de WagnerTristan et Isolde mis en scène par Peters Sellars figure une stèle, un corps étendu, voilé en plan fixe. On attend, une goutte d’eau quitte le sol, s’élève puis une autre quelque temps plus tard et la pluie monte, de plus en plus violente, en trombe d’eau - cascade ascendante qui gronde - et le corps de Tristan se soulève entraîné par l’eau en furie et s'élève jusqu’à disparaître. La pluie se calme, s’arrête, tout redevient immobile et silencieux. Il ne reste que la dalle vide qui luit sur le sol mouillé.

« Sculpter le temps »

    C’est la définition que donne Bill Viola de son art dans une note de son Journal en 1989 : « Le temps est la matière première du film et de la vidéo. La mécanique peut en être des caméras, de la pellicule, des cassettes, ce que l’on travaille c’est du temps. On crée des évènements qui vont se déplier, sur une sorte de support rigide qui est incarné dans une cassette ou de la pellicule, et cela constitue l’expérience d’un déroulement » (Reasons for Knocking at an Empty House, Writtings 1973-1994, traduction de J. Neutre, Cambridge, MIT Press, 1995, p. 253).

Sculpter le temps est une expression surprenante. Sculpter c’est donner forme, relief, ôter pour faire apparaitre une néo-forme à partie de l’informe. Comment peut-on sculpter le temps ? Grâce à l’outil vidéo : alors qu’il regarde un match de football à la télévision, Bill Viola découvre le ralenti. Il va exploiter cette possibilité pour en faire un élément majeur de son œuvre et une réflexion sur le temps. Grâce à une technologie de plus en plus performante il peut filmer jusqu’à 300 images par seconde, ce qui lui permet ensuite de procéder à des ralentis extrêmes (ce que ne permet pas le cinéma à 18 images par seconde) : « Le ralenti est toujours important, je finis toujours par y recourir, j’ai trouvé que le monde bougeait trop vite. Je me suis concentré sur ce point : entrer à l’intérieur du temps, comprendre ce qui s’y passe. La majorité de mes œuvres se réfère à l’idée de malléabilité du temps. On peut l’étirer encore et encore ou le compresser » (J.-P. Fargier, Film Bill Viola,Expérience de l’infini, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux Grand-Palais, 2014) «  Quand on filme au ralenti, les émotions continuent de la maintenir en mouvement » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux- Grand Palais, 2014, p. 29).

Il s’agit donc d’utiliser cette possibilité que donne le ralenti pour réinscrire le spectateur dans l’expérience du temps à une époque où la vitesse a pris le pas sur les évènements de la vie, ce qui fait dire à Paul Virilio que nous sommes arrivés à un terme : « Désormais on n’accélèrera plus. Désormais l’histoire aura atteint sa vitesse limite. C’est une question à laquelle je n’ai pas de réponse. Ce que je sais c’est que cet accident général, l’emboutissement du mur du temps est un évènement qui va nous faire ralentir, nous faire régresser, revenir en arrière» (Cybermonde la politique du pire, Conversations pour demain, Paris,  Editions Textuel, 2010, p 52).

Et Bill Viola a le projet « de créer une œuvre d’art qui doit être vue avec le cœur. Observer une chose longtemps et inviter le spectateur à regarder cette chose longtemps, c’est la seule façon de découvrir l’essence d’un objet ou d’une scène » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, op. cit., p. 26). Arrêter le temps est rendu possible grâce à ce nouvel outil qu'est la vidéo.

Le son

   S’il se définit comme sculpteur de temps, il me semble que l’on peut avancer que Bill Viola est également un sculpteur de son : il n’a pas manqué d’utiliser tous les moyens mis à sa disposition par ce nouveau média, la vidéo, en particulier le son, pour en produire les effets les plus inattendus.

« L’idée du son a une place énorme, elle structure tout pour moi, j’ai conçu beaucoup d’œuvres à partir du son, j’ai travaillé sur des projets nécessitant une très forte puissance sonore, c’est ce qui m’intéressait le plus à mes débuts, cette intensité du son que l’on pouvait modeler comme une sculpture, parce que le son rebondit sur les surfaces qu’il percute. Quand vous frappez dans vos mains, vous pouvez ralentir le son, vous l’entendez rebondir sur les murs jusqu’à envahir tout l’espace et finalement disparaître. La vidéo n’est pas seulement une machine pour l’image, c’est aussi une machine pour le son. C’était le point clef à cette époque, que le son soit marié avec l’image. C’est ce qui m’a amené à réaliser que les sens de l’être humain sont tous connectés » (J.-P. Fargier, Film Bill Viola, Expérience de l’infini, op. cit.).

Bill Viola souhaite « donner toute la place à l’inconscient » (ibid). C’est évidemment une formule qui touche les psychanalystes. Et, rejoignant Freud et Lacan dans cette formule dorénavant devenue célèbre : « En sa matière, l’artiste précède toujours le psychanalyste », il nous explique : « Je ne savais pas ce que j’étais en train de faire. La façon dont on peut voir les choses et ne pas vraiment les voir, avec la lumière intérieure, celle des émotions et des sentiments » (ibid).

« La caméra est un œil ouvert qui permet de réapprendre à voir et la vidéo, en particulier lorsque l’on filme dans le noir, voit ce que l’œil ne voit pas. Et ça a apporté le direct. Le paysage est le lien entre notre moi extérieur et notre moi intérieur » (ibid).

« L’objet dont on parle n’est pas le tableau accroché au mur; ce n’est pas la sculpture dans le coin d’une salle, ce n’est pas la vidéo sur l’écran plasma, c’est le risque que l’on prend, ce que l’on met dans l’acte de création, ce que l’on sacrifie de soi pour atteindre cette profondeur » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, op. cit., p. 39).

Gérard Seyeux, psychanalyste

Frontière(s) au cinéma : programme et résumés des interventions

Plus que quelques jours avant les VIIemes Rencontres Droit et cinéma de La Rochelle. Voici le programme et les résumés des interventions (L'ensemble est également accessible ici).

Grande nouveauté : le colloque sera retransmis en direct!

 

"Frontière(s) au cinéma" : une histoire d'affiches (VIIèmes rencontres Droit et cinéma, 27 et 28 juin 2014)

Les affiches présentées sont des créations des étudiants du Master 2 e-tourisme et ingénierie culturelle des patrimoines dirigé par M. Mickaël Augeron de l'Univeristé de La Rochelle.

 

L'AFFICHE DU COLLOQUE

 

LES AUTRES AFFICHES

"Frontière(s) au cinéma", VIIèmes rencontres Droit et cinéma, 27 et 28 juin 2014, Université de La Rochelle

FRONTIERE(S) AU CINEMA

VIIèmes rencontres Droit et cinéma

Vendredi 27 juin 2014

8h45 : Accueil des participants

9h15 : Allocutions de bienvenue

Mathias Tranchant, vice-président conseil d‘administration, Université de La Rochelle, vice-président du CUE Limousin Poitou-Charentes

Pascale Garcia, vice-présidente commission recherche, Université de La Rochelle

Catherine Benguigui, vice-présidente à la culture, à la vie sportive et associative, Université de La Rochelle

André Giudicelli, professeur de droit privé et sciences criminelles, doyen de la faculté de droit, de sciences politique et de gestion, Université de La Rochelle

Jeanne Lallement et Sylvain Dejean, codirecteurs du CEREGE LR-MOS, Université de La Rochelle

Laurent Vidal, professeur d'histoire contemporaine, directeur-adjoint du CRHIA-La Rochelle, Université de La Rochelle

9h30 : Frontière(s) au cinéma. Propos introductifs par Christophe Bonnotte, maître de conférences en droit public, OMIJ-IAJ, Vice-président délégué en charge de l’attractivité des campus, Université de Limoges, Estelle Epinoux maître de conférences en études irlandaises, département d’études anglophones, EHIC, Université de Limoges et Magalie Flores-Lonjou, maître de conférences en droit public,CEREGE LR-MOS, Université de La Rochelle

 

I. Les frontières du passé

10h Sous la présidence de Jacques Bouineau, professeur d’histoire du droit, directeur du CEIR, Université de La Rochelle

- Une frontière invisible dans l’empire colonial français : Pépé le moko et la représentation de la casbah d’Alger par Nathalie Goedert, maître de conférences en histoire du droit, Université Paris-Sud, OMIJ-IAJ et Ninon Maillard, maître de conférences en histoire du droit, Laboratoire Droit et changement social, Université de Nantes

- Cinéma, nationalisme et politique de l’Etat au Sri Lanka : de l’internationalisation vers l’indigénisation par Vilasnee Tampoe Hautin, maître de conférences agrégée d’anglais, Université de La Réunion

Débat

Pause

II. Les frontières : d’un pays l’autre…

1. Frontières et territoires perdus

11h15 Sous la présidence d’Andrea Grunert, enseignante en études cinématographiques, Université protestante des sciences appliquées de Bochum

- La représentation des frontières dans les films d’action : la fin des territoires ? par Olivier Corten, professeur, directeur du Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international, Université Libre de Bruxelles

- The Outlaw at Sea: An Inquiry into Cinematic Depictions of Pirates and Piracy par Timothy Delaune, professeur assistant en science politique, Université de Suny Cortland

Débat

12h15 = Déjeuner

1^èRe table ronde : Frontières et immigration clandestine

14h-15h15 Animée par Michel Massé, professeur émérite de droit privé et sciences criminelles, EPRED, Université de Poitiers

Avec :

- Yves Gounin, conseiller d’Etat, délégué aux relations internationales du Conseil d’ Etat 

- Frédérique Devaux, maître de conférences en cinéma, ASTRAM, Université Aix-Marseille

- Gloria Paganini, maître de conférences en études italiennes, Université de Nantes

Débat

Pause

2^nde table ronde : Frontières et conflits 

15h45-17h15 Animée par Nathalie Martinière, professeure de littérature anglaise, département d’études anglophones, EHIC, Université de Limoges

Avec :

- Pierre Dairon, professeur assistant de français, Kenyon Collège, Ohio

- François Dubuisson, professeur  de droit, Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international, Université libre de Bruxelles

- Sébastien Jounel, docteur en cinéma qualifié CNU, chargé de cours, Université Michel Montaigne Bordeaux III 

- Anne Lagerwall, professeure-assistante de droit, Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international, Université libre de Bruxelles

- Marie Pascal, doctorante en littérature québécoise et cinéma, Université de Toronto

Débat

Pause

17h45 Carte blanche à…

Débat

Samedi 28 juin 2014

                   Les frontières : d’un pays l’autre… (suite)

2. Regards du cinéma étatsunien

9h Sous la présidence de Danièle André, maître de conférences en langues, littératures et civilisations des pays anglophones, CHRIA, Université de La Rochelle

- Les frontières du droit à l’épreuve des films de mafias par Nicolas Thirion, professeur ordinaire de droit, Université de Liège et David Pasteger, assistant en droit, Université de liège, avocat au barreau de Liège

- Norme, identité et réalité. S'affranchir des frontières dans le cinéma des Wachowski par Pierre-Anne Forcadet, docteur en histoire du droit qualifié CNU, ATER Université d’Angers 

Débat

Pause

10h15Sous la présidence d’Annabel Audureau, docteur en littérature comparée, PRAG Université de La Rochelle

- Les frontières ne meurent  jamais : James Bond à la croisée des mondes par Damien Bruneau, agrégé de géographie, professeur en collège

- La frontière dans les blockbusters hollywoodiens post-11 septembre 2001 : à la recherche de nouvelles frontières par Sébastien Candelon, doctorant en cinéma, Université Paris 3

Débat

Pause

3. Cinémas des marges

- 11h30 Sous la présidence de Catherine Marie, professeur de droit privé et sciences criminelles, assesseur recherche, CEJEP, Université de La Rochelle, co-directrice de l’école doctorale Droit et science politique Pierre Couvrat

- Usages discursifs de la frontière générique dans le cinéma : autour de Dr. Strangelove, Rosemary’s Baby et Kaboompar Chloé Delaporte, docteure en sociologie, post-doctorat au Labex ICCA, IRCAV, chargée d’enseignement Université Sorbonne Nouvelle Paris 3

- Entre le conflit politique et la démarcation symbolique : l’imaginaire de la frontière dans El Camino d’Ishtar Yasin par Sergio Coto-Rivel, doctorant études ibériques, Université Bordeaux 3, ATER en Espagnol, Université de Nantes

Débat

12h30 = déjeuner

1^ère table ronde : La frontière Etats-Unis/Mexique

14h-15h15 Animée par Xavier Daverat, professeur de droit privé, IRDAP, Université de Bordeaux

- Avec :

- Massimo Olivero, doctorant et chargé de cours Université Paris 3

- Pablo Gomez, doctorant en études anglaises et cinématographiques, Université de Saragosse

- Valerio Coladonato, docteur en cinéma, Université La Sapienza

Débat

Pause

III. Les frontières du cinéma

15h45 Sous la présidence de Françoise Thibaut, professeur des universités, correspondant de l’Institut

- Sharing the Intimacy of an Unspeakable Frontier: Tate Taylor’s The Help (2011) par Emmanuelle Andres, maître de conférences en anglais, CRHIA, Université de La Rochelle et Suzette Tanis-Plant, docteur en anglais, Université Montpellier 3

- Le cinéma de Tim Burton : aux frontières des genres cinématographiques par Florence Chéron, doctorante en esthétique, sciences et technologies du cinéma et de l'audiovisuel, ATER Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis

Débat

Pause

2^nde table ronde : Frontières et regards de cinéastes

17h-18h30 Animée par Gilles Menegaldo, professeur émérite en littérature américaine et études cinématographiques, FORELL, Université de Poitiers

- Antoine Buchet, magistrat en disponibilité, membre du service juridique de la Commission européenne

- Louis Daubresse, doctorant en cinéma, chargé de cours, Université Paris 3

- Marion Poirson-Dechonne, maître de conférences en cinéma, RIRRA, Université PAUL Valéry Montpellier 3

- Despina Sinou, docteur en droit public, enseignant-chercheur, CEJEP, Université de La Rochelle

- Immi Tallgren, post-doctorante à l’institut Erik Castrén pour le droit international et droits de l’homme, Université d’Helsinki, chercheuse associée auprès du séminaire interdisciplinaire d’études juridiques, Université Saint-Louis, Bruxelles

Débat

19h : Fin des travaux

FILMS VOYOUS

La programmation TV réserve parfois de bonnes surprises : LIMITLESS a récemment été programmé par deux fois !

LIMITLESS de Neil Burger (Etats-Unis, 2011) avec Bradley Cooper et Robert de Niro se revoit avec un délice jubilatoire. Je l’adore : avec toute l’apparence de la bonne pâte bien pensante, il est pervers, décalé, insolent, ce n’est pas un très bon film, mais réalisé avec d’assez petits moyens, et pourvu d’effets spéciaux assez primitifs, il a tout de même rapporté pas mal de dollars.

Il est surtout parfaitement PEDAGOGIQUE et tombe à merveille sous nos yeux français, au moment où l’on est prêt à fourbir des armes pour une énième discussion sur nos désuets systèmes de formation. L’intrigue démarre avec un quasi SDF en chambre, un type inhibé, sale, vaguement imbibé, largué par l’inspiration (il veut écrire) et sa copine, pour terminer avec un super trader futur sénateur doré sur tranche dans son complet trois pièces Schifonelli (mieux qu’Hugo Boss). Entre les deux, on nous apprend comment se droguer intelligemment, à tuer proprement, à tricher, à se débarrasser de tout et de tous ceux qui gênent. Mentalement assez proche d’American Psycho de Marye Harron (E-U., Canada, 2000), c’est moins glauque parce que cela reste parodique : c’est tellement invraisemblable que ça en devient rigolo. On est également prévenu contre toutes les mauvaises fréquentations qu’entraine cette illicite consommation prohibée par la bien pensante société bourgeoise. On marche tout de même, parce que c’est très bien joué : Abbie Comish en joli ange salvateur est parfaite, et le truand harcelant venu de l’Est barbare est plus vrai que nature, avec sa panoplie de lames. Robert de Niro n’a que quatre scènes épisodiques, mais il y est somptueux (il a d’ailleurs en partie financé le film, lequel, sans lui, n’aurait pas vu le jour). Le retournement final, cette ultime scène sur le trottoir est délectable : parfaitement perverse, on y ressent toute la jubilation des supercamés qui se croient invincibles (« vous deviendriez mon esclave »…et la moue contrariée de de Niro… Ah ! quelle admirable seconde de cinoche !).

En salle en France, le film a fait un semi bide, pour devenir ensuite une jolie aventure pour patates de canapé. Il s’inscrit dans la mouvance de Very bad trip de Todd Phillips (E.-U., All., 2009), ou bien encore de American bluff de David O. Russel (E.-U., 2013)toujours avec Bradley Cooper, ou encore de No pain, no gain de Michael Bay (E.-U., 2013).

Autre bide en France, mais absolument hilarant : 7 PSYCHOPATHES de Martin McDonagh (G.-B., 2012) : il a dû rester une seule semaine en salles. On le sait les Amerloques sont experts en vulgarité, en violence gratuite, en hémoglobine, en grossièretés et arnaques vulgaires. Ils idolâtrent les armes à feu, tirent à vue sur tout ce qui bouge. Toutes choses qui n’entreront jamais (allez savoir ?) Quai Conti. J’adore ce film totalement déjanté, qui dérape dans l’irréel mystique, le pur irresponsable, l’impunité glorieuse. La fin, où des flics dépassés, sur une route de semi désert, se désintéressent complètement des cadavres, les bras en croix, qui gisent sur l’asphalte surchauffée, est une grande leçon d’insouciance.

Il s’agit d’une histoire simple : un scénariste (Colin Farrell) en panne d’inspiration (encore un !) doit rendre sa copie sur un projet où il est question de 7 psychopathes ; son copain, lui, est voleur de chiens dans les quartiers pour riches, et vit des récompenses. Il est associé à un honorable retraité qui n’est autre que Christopher Walken (génial). Ce copain (Sam Rockwell) propose de le brancher sur quelques dingos qui pourraient l’aider à retrouver une plume alerte. Et nous voila partis pour une tournée de fous, d’autant qu’un des propriétaires de chiens volés n’est autre qu’un dangereux psychopathe (Un Woody Harrelson délirant). Il y a aussi Tom Waits et ses lapins blancs, qui, avec sa copine, rectifie les méchants tortionnaires avec une efficacité proche de la robotique : il est le vengeur des faibles… et il aime les lapins. C’est mon préféré. Tout cela se termine dans la confusion la plus totale, une immoralité rafraichissante. Je vous passe les intrigues annexes et les pièces rapportées éphémères, vouées à une vie aussi courte qu’intéressante, surtout sur la fin. Bref, c’est un film qui a fait un bide formidable en France : trop américain sans doute, mais qui défoule bien après huit heures passées avec des collègues particulièrement bouchés.

Enfin, tout mon cœur s’enflamme pour JASON BOURNE, dans son effarante trilogie – La Mémoire dans la peau/The Bourne Identity de Doug Liman (E.-U.,Rép. Tchèque, 2002), La Mort dans la peau/The Bourne Supremacy de Paul Greengrass (E.-U., 2004) et La Vengeance dans la peau/The Bourne Ultimatum de Paul Greengrass (E.-U., All., 2007) - (oublier les pseudos suites ratées). Ce mec là – même reformaté en presque surhomme – surprend tout de même un peu : mange jamais, dort jamais, fait jamais pipi, ressuscite sans cesse, frais comme une rose. Il a du fric tout le temps, des papiers toujours en règle, connait tous les codes barres, tous les plans de toutes les villes, toutes les langues vivantes et mortes. Bref, il est increvable : œil d’acier, muscles de titane, estomac en tungstène, tripes jamais nouées. Ce qui émerveille surtout : il passe toutes les frontières avec des armes que personne ne détecte jamais, ou bien (comme il n’y a jamais aucune explication sur ce mystère), il repère tout de suite le marchand d’armes le plus proche de l’aéroport, qui lui délivre tout ce qu’il veut avec le sourire comme une poule vous vend du parfum Hermès dans un duty free. Il a toujours des vêtements propres et secs, même après plusieurs heures dans l’eau ou caché dans une décharge. Comment fait-il ? Il ouvre toutes les voitures (Forest Whitaker aussi dans Ghost Dog), toutes les serrures, aucun coffre ne lui résiste.

Il semble baiser normalement, entre deux cauchemars, mais les préliminaires sont ils suffisants ou bien se jette-t- il sur sa proie tel un néandertalien ? En fait, on aimerait plutôt être sa mère c’est un peu ce que fait la bonne femme de Langley, d’autant que c’est Matt Damon, qui a déjà mal tourné en Monsieur Ripley, pour lui dire d’arrêter, de se moucher et d’aller jouer au parc.

Voilà, devant une pléthorique distribution de printemps, globalement assez consternante (sauf pour d’obscures productions de pays lointains), on peut toujours se raccrocher aux branches de l’impertinent divertissement.

Françoise Thibaut, correspondant de l’Institut

P. S. J’ai trois fils : l’ainé est un surdoué de la finance, un des rois de Wall Street, sans doute shooté mais ça lui réussit car il sait s’y prendre et n’est jamais tombé dans les pommes. Le second est un écrivain à succès dans le style gore ; son dernier opus a été vendu à plus de 3 millions d’exemplaires. Le plus jeune est un gentil garçon qui bosse dans le renseignement - je crois - je sais pas bien ce qu’il fait mais il parle neuf langues et n’oublie jamais mon anniversaire.

ECHOS CANNOIS - "La chambre bleue" et "The homesman".

   Le festival de Cannes n’est pas seulement retransmis sur tous nos petits et moyens écrans, il est également et partiellement programmé sur nos grands. Ce sont ainsi La chambre bleue de Mathieu Amalric (France, 2014) et The Homesman de Tommy Lee Jones (E.-U., 2014) qui ont été découverts. Retrouver deux excellents acteurs par ailleurs réalisateurs est toujours un plaisir, mais il fut de courte durée, leur dernier opus n’égalant pas leur précédent.

Si Mathieu Amalric et sa compagne coscénariste Stéphanie Cléau ont réussi à transposer de nos jours l’atmosphère d’une petite ville de province des années 1960 chère à Simenon dans une bourgade des environs de Poitiers, si le réalisateur a réussi à rendre l’égarement physique et mental qui saisit l’amant une fois lancé dans cette course éperdue des retrouvailles corporelles, s’il filme toujours amoureusement le corps des femmes (Esther/Stéphanie Cléau en version cinématographique de L’origine du monde de Courbet), comme il avait si bien su le faire dans Tournée (France, 2010) avec ses strip-teaseuses New Burlesque, s’il joue entre les lieux clos – celui de la chambre bleue des après-midi soustraites à la chaleur de l’été, aux activités professionnelles et aux conjoints, celui du cabinet du juge d’instruction aux multiples interrogatoires et confrontations, celui de la belle maison contemporaine de Julien et sa petite famille – en les filmant au format 1.33 « qui enserre les corps comme les pressions sociales, amoureuses ou policières les contraignent » comme l’écrit Jean-Michel Frodon http://blog.slate.fr/projection-publique/, le puzzle que nous assemblons peu à peu jusqu’au dénouement judiciaire nous laisse seulement une agréable impression. Tout sonne juste dans les plans, de la moiteur des corps jusqu’aux questions sans cesse répétées par le juge instructeur ou le psy (Blutch) ou du déroulé du procès en cour d’assises, et pourtant nous restons spectateurs. Est-ce la passion entre Esther et Julien qui fait défaut à l’écran ? http://www.franceinter.fr/emission-cine-debat-la-chambre-bleue-et-ligne-deau

Est-ce notre trop grande attente vis-à-vis de Mathieu Amalric dont chaque présence cinématographique est guettée et rarement déçue, qu’il s’agisse (pour les plus récentes) du personnage de Georges Devereux, ethnologue et psychanalyste français, spécialiste des cultures amérindiennes dans Jimmy P. Psychothérapie d'un Indien des Plaines d’Arnaud Desplechin(France, E.-U., 2013) ou du double jeune de Roman Polanski dans La Vénus à la fourrure (France, 2013) ? Autant son personnage de producteur en perdition nous le rendait attachant dans Tournée, autant son jeu est ici répétitif, à côté des deux actrices Léa Drucker et Stéphanie Cléau qui s’imposent sans effet. Est-ce le rôle dont il aurait dû confier l’interprétation à un autre, comme cela fut parfois conseillé à Woody Allen longtemps adepte de la triple casquette de scénariste-réalisateur-acteur ?

 

Un même sentiment mitigé se dégage du visionnage de The Homesman. Et pourtant étaient réunis tous les ingrédients pour un cocktail réussi : Hilary Swank, Tommy Lee Jones, Meryl Streep et James Spader pour les principaux acteurs ; des plans superbes d'une nature sauvage rythmés par les saisons ; des évocations-hommages aux maîtres du western - La prisonnière du désert/The Searchers de John Ford (E.-U., 1956) dès les premières minutes, La rivière rouge/Red River d’Howard Hawks (E.-U., 1948) pour la traversée fluviale, Les moissons du ciel/Days of Heaven de Terrence Malick (E.-U., 1978) pour cet improbable hôtel surgi de nulle part – et une histoire terrible située en 1855.

Mary Bee Cuddy (Hilary Swank), pionnière en quête d’un mari, cultivant seule ses terres du Nebraska, est chargée par sa communauté de ramener dans l’Iowa trois jeunes femmes atteintes de démence dans ces lieux inhospitaliers. Le retour à la civilisation de l’Est pour ces trois femmes et pour Mary Bee Cuddy - dont elle est issue et dont tout son être porte trace avec son goût des belles tenues, sa table bien mise, son amour de la musique… - s’accomplit avec l’aide de George Briggs (Tommy Lee Jones), un déserteur bon à rien, mais devenu homme à tout faire de cette maîtresse femme.

Déception d'autant plus grande que tous les codes du western étaient à la fois présents et réinterprétés. Présents la sauvagerie de l'Ouest rendant la vie difficile pour les êtres, rendus à leurs instincts les plus primaires, les nourrissons emportés par la diphtérie, et les femmes incapables de survivre dans un tel environnement. Présents les indiens et les animaux (loups), réduits à leur seule dangerosité, car s'attaquant dans un même mouvement au convoi et aux sépultures. Présente l’opposition entre un ouest de la barbarie, territoires sans droit ni présence étatique, et un Est cultivé et doté d'une monnaie officielle dans le cadre d'un État fédéral.

Mais également réinterprétés les codes du western, avec cette omniprésence féminine dans un genre dont elles font habituellement défaut, qu'il s'agisse de la pionnière forte et déterminée, de la femme du pasteur pleine de compassion, ou des trois jeunes mères devenues folles. De même réinterprétés les codes du western avec un franchissement de frontière mais inversé, puisqu'il s'agit de retrouver l'Est civilisé et non de conquérir de nouveaux territoires. Et pourtant cette quête - un retour dans l’Est idéalisé de sa jeunesse pour Mary Bee Cuddy, le salaire de 300 dollars pour l'acheminement du convoi pour George Briggs le rapatrieur et un traitement approprié pour les trois femmes à la santé mentale déficiente - va s'avérer une épreuve. L'hospitalité espérée par ces pionniers, jadis tentés par un Ouest plein de promesses, n’a pas lieu. Ils sont rejetés de l'autre côté de la frontière (physique ou mentale) par un Est WASP (White Anglo-Saxon Protestant) qui a oublié d'être solidaire avec les siens, renvoyant à la sauvagerie ses propres enfants. Rejetés de l'autre côté de la frontière (physique ou mentale) Mary Bee Cuddy, finalement rattrapée par le désespoir, et George Briggs, bourru solitaire au cœur tendre...

Autant son premier opus Trois enterrements/The Three Burials of Melquiades Estrada (E.-U., 2005), western contemporain, nous avait séduit par son récit déconstruit, sa capacité à rendre visible la complexité historique, juridique et politique de la frontière étatsuno-mexicaine dans un même hommage à Sam Peckinpah et son Apportez-moi la tête d'Alfredo Garcia/Bring Me The Head of Alfredo Garcia (E.-U./Mexique, 1974) et à Cormac McCarthy - dont Tommy Lee Jones est à la fois l'ami et l'interprète par le truchement des frères Coen dans No Country for Old Men(E.-U., 2007) - autant l’Eastern nous laisse de l’autre côté de la rive…

 

"AUTOUR DE LA REPRESENTATION DE LA FRONTIERE : MIGRATIONS ET CONQUETE DE NOUVEAUX TERRITOIRES", Université de Limoges (OMIJ), Mercredi 21 mai 2014

 

Dans le cadre du programme de recherche « Frontière (s) au cinéma »

avec le soutien du Conseil régional du Limousin et avec la participation de la Chaire d’excellence « Gestion du conflit et de l’après-conflit »

L’OMIJ (Université de Limoges) organise une journée d’études

AUTOUR DE LA REPRESENTATION DE LA FRONTIERE :

MIGRATIONS ET CONQUETE DE NOUVEAUX TERRITOIRES.

MERCREDI 21 MAI,

Salle de visio-conférences, présidence de l’Université, 33 rue François Mitterrand, Limoges

Matin : Etat de la recherche, Aspects méthodologiques

9h — Accueil des intervenants

9h15-9h30 — Ninon Maillard (Université de Nantes), Travailler sur l’image et la représentation du droit : quelques mots sur Grimaj et Imaj.

9h30-10h — Nathalie Goedert (Université Paris-sud), Axes pour la recherche en analyse juridique de l’image filmée

10h-10h30 — Christophe Lamoureux, (Université de Nantes), La sociologie du cinéma, genèse et état des lieux.

Pause

10h45-11h30 — Asal Bagheri-Griffaton et Sylvie Périneau (Université de Limoges), Sémiologie, méthodes et Ecoles

11h30 -12h — échanges, questions, débats

Pause déjeuner

Après-midi : Analyse de l’image en pratique

14h — Reprise des travaux

14h-17h30 — Regards croisés autour du film Le Havre de Aki Kaurismaki.

Séquences choisies et analyses successives puis croisées d’Asal Bagheri-Griffaton, Stéphane Boiron, Christophe Bonnotte, Christophe Lamoureux, Ninon Maillard et Sylvie Périneau.

Téhéran : projections d'une ville, Cité de l'architecture et du patrimoine, Paris, 16-24 mai 2014

Téhéran : Projections d’une ville

Dynamiques urbaines et sociétés civiles

 

CINEMA / TABLES RONDES / CONFERENCES / DEBATS

 

 

Cette manifestation est un lieu de rencontre de la recherche scientifique et de la création artistique. Elle a pour ambition de mieux faire découvrir une capitale de 13 millions d’habitants, tout en l’inscrivant dans les problématiques actuelles des grandes métropoles  du monde.

 

A travers un cycle de projections, de conférences et de tables rondes, ces journées sur Téhéran permettront de découvrir le processus de la démocratisation de la société iranienne « par le bas », en œuvre depuis les années 1960 jusqu’aujourd’hui. Comment sous la peau de la ville la démocratie se fabrique, s’expérimente, se heurte et avance.

 

Ce projet se focalisera sur plusieurs thèmes urbains regardés par les cinéastes du réel dont l’habitat et la crise urbaine à Téhéran, les répliques de la société civile face à l’urbanisme autoritaire et la place particulière des femmes dans l’espace public.

 

Lors de ces journées, un accent particulier sera mis sur le rôle des documentaristes en tant que témoins conscients mais aussi en tant qu’acteurs engagés de changements dans une société en pleine mutation.

 

 

Ces rencontres se déroulent en quatre après-midis

 

Vendredi 16 mai de 14h30 à 20h: En quête d’habitat: Les tragédies quotidiennes d’une ville en transformation : regards de trois documentaristes sur trois décennies à Téhéran -

 

Samedi 17 mai de 14h30 à 18h:Téhéran des femmes: L’Espace public en Iran : Quelle place pour les femmes ? Les femmes dans le processus de transformation de l’espace public à Téhéran.

 

Vendredi 23 mai de 14h30 à 20h:Transformations urbaines, patrimoine informel et sociétés civiles : Téhéran et les villes du Moyen Orient.   

 

Samedi 24 mai e 14h30 à 19h30: Cinéastes et artistes contemporains :perceptions de Téhéran. La ville exprimée par les cinéastes et artistes iraniens depuis les années 1950 à aujourd’hui.

 

Pour connaître le détail du programme rendez-vous sur le site du musée :
 http://www.citechaillot.fr/fr/auditorium/conferences_et_debats/cycle_teheran/

Entrée libre mais réservation obligatoire sur le site :
http://www.citechaillot.fr/fr/auditorium/conferences_et_debats/cycle_teheran/25529-teheran_projections_dune_ville.html

Et voici un lien sur Facebook pour l'actualisation des informations:
https://www.facebook.com/events/1438404689734802/

Rencontres avec A. Grunert et R. Delambre autour du numéro de CinémAction "De la pauvreté", Paris, 7 mai

La librairie du Cinéma du Panthéon vous proposent de rencontrer :

Andrea Grunert et

Raymond Delambre,

mercredi 7 mai à 19h
autour du numéro de Cinémaction coordonné par Andrea Grunert

De la pauvreté
Éditions Charles CORLET

Alors que vous pouvez découvrir le film de Wang Bing sur l’écran du cinéma du Panthéon http://www.whynotproductions.fr/pantheon/# , Andrea Grunert et Raymond Delambre s’entretiendront plus particulièrement sur le cinéaste chinois. Comment Wang Bing déplaça Joris Ivens de son piédestal constitue un chapitre du volume De la pauvreté suivi par un entretien, tous deux écrits et menés par le spécialiste wangbingien Raymond Delambre.
Plus généralement, les auteurs diront l’importance du discours et le positionnement du cinéma sur la pauvreté à notre époque secouée par des transformations sociales et économiques profondes. Que révèle la représentation des pauvres d’une société ou d’une époque ? Quel rôle est attribué aux pauvres ?
Est-ce que le cinéma des dernières années est marqué par un « retour du social » ?

Andrea Grunert est docteure en études cinématographiques et enseigne à l’Université Protestante des Sciences Appliquées de Bochum en Allemagne. Elle a soutenu sa thèse de doctorat sur les films de Clint Eastwood à l’Université de Paris X. Ses domaines de recherche sont le cinéma américain, britannique et irlandais. Elle poursuit actuellement ses travaux sur le réalisateur anglais Alan Clarke et la représentation filmique de la minorité des Irish Travellers. Elle est la coordinatrice de Le corps filmé (2006) et de L’écran des frontières (2010), parus dans la collection CinémAction aux Éditions Corlet.

Raymond Delambre est conservateur en chef, diplômé de sciences politiques, enseignant en sciences de l’information, ancien chef de la Mission action régionale au ministère de la Culture. Dramaturge (lauréat de Fondation franco-japonaise Sasakawa et de l’aide à la création octroyée par le ministère de la culture), auteur de nombreuses études sur les arts visuels et membre de comités scientifiques. Collaborateur de CinémAction, Monde chinois, Nouvelle Asie (géopolitique) il est l’auteur de Ombres électriques : les cinémas chinois (avec des chapitres et entretiens sur & avec Wang Bing), Le cinéma sur les cimaises (cinéma plasticien) édités par Cerf-Corlet.
http://www.cine-droit.u-psud.fr/?page_id=675

La Librairie du Cinéma du Panthéon
[Le Thé des écrivains - Ciné Reflet]

15, rue Victor-Cousin 75005 Paris - RER B "Luxembourg", Métro Ligne 10 "Cluny – La Sorbonne"

Ouvert du lundi au vendredi de 13h à 20h et le samedi de 11h à 20h tél. : 01 40 46 02 72

 - Entretien avec Andrea Grunert : http://www.dailymotion.com/video/x1cf4ze_regard-252-cinemaction-n-149-de-la-pauvrete-rlhd-tv_shortfilms

- A propos du livre de Raymond Delambre : Le cinéma sur les cimaises : http://aphg-languedoc.blogspot.fr/2013/10/chronique-dalbert-montagne-raymond.html

- A propos de Wang Bing : http://www.centrepompidou.fr/cpv/ressource.action?param.id=FR_R-eec9f71b4a2b7606766d498fff13f5&param.idSource=FR_E-eec9f71b4a2b7606766d498fff13f5

Programme provisoire du colloque "Frontière(s) au cinéma", VIIèmes rencontres Droit et cinéma, La Rochelle, 27-28 juin 2014

Avec le concours financier du PRES Limousin Poitou-Charentes

 

FRONTIERE(S) AU CINEMA

                                              VIIèmes rencontres Droit et cinéma

Programme provisoire

Vendredi 27 juin 2014

8H45 : Accueil des participants

9h : Allocutions de bienvenue

9h15 : Frontière(s) au cinéma. Propos introductifs

 

I. Les frontières du passé

9h45 Sous la présidence de…

- Une frontière invisible dans l’empire colonial français : Pépé le moko et la représentation de la casbah d’Alger par Nathalie Goedert, maître de conférences en histoire du droit, Université Paris-Sud, OMIJ-IAJ et Ninon Maillard, maître de conférences en histoire du droit, Université de Nantes, Laboratoire Droit et changement social

- Cinéma italien et émigration en France après la deuxième guerre mondiale par Giuilia Fassio, PhD Sciences anthropologique, Université Turin et Histoire, Université Grenoble, post-doctorat Université Turin

- Cinéma, nationalisme et politique de l’Etat au Sri Lanka : de l’internationalisation vers l’indigénisation par Vilasnee Tampoe Hautin, maître de conférences agrégée d’anglais, Université de La Réunion

Débat

Pause

 

II. Les frontières : d’un pays l’autre…

1. Frontières et territoires perdus

11h15 Sous la présidence de…

- Moving east like there is no end. Roadmovies of the former GDR par Marius Böttcher, diplômé en média design et media culture, Bauhaus Université de Weimar, cinéaste doctorant (sous réserve)

- La représentation des frontières dans les films d’action : la fin des territoires ? par Olivier Corten, professeur, Université Libre de Bruxelles, directeur du Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international

- The Outlaw at Sea: An Inquiry into Cinematic Depictions of Pirates and Piracy par Timothy Delaune, assistant professorde science politique, Université de Suny Cortland

Débat

12h30 = Déjeuner

1^ère table ronde : Frontières et immigration clandestine

14h-15h15 Animée par…

Avec :

- Yves Gounin, conseiller d’Etat, délégué aux relations internationales du Conseil d’ Etat 

- Frédérique Devaux, maître de conférences en cinéma, Université Aix-Marseille, ASTRAM EA 4673

- Gloria Paganini, maître de conférences en études italiennes, Université de Nantes

Débat

Pause

2^nde table ronde : Frontières et conflits 

15h45-17h15 Animée par…

Avec :

- Pierre Dairon, professeur assistant de français, Kenyon Collège, Ohio

- François Dubuisson, professeur  de droit, Université libre de Bruxelles, Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international

- Sébastien Jounel, docteur en cinéma qualifié CNU, chargé de cours, Université Michel Montaigne Bordeaux III 

- Anne Lagerwall, professeure-assistante de droit, Université libre de Bruxelles, Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international

- Marie Pascal, doctorante en littérature québécoise et cinéma, Université de Toronto

Débat

Pause

17h45 Carte blanche à…

Débat

 

Samedi 28 juin 2014

                   Les frontières : d’un pays l’autre… (suite)

2. Regards du cinéma étatsunien

9h Sous la présidence de…

- Les frontières du droit à l’épreuve des films de mafias par Nicolas Thirion, professeur ordinaire de droit, Université de Liège et David Pasteger, assistant en droit, Université de liège, avocat au barreau de Liège

- Usages discursifs de la frontière générique dans le cinéma étatsunien : autour de Dr. Strangelove, Rosemary’s Baby et Kaboompar Chloé Delaporte, docteure en sociologie, post-doctorat au Labex ICCA, chargé d’enseignement Université

- Norme, identité et réalité. Le cinéma des Wachowski, un cinéma de frontières par Pierre-Anne Forcadet, docteur en histoire du droit qualifié CNU, ATER Université d’Angers 

Débat

Pause

10h30  Sous la présidence de…

- Les frontières ne meurent jamais : James Bond à la croisée des mondes par Damien Bruneau, agrégé de géographie, professeur en collège (sous réserve)

- La frontière dans les blockbusters hollywoodiens post-11 septembre 2001 : à la recherche de nouvelles frontières par Sébastien Candelon, doctorant en cinéma, Université Paris 3

Débat

Pause

3. Regards des cinémas d’Amérique du sud

- 11h45 Sous la présidence de…

- Représenter la frontière dans la cinématographie mexicaine : le cas de La jaula de oro de Diego Quemada Diez par Paola Garcia, maître de conférences en civilisation latino-américaine, Université d’Avignon

- Entre le conflit politique et la démarcation symbolique : l’imaginaire de la frontière dans deux films costaricains par Sergio Coto-Rivel, doctorant études ibériques, Université Bordeaux 3, ATER en Espagnol, Université de Nantes

Débat

12h45 = déjeuner

1^ère table ronde : La frontière Etats-Unis/Mexique

14h-15h15 Animée par

- Avec :

- Massimo Olivero, doctorant et chargé de cours Université Paris 3

- Pablo Gomez, doctorant en études anglaises et cinématographiques, Université de Saragosse

- Valerio Coladonato, docteur en cinéma, Université La Sapienza

Débat

Pause

 

III. Les frontières du cinéma

15h45 Sous la présidence de…

- Sharing the Intimacy of an Unspeakable Frontier: Tate Taylor’s The Help (2011) par Emmanuelle Andres, maître de conférences en anglais, Université de La Rochelle et Suzette Tanis-Pliant, docteur en anglais, Université Montpellier 3

- Les droits civiques des hommes et des robots. Humanité et inhumanité de l'usage des machines dans I­-Robot et Äkta Människorpar Nathanael Wadbled, doctorant sciences information et communication, Université de Lorraine et muséologie, Université Québec Montréal (sous réserve)

- Le cinéma de Tim Burton : aux frontières des genres cinématographiques par Florence Chéron, doctorante en cinéma, ATER Université Paris 8

Débat

Pause

2^nde table ronde : Frontières et regards de cinéastes

17h15-18h45 Animée par…

- Antoine Buchet, magistrat, Commission européenne, DG chargée de la justice 

- Louis Daubresse, doctorant en cinéma, chargé de cours, Université Paris 3

- Marion Poirson-Dechonne, maître de conférences en cinéma, Université Montpellier 3 

- Despina Sinou, docteur en droit public, enseignant-chercheur Université de La Rochelle

- Immi Tallgren, post-doctorante à l’institut Erik Castrén pour le droit international et droits de l’homme, Université d’Helsinki, chercheuse associée auprès du Séminaire interdisciplinaire d’études juridiques, Université Saint-Louis, Bruxelles

Débat

19h : Fin des travaux

SYNTHESE DE LA JOURNEE D’ETUDE DU 25 OCTOBRE 2013 ORGANISEE DANS LE CADRE DU PRES LIMOUSIN-POITOU-CHARENTES « FRONTIERE(S) AU CINEMA »

La synthèse de cette journée est également accessible sur http://www.imaj.hypotheses.org.

L'ensemble des activités organisées dans le cadre du PRES Limousin-Poitou-Charentes est accessible sur la page dédiée à ce projet.

 

Territoires, conflits et frontières

« Analyse juridique de l’image : jalons pour une méthodologie »

25 octobre 2013

Université de Limoges

 

Porteurs du projet : Christophe Bonnotte, Nathalie Goedert, Ninon Maillard

Groupe de travail : Asal Bagheri, Stéphane Boiron, Christophe Lamoureux, Sylvie Périneau, Pascal Plas, Clarisse Siméant, Pascal Texier

Avec la participation de : Estelle Espinoux, Xavier Perrot, Virginie Saint-James, Julien Théra.

 

Si l’iconologie juridique existe depuis longtemps, l’analyse juridique de l’image animée est plus rare, voire inexistante. Le projet vise dans un premier temps à former un groupe de travail pérenne pour établir progressivement une méthode d’analyse autour de concepts partagés, sinon communs. Il s’agit de mettre en place une équipe qui pourrait, à moyen terme, se réunir régulièrement sous la forme d’un séminaire afin de produire des travaux en analyse juridique de l’image. L’objectif est de saisir, à travers l’image, le droit et sa représentation. Le matériau peut être divers : images fixes, images animées, films d’animation, documentaire, images d’archives… La pluridisciplinarité du groupe a vocation à fournir à l’équipe une diversité d’angles de vue : sémiologique, sociologique, historique et juridique. A travers les contributions des différents spécialistes, les méthodes d’examen de l’image, les concepts servant l’analyse, les logiques sous-tendant le raisonnement, les interprétations proposées permettent à tous d’appréhender l’image projetée au prisme d’une grille de lecture spécifique et à chaque fois éclairante.

 

Première journée de travail :

Le groupe se réunit autour d’un thème particulier, à savoir « la frontière ». Chacun se présente avec un support imagé au choix et propose son analyse. La succession des interventions démontre à la fois l’intérêt de travailler ensemble mais aussi la disparité des angles de vue, des pistes exploitées, du vocabulaire, des méthodes et ipso facto des conclusions produites. Au fur et à mesure de la journée, des recoupements s’opèrent et des « ponts » entre les spécialités se construisent. Autour d’une préoccupation commune (la frontière) et d’un support commun (l’image), les analyses spécifiques à chaque discipline se révèlent complémentaires pour appréhender l’image dans sa globalité et pour lui donner sens.

La sémiotique suppose un examen très précis des images, de leur montage, de leur cadre, de leur enchaînement, du fond comme de la forme. Les nombreux extraits proposés par Sylvie Périneau sont à chaque fois littéralement disséqués : l’approche sémiotique permet de se saisir du travail de l’image et de déconstruire l’objet pour mieux en reconstruire le sens. Le vocabulaire utilisé est spécialisé sans être inutilisable par d’autres disciplines : ainsi la diégèse. Suite à la contribution de S. Périneau, un échange autour de la « grammaire » prouve que certains outils emportent, ou non, l’adhésion des spécialistes. Christophe Lamoureux fait une remarque d’importance : le maître d’œuvre du film, celui qui précisément opère ce travail d’image est un artiste et un acteur social. Par là-même, il faut aussi contextualiser le travail de l’image qui ne saurait se réduire à un examen clinique et logique, dépouillé de toute considération de contexte.

Pascal Texier propose une rétrospective de ce qui s’est fait en iconologie juridique avant de montrer ce que le juriste peut tirer de l’examen des images, ici fixes. Là encore, la méthode d’analyse s’appuie sur une série, sur un corpus. Des informations précieuses sur le droit, sur les institutions découlent de l’examen systématique des images médiévales (sceaux, miniatures mais aussi tableaux, tympans ou chapiteaux d’église…). La compréhension du sens des images n’est qu’une première étape : l’analyse produit ensuite de la connaissance sur les procédures, les évolutions institutionnelles et même la chronologie. L’image n’est pas illustration, elle est source première de savoir.

Stéphane Boiron projette des photographies de Land Art au groupe de travail. La question de la recherche du sens est ici primordiale car l’image est porteuse d’un message. Le lieu, l’auteur, la date renseignent sur l’intention première de l’artiste. L’étude des images artistiques dans une démarche politique est intéressante : elle rappelle que l’image peut être vecteur d’un propos. Ici, l’œuvre artistique matérialise le concept de frontière. L’art peut donc faire visualiser, concrétiser, donner à voir l’immatériel, l’insaisissable, l’invisible.

L’intervention de Pascal Plas autour des images des procès internationaux établit la nécessité de réunir des chercheurs capables d’analyser ces images juridiques. L’exemple de Nuremberg est édifiant : 2h de film diffusé sur 40 heures produites alors que le procès a duré plusieurs mois. La vérité peut-elle provenir d’images lorsque l’image est fausse ? La récolte des images en cours va nécessiter un classement, une indexation et à moyen terme une analyse. Pascal Texier et Christophe Lamoureux réagissent sur cette image de procès, notamment aux Etats-Unis. Le premier pour souligner que l’image du procès ne peut se comprendre qu’au regard de la procédure, le second pour insister sur le statut culturel de l’image et sur sa place particulière dans la construction de la mémoire. L’ensemble de ces échanges permet d’établir que l’analyse de l’image est nécessaire au regard de la place que celle-ci prend dans le domaine de la preuve par exemple, et que cette analyse doit être globale : juridique, sociologique, sémiologique.

Christophe Lamoureux a choisi un film de fiction (Heaven’s gate de Michael Cimino) pour démontrer que le matériau cinématographique est précieux, voire irremplaçable, pour le sociologue. Il souligne un point fondamental : l’image cinématographique n’est pas seule en cause, il faut aussi considérer sa réception pour appréhender sa valeur sociologique. Le film, proposé et visionné, devient un matériau ayant valeur de donnée ethnographique. Le film doit ainsi être considéré dans sa réalisation, dans son scénario, dans son genre, dans son époque, dans sa réception pour être pleinement signifiant d’un point de vue sociologique. Alors même que le film n’ambitionne pas de présenter une vérité historique, il est porteur d’une autre vérité qui lui échappe et que seule l’analyse, ici sociologique, peut révéler.

Asal Bagheri expose sa méthode de travail et ses outils d’analyse. A l’appui de deux films autour du thème proposé, elle explique la recherche d’indices convergents qui constitue l’analyse systémique, préalable à l’analyse interprétative. Ce modèle en deux temps permet de travailler l’image comme un texte à partir des signes linguistique ou iconique dont A. Bagheri propose une typologie (iconique, scénique, technique, sonore).

A l’issue de ces échanges, il est apparu que l’approche pluridisciplinaire pouvait préciser le concept de frontière par le recours à ses représentations :

La journée a commencé par la contribution toute conceptuelle de Clarisse Siméant qui vise à définir juridiquement la frontière dans une dimension historique. Avant d’être une ligne, la frontière a été un front, une limite de zone d’autorité ou d’influence ou encore les confins du monde.

L’objet possède une haute teneur symbolique puisque la frontière définit dans une certaine mesure le rapport à l’autre, souvent construit à partir d’une limite territoriale.

La frontière est conçue comme point de contact avant de prendre le dessin d’une ligne de démarcation, qui sépare. Ainsi, la notion de frontière est déjà polymorphe puisqu’elle sépare et rapproche.

La frontière évoque aussi les limites de l’autorité : on ébauche avec elle un espace politique. Cette conception triomphe au moment de la Révolution française dont on connaît le goût pour la ligne droite et le compas : découpage territorial en département et théorie des frontières naturelles.

En droit international, la frontière permet de désigner les points extrêmes de deux ordres juridiques (Virginie Saint-James).

La frontière dessine un périmètre englobant : elle protège mais enferme aussi.

Symboliquement, le franchissement de la frontière est plus important que la frontière elle-même. C’est d’ailleurs souvent à l’occasion de son franchissement que la frontière est évoquée au cinéma (Sylvie Périneau évoque les postes frontières, la douane, les contrôle divers et les moyens de locomotion employés pour passer les frontières qui représentent cette dernière à l’écran…)

Elle donne lieu à un imaginaire fort qui incite au mouvement : dépasser la frontière, repousser les limites, transgresser aussi…

La frontière accompagne souvent une idéologie conquérante, notamment à l’occasion de l’expansion sans fin des empires (romains, napoléoniens…)

 

Au-delà du thème examiné, ce sont surtout les questions de méthodologie qui ont occupé les débats :

 

- Sur la pertinence d’une séparation entre image fixe et image animée : nos échanges ont fait la démonstration que nous pouvions évoquer ensemble ces deux dimensions iconographiques (Xavier Perrot a rappelé en introduction de la journée d’étude que les frises du Parthénon constituent le premier film script de l’histoire). Des méthodes spécifiques peuvent être dégagées mais les grandes lignes du traitement des images et surtout les résultats attendus de l’analyse restent communs.

 

- La question du langage est vite devenue centrale :

Chaque discipline a son langage ; le cinéma a son langage ; les images ont un langage : sémiologue, sociologue et juriste décryptent l’image tout en codant leurs analyses par un vocabulaire spécialisé. Il faut trouver un langage commun ou trouver des connexions entre les vocables, voire établir un langage spécifique pour l’analyse juridique de l’image.

Les sémioticiens évoquent une démarche indicielle (les indices signifient) qui permet de reconstruire une grammaire, toutefois différente de celle de la langue.

 

- Le débat porte aussi sur la question du sens  

Toute image doit-elle faire sens ? N’outrepasse t-on pas notre rôle en reconstruisant arbitrairement avec nos outils disciplinaires, le sens voire le message de l’image ?

Comment trouver l’équilibre entre l’analyse qui éclaire un concept sans préjuger du sens initial de l’œuvre ?

L’analyse juridique de l’image se démarque de la compréhension de l’image. Elle dépasse les intentions premières de la création de l’image pour, à l’appui d’une contextualisation et d’une déconstruction, offrir des éléments de connaissance sur un concept, une institution, une technique juridique, un événement historique. Dans certains cas, l’analyse de l’image conduit à des conclusions différentes de celles de l’historiographie commune.

 

L’image doit être envisagée tant dans sa production que dans sa réception. Il est nécessaire de distinguer entre l’image produite et l’image reçue car on ne doit pas présupposer que le langage du créateur  et le regard du récepteur ne font qu’un. Le sens voulu par le créateur ne sera pas forcément le sens perçu par le récepteur.

L’image utilisée à fin de preuve ne constitue pas automatiquement une image de la vérité. Seule une analyse que l’on pourrait qualifier de scientifique peut tendre à déterminer le sens de l’image, sa teneur véritable. L’image du procès, produite lors du procès ou issue de l’enregistrement de ce dernier, nécessite une analyse approfondie pour révéler sa part de vérité. Elle ne constitue pas, en elle-même, la vérité. De même, le cinéma peut relayer des idées fausses : il participe à la réécriture de l’histoire, voire à son écriture : il revisite les mythes, voire les fonde. Il est l’un des éléments de construction d’une culture sociale et juridique.

 

L’identification traditionnelle de la nature des images entre documentaire et fiction s’avère insuffisante. Il y a parfois plus de réalité dans la fiction (Christophe Lamoureux le souligne pour Heaven’s gate : ce film traduit une réalité sociologique mieux que l’expert ne peut le faire), et plus de composition, de reconstruction dans le documentaire ou la production d’images d’archives (Pascal Plas l’a démontré au sujet du procès de Nuremberg).

Il faut prendre au sérieux la médiation esthétique du cinéma (Sylvie Périneau a souligné que le cinéma est un langage) qui est en soi, un matériau social signifiant. La mise en forme de l’image, dès lors qu’elle est contextualisée, a autant de sens que le fond.

 

- La nécessité du corpus 

Asal Bagheri et Pascal Texier ont souligné l’importance de travailler sur un corpus et non sur des objets isolés : Comment définir ce corpus, surtout quand il s’agit de cinéma. Plus largement et  plus long terme, comment identifier, indexer un corpus, classer les films ?

 

 

La journée d’étude s’est terminée sur une discussion autour de la suite à donner aux rencontres du groupe. Il s’est avéré nécessaire de préciser les objectifs scientifiques de la démarche : qu’est-ce qu’une analyse juridique de l’image, qu’est-ce que l’analyse d’une image juridique, dans quelle mesure est-ce novateur et utile ? Il est urgent de dresser un état de la recherche, de préciser les termes employés (représentation, iconologie, iconographie, analyse juridique) et d’adapter les méthodes d’analyse de l’image afin d’une part de trouver une application spécifique aux images du droit (iconologie juridique) et d’autre part, de donner naissance à une analyse juridique des images.

"Culture et concurrence. Quel cadre juridique pour l'action publique ?", colloque du GRDPE, Grenoble, 17-18 avril 2014

Le droit de la concurrence constitue une des sources du droit de la culture dont l'influence n'a cessé de croître ces dernières décennies. Il conditionne l'action publique dans le secteur culturel et constitue une composante incontournable des politiques publiques menées dans les domaines de l'audiovisuel, de l’édition, du cinéma, ainsi que dans la gestion des services publics culturels (musées, théâtres, festivals, etc.).

L'Autorité de la concurrence a d'ailleurs développé ces dernières années une activité intense afin de préciser le cadre juridique des interventions des personnes publiques.

Pourtant, les études d'ensemble spécifiquement consacrées à la rencontre entre ces deux univers sont rares. Certes, de très nombreux commentaires ou articles analysent de façon parcellaire et dispersée le sujet mais sans que ne se dégage une vision d'ensemble de l'application du droit de la concurrence aux interventions publiques dans l'économie de la culture.

La problématique du colloque vise donc à porter un regard général sur les mutations du droit de la culture depuis l’émergence du droit public de la concurrence.

Entrée libre

Inscriptions en ligne sur : crj.upmf-grenoble.fr

Pour plus d'informations, contacter :
Le CRJ sur crj@upmf-grenoble.fr
ou au 04 76 82 58 14

Programme complet :

http://www.upmf-grenoble.fr/actualites/toute-l-actualite/colloque-du-grdpe-culture-et-concurrence-quel-cadre-juridique-pour-l-action-publique--201026.htm

ESPRIT JAPONAIS - JAPONESE SPIRIT

   Certes, il y a les spécialistes ! Mais gambadons tout de même avec l’innocence de l’extase et de l’à peu près romantique : une forte culture nippone et des centaines d’heures passées dans d’obscures salles, odorantes parfois d’effluves félines ou sushiteuses, ne suffisent pas toujours à saisir l’essence de l’imaginaire de l’archipel aux 1000 cratères, aux marées dévorantes, aux forêts profondes abritant tigres et rōnins urbains en mal de camping et cyclistes casqués.

Le cinéma japonais a été à la fois tardif et pionnier sur le grand écran de la cinématographie mondiale. Inévitablement tardif, de par l’histoire des relations et des technologies (n’y revenons pas), et pionnier car il fut sans doute le premier des cinémas asiatiques à être montré et à séduire les occidentaux : ce fut l’époque de Rashômon du magique Kurozawa (Japon, 1950) avec le magnifique Toshiro Mifuné de L’Ile nue/Hadaka no shima(que déteste Jean Tulard) de Kaneto Shindô (Japon, 1960). Après, la production nippone, pour se faire une place dans la (vulgaire) distribution dominée par les (grossiers) américains joua la provoc avec des Ninjas, des sabres, des violences d’Easterns lointains et des Empires des sens/Ai no corrida de Nagisa Oshima (Japon, France, 1976) et de la Passion/Manji de Yasuzo Masumura (Japon, 1964) qui révélèrent une fesse asiatique attirante, voluptueuse et moins intello que le Kamasutra.

Depuis, la production japonaise s’est considérablement développée, élargie, diversifiée, mais surtout elle est revenue très souvent vers les bases de la mentalité, des usages et des modes de vie japonais : cet ineffable mélange de tradition, de modernité, de rêverie intérieure et de brutalité sociale. Même à demi fou, enfermé dans son building de verre, au bord du karôshi, l’employé bancaire de Tokyo converse avec les dieux, les facétieux kamis des parkings ou des toilettes publiques, songe à la déesse de la mer, à celle des forêts de Niigata, se remémore le dernier tsunami, le tremblement de terre de 1923, imagine la distinguée dame Toda maîtresse de la maison de geishas, voit voler les deux sabres de Miyamoto Musashi, se récite, coincé dans l’infernal métro, le Traité des cinq roues/Go rin no sho de Musashi. Les petits enfants n’omettent jamais de s’incliner pour saluer les grandes personnes, se lèvent comme des ressorts à l’arrivée de leur maîtresse, doivent, afin d’endurcir leur corps et leur pensée, tremper deux fois l’an dans les eaux glacées de la mer intérieure, songent à la fête des cerisiers et à celle des défunts où ils iront disperser les cendres de leur grand-mère et celles de leur chat, tous deux décédés dans l’année…

Tout cela transparait dans les productions récentes, si sobrement attachées au ressenti, sans pathos, avec finesse et sobriété. Un mélange mouvant - tel le monde des saules - de respect, de magie et d’élégance. Tout est dans la manière, même si l’on transmet le pire.

Il y eut ces derniers mois Tel père, tel fils/Soshite Chichi ni Naru d’Hirokazu Kore-Eda (Japon, 2013), lequel explore la complexité de la paternité, les rives de l’amour, l’étendue de l’attachement familial. Plein de non-dits, tout est cependant exprimé, dans le contexte très urbain et moderne d’une société en proie au risque de l’effritement de sa tradition la plus solide, celle de la révérencielle famille. Dans le même registre, mais envisagé non pas du point de vue du père, mais de celui du fils adulte, il y a le superbe, sublime Departures/Okuribito de Yojiro Takita (Japon, 2008), histoire douce et cruelle de ce jeune homme qui retourne vers ses origines après l’échec de ses ambitions premières : il rencontre la mort avec ce maître des rites funéraires, mais sublimée, apprivoisée, et le souvenir de son propre père qu’il voulait gommer mais qui reste incontournable. Plein d’humour et de respect, soutenu par sa très jeune femme, elle aussi pleine de dignité, le héros malchanceux devient un professionnel élégant et respecté parce que la compassion et le respect restent les bases de tout rapport social, de tout jeu mental avec la vie et la mort.

Il y a aussi ce lien très fort avec le ciel, les nuages voyageurs, la nature, qu’il faut respecter et protéger : cette scène très belle dans la véranda du vieil homme, pleine de plantes et de graines, où il explique et se dévoile, enseigne le repas jubilatoire à son élève, lui transmet en quelque sorte son entreprise sans aucune préoccupation financière : il y a cela aussi dans l’élégance et le respect : le désintéressement, la non préoccupation financière… si loin du culte du Dow Johns et du Nikkei.

Dans ce registre de proximité, mon préféré reste Gou-Gou datte neko de aru (Gugu le chat) réalisé par Isshin Inudô, avec Koizumi Kyôko (Japon, 2008). Il s’agit de l’histoire vraie d’une très grande créatrice de mangas, installée dans un des multiples villages qui forment l’interminable banlieue de l’énorme Tokyo : elle travaille dans son appartement-atelier, entourée de ses jeunes stagiaires et élèves. Un jour son vieux chat adoré, nommé Saba, meurt (fort discrètement, comme la politesse le commande). Yumiko est inconsolable, sombre dans la déprime. Alors sa jeune équipe décide, avec ruse, de lui offrir un jeune chaton : ce sera le facétieux Gugu, plein de vie et de rigolade, qui disparaît un beau jour en vadrouille : tout le quartier se met à le chercher. Cela a l’air un peu gâteux mais on découvre là, la vie intime des villages du grand Tokyo, dotés de jardins délicieux, de friches incertaines, de magasins inattendus, de ces restos de nouilles tellement conviviaux découverts naguère (1985) dans l’inégalable Tampopo de Juzo Itami. Et puis une jeunesse foisonnante, ces jeunes gens à lunettes et vestes à carreaux, ces gamines délurées vêtues de jupons en dentelles et de parkas bariolées avec une imagination qu’envierait JP Gaultier ! Bref, Gugu facétieux chaton gris est retrouvé et le nouveau manga de Yumiko est couronné… Tout le Japon connaît ce film délicieux, symbole d’une immodérée passion pour les matous, tout comme dans le plus récent et populiste Chat noir Lucy (Japon,2012) de Tôru Kamei avec Muga Tsukajii. Là aussi, la banlieue, mais plus modeste, constellée de minuscules bicoques plus ou moins branlantes, séparées par d’aventureux jardinets où, l’on cuisine en plein air sur le traditionnel ibashi. Le héros solitaire, pas très beau, un peu trop gros et naïf a bien du mal à joindre les deux bouts : il est fortune lector, - astrologue et chiromancien - mais peu doué et le client se fait rare. Son destin change le jour où il recueille une chatte de rue d’un beau noir lustré et ses chatons : il a l’idée de mettre leur corbeille dans sa vitrine, et de ce jour tout change pour le malchanceux : la chatte est sensée avoir un don de magie et les prédictions tombent juste. Il y a là tout l’univers mental du nippon, peuplé de kamis versatiles, de chats dotés de magie, de hasards qui n’en sont pas, cela dans des vies totalement ordinaires et parfois désespérantes.

J’aime aussi beaucoup, présenté avec succès au festival de Toronto en 2012, Tenshi meisatsu/Tenshi the samourai astronomer de Yojiro Takita (Japon, 2012) : sa beauté fracassante conte la vie du lettré Yasui Santetsu, noble samouraï qui s’adonnait aux mathématiques vers 1650, et créa le calendrier japonais, enfin détaché de celui imposé par la Chine, devenu faux : c’est - en parallèle - la même aventure intellectuelle qu’en Europe à peu près à la même époque. Le film est d’une grande élégance, souvent plein d’humour, avec Adi Miyasaki et Junichi Okadai, une forte symbolique, puisque la paix imposée par les Tokugawa obligea les samouraï à poser les armes de guerre pour des combats plus intellectuels ou simulés en code guerrier quasi artistique.

Ah ! Et puis il faut bien parler de l’animation !Les écoles de mangas ont imposé un style visuel novateur, vif et parlant, menant tout droit au cinématographe (écriture qui bouge) : mon adoration personnelle va toujours au sublime Tombeau des lucioles/Hotaru No Haka d’Isao Takahata (Japon, 1988) : je pleure toujours comme un saule, même au bout de vingt fois : le malheur et l’injustice poétisés, le magique mêlé au quotidien le plus révoltant, dans un graphisme épuré. C’est bizarrement à rapprocher - dans le cacophonique hasard des créations - du beau et déroutant livre de Stéphane Audeguy La théorie des nuages, où le héros, le couturier Akira Kumo, menteur invétéré, fut un enfant rescapé d’Hiroshima.

Notre admiration pour Hayao Miyazaki doit être sans bornes : depuis la fin des années 70 il nous a enchantés avec Nausicaä de la vallée du vent/Kaze no tani no Naushika (Japon, 1984), Mon voisin Totoro/Tonari no Totoro(Japon, 1988), Princesse Mononoké/Mononoke-Hime (Japon, 1997) le mystérieux Porco Rosso/Kurenai no buta (Japon, 1992), Le voyage de Chihiro/Sen to Chihiro no Kamikakushi (Japon, 2001), Sosuke et sa petite copine Ponyo dans Ponyo sur la falaise/Gake no ue no Ponyo (Japon, 2008), nous révélant à chaque fois, par touches subtiles et obstinées, des pans entiers de l’imaginaire japonais, des légendes, de l’histoire récente, du quotidien des autochtones, de leurs habitudes et de leur éducation, des paysages terrestres et des liens étroits avec la mer, tout cela mêlé d’une connaissance approfondie de la culture européenne : le mélange Italie-Nipponerie dans Porco Rosso est délectable et le denier opus, Le vent se lève/Kaze Tachinu (Japon, 2013)reprend cette thématique du mélange des références.

A 72 ans, Miyazaki a décidé d’arrêter le cinéma et de retourner au simple dessin : il a bien raison. Sa succession est assurée et il a créé un style indestructible. Il nous a délivré sa passion pour sa propre société, pour le ciel, les avions, les nuages, la mer (le début de Ponyo sur la falaise est un chef d’œuvre), les enfants, les vieilles dames (ses mémés sont toujours pleines d’humour et d’énergie qu’il s’agisse des Italiennes de Porco Rosso ou des retraitées de Ponyo sur la falaise). Il aime aussi les crétins, a de l’indulgence pour eux et les rend amusants, de même que les monstres maléfiques, dont il fait presque toujours des perdants. Ce que je préfère chez lui c’est son amour des femmes, des jeunes femmes, des mamans à l’esprit indépendant et volontaire et l’énergie qu’il leur donne : la mère de Sesuke dans Ponyo sur la falaise est indestructible, comme dans Princesse Mononoke ou Nausicaä de la vallée du vent..

Je trouve très lamentable les critiques d’intention faites au beau et très adulte Le vent se lève. Sans doute ceux qui les émettent n’ont-ils rien compris au Japon ou ne le connaissent pas suffisamment. Bien sûr, Myiasaki est nationaliste ! Il aime profondément la société qui l’a éduqué, l’admire et tente de la transmettre. Il aime les avions, le petit Zero, un des plus extraordinaires avions créés, même s’il a servi à tuer : un avion, ça sert à partir en vacances, tout comme à balancer des bombes, même sur Hoshima ou Nagasaki… Et le B 27 alors ? C’est l’usage que les hommes font de leurs inventions qui est en cause, pas l’objet. Et dans les années 30 on fumait beaucoup, dans tous les bureaux du monde… On refumera d’ailleurs… Et encore davantage… La vaponette est comme la savonnette : elle va fondre.

Le vent se lève est un film sérieux dont on doit remercier son auteur, une sorte de testament cinématographique, plutôt lyrique et délicat, penché à la fois sur la bêtise incongrue et l’intelligence créative des humains. Que demander de plus ?

Françoise Thibaut

Correspondant de l’Institut

6ème édition du Festival Ciné-Droit sur le thème de "La guerre", du 3 au 8 avril 2014, Faculté Jean Monnet, Sceaux

Le thème de cette nouvelle édition a été choisi en commémoration du centenaire de la Grande Guerre. Colloque, débats, projections ponctueront ces 6 jours de festival.

Au programme, un colloque sur "les lois de la guerre", la projection des films "La vie et rien d'autre", "Aquel no era yo", "La 317ème section", "Gacaca, revivre ensemble au Rwanda", "Lebanon", "La honte", "L'oeuf du serpent", "Lignes de front" et "Heli".

Organisé en partenariat avec la ville de Sceaux, avec son cinéma d'art et d'essai "Le Trianon" et sa bibliothèque municipale, cette manifestation est l'occasion de nourrir des échanges sur un thème juridique à travers le cinéma, et offrir ainsi une rencontre entre universitaires, chercheurs et grand public.

Programme complet :

http://fr.slideshare.net/Cine-Droit/programme-cin-droit-2014-web?utm_source=slideshow02&utm_medium=ssemail&utm_campaign=share_slideshow

"Jacques Perrin, portrait d'un artiste engagé", Colloque 1er, 2 et 3 avril 2014, Université Paul Valéry-Montpellier III

 

 

 

Présentation du colloque et programme complet : http://www.univ-montp3.fr/ufr1/images/DOCUMENTS/ACTUALITES/2013-2014/CollPerrin2.pdf

 

 

DELAISSER LE BLANC DES CIMES POUR LE NOIR DES SALLES DE PROJECTION

   Se plonger dans les histoires de famille avec Un beau dimanche de Nicole Garcia (France, 2013). Sur un scénario écrit à quatre mains (Nicole Garcia et Jacques Fieschi) présentant un récit déconstruit, un prologue nerveux, apparemment incongru avant la première partie, mais qui en réalité assemble les deux parties juxtaposées, la réalisatrice virevolte avec sa caméra autour de son instituteur suppléant de fils (Pierre Rochefort), comme une mère cherchant à capter l’essence de cet être devenu un beau jeune homme.

Histoires de famille encore que celle de Mathias, enfant de parents séparés. Il est balloté entre un père plus intéressé par la course automobile et sa maîtresse que la garde de son fils le week-end de Pentecôte et une mère courant les emplois de serveuse au fil des saisons (la côte méditerranéenne l’été, les stations de ski ou les destinations tropicales l’hiver), afin de rembourser des dettes à des hommes peu recommandables. Heureusement pour Mathias, son instituteur Baptiste (Pierre Rochefort) va le recueillir quelques heures en attendant de le déposer auprès de sa mère, Sandra (Louise Bourgeois).

Histoires de famille enfin que celle que va retrouver Baptiste à la faveur d’un héritage longtemps refusé, mais finalement accepté pour sortir Sandra d’une ornière financière dangereuse. Derrière les écrevisses et la conversation badine autour de la grande table du déjeuner se rejoue l’histoire de Baptiste : pourquoi a-t-il abandonné ses brillantes études ? Pourquoi n’a-t-il pas revu sa famille depuis plusieurs années ? Pourquoi n’a-t-il pas assisté aux obsèques de son père ?

Mais l’essentiel est ailleurs. Le film par petites touches, tout comme Marion de Manuel Poirier (France, 1996) aborde la question des classes sociales. Plusieurs scènes apparemment anodines révèlent le fossé social existant entre Sandra et Baptiste : l’achat d’une veste par ce dernier juste avant le retour dans la demeure familiale dans un sursaut de conformisme vestimentaire, le tutoiement imposé à Sandra par le majordome de la famille de Baptiste qui a reconnu en elle une alter ego, l’agacement de Liliane (Dominique Sanda), la mère de Baptiste, vis-à-vis de Mathias toujours à proximité des adultes et de leurs conversations, car non intégré dans le groupe d’enfants… A l’image de Sandra à laquelle peu s’adressent, si ce n’est Liliane, redoutant que son fils préféré ne construise un couple avec cette jeune femme d’une autre classe sociale…

  

   Se ressourcer avec le noir et blanc sépia d’Ida de Pawel Pawlikowski (Pologne, 2012)et une riche bande son : Bach, Coltrane, Mozart… Et se retrouverdans une Pologne de 1962 avec Anna (Agata Trzebuchowska)  à la veille de prononcer ses vœux au couvent et sa tante Wanda (Agata Kulesza) procureure communiste, toutes deux à la recherche d’une famille juive cachée des occupants nazis, puis assassinée.

Le réalisateur d’origine polonaise, en voulant retrouver la Pologne idéalisée de son enfance, s’est éloigné du langage cinématographique contemporain. Il a ainsi réemprunté les chemins des cinémas polonais et tchèque des années soixante et soixante-dix, avec des plans du visage d’Anna décadrée, photographiée en plongée sur son lit, lui permettant de révéler son goût pour Bresson et Dreyer : http://www.franceculture.fr/emission-projection-privee-pawel-pawlikowski-2014-02-22

« Du dogmatisme de toute part – religieux (la prégnance culturelle du catholicisme), politique (le régime réformateur de Gomulka), antisémite (l’intrigue se déroule avant la grande campagne antisémite de 1968) -, les héroïnes s’abstraient pour retrouver les traces sédimentaires et urbaines de la judéité » ainsi que le note Nicolas Bauche, «Pawel Pawlikowski Ida Antisociale » Positif n° 636, février 2014, p. 15-16. En rencontrant sa tante, Anna découvre un passé méconnu et une identité jusqu’alors inconnue – elle est Ida Lebenstein -, tandis que Wanda la rouge doit affronter ses démons jusqu’à présent noyés dans l’alcool, les cigarettes et les amants. Et si découvrir le monde tel qu’il est permet à Anna de regagner le couvent sereinement, sa tante ploie sous le joug des mensonges trop longtemps enfouis…

  

   S’immerger durant 4 heures et 4 minutes dans les cours magistraux, les séminaires et les réunions de l’équipe de direction du plus célèbre campus de l’Université publique de Californie : At Berkeley de Frederick Wiseman (E.-U., 2013). Et ne pas se sentir asphyxié par le savoir : cours d’astrophysique, analyse des thèmes chers à Thoreau, recherches sur le cancer, poème de John Donne, mais pas de cours juridique pour ce diplômé de droit de l’Université de Yale et ancien enseignant à l'Université de Boston ! Et être témoin d’une écoute respectueuse et intéressée lors des cours ou réunions où chacun – de l’orateur ou de l’auditoire – n’a pas l’attention détournée par un ordinateur portable ou un smartphone et les infinies possibilités d’évasion de l’Internet en cette région de la Silicon Valley.

En un semestre et deux cent cinquante heures de rushes, un montage de quatorze mois étalé sur deux ans et demi, nous pénétrons à la suite de Frederick Wiseman dans l’enceinte de cette prestigieuse université, et une fois le portail monumental du campus étatsunien franchi, nous nous retrouvons face à la question centrale : comment pallier la crise financière et ses conséquences : le désengagement régulier de l’Etat de Californie du budget de l’Université ? Comment préserver les grands principes de l’établissement : aide financière aux étudiants moins fortunés, ouverture aux minorités, recherche de qualité accessible à tous les citoyens et envergure internationale acquise grâce aux nombreux prix Nobel ?

C’est en effet à la vie d’une communauté particulière que nous convie le réalisateur. Celle-ci fonctionne sur un mode horizontal et non vertical, fait de dialogues incessants et de respect entre ses composantes (étudiants, enseignants-chercheurs, direction et personnel administratif et technique). Héritage du Free Speech Movement né en 1964 après l’interdiction des activités politiques par l’administration universitaire, le droit à la liberté d’expression, obtenu par voie pacifique, a conduit au mouvement d’opposition à la guerre du Vietnam et au mouvement hippy. Depuis les contestations étudiantes y sont toujours tolérées, même si leur revendication filmée autour de la gratuité des droits d’inscription est vouée à l’échec. Elle a néanmoins le mérite de souligner les difficultés rencontrées par la classe moyenne blanche, hantée par le déclassement et l’endettement massif dû aux prêts étudiants.
http://www.franceinter.fr/emission-lhumeur-vagabonde-frederick-wiseman-pour-son-film-at-berkeley

Le documentariste, seulement aidé de deux autres personnes lors du tournage, mais n’ayant recours ni à la voix off, ni aux questions, ni aux sons additionnels, nous ménage des échappées, après chaque scène filmée en long plan séquence où un flot verbal se déverse. Conçues comme autant de respirations pour le spectateur elles nous entrainent vers le campus vert et fleuri, la ville de Berkeley et son marché californien, le travail du personnel d’entretien, les rencontres estudiantines sportives et théâtrales toujours rythmées et colorées, les bâtiments universitaires à l’architecture plus proche d’établissements hospitaliers que du modèle oxfordien dont s’est inspirée Harvard, la baie de San Francisco sous le fog ou dans le scintillement de la nuit…

Pour son trente-huitième documentaire consacré à une grande institution, Frederick Wiseman nous offre une plongée dans un monde universitaire idéal : écoute, intelligence et ouverture aux autres !

 

Rencontre avec Xavier Daverat, à la libraire La Machine à Lire à Bordeaux, autour du roman de Forrest Carter : "Josey Wales hors-la-loi", publié aux éditions Passage du Nord-Ouest.

Lorsque le 13 avril 1861 les troupes confédérées du général Beauregard s'emparent de Fort Sumter, depuis six ans déjà la frontière entre le Kansas et le Missouri est à feu et à sang. Maquisards abolitionnistes venus du Nord et guérilleros sudistes s'affrontent en une vendetta faite de granges brûlées et d'exécutions sommaires. Un jour de printemps 1858, la femme et le fils de Josey Wales sont assassinés par une bande de ruffians à la solde de l'Union.
Commencent alors pour le jeune fermier des Ozark Mountains des années de combat aux côtés des plus célèbres rebelles de l'époque. Bloody Bill Anderson, William Quantrill et Jesse James. Mais une fois signée la paix d'Appomattox, bon nombre d'irréguliers refusent de faire allégeance et de déposer les armes. Ces réprouvés deviennent alors des hors la loi dont l'unique salut est la fuite vers le Texas.
De cet épisode méconnu de la guerre de Sécession. Forrest Carter fait un roman de la quête identitaire, un hymne aux grands espaces où la survie dépend d'une paire de colts 44. Mais The Rebel Outlaw Joser Wales c'est aussi l'histoire d'un homme qui, à l'instar d'un pays, veut se reconstruire. Pour cela, quoi de mieux que l'amitié d'un vieux Cherokee, d'une Cheyenne à moitié folle et d'un chien galeux sur lequel on peut cracher sa haine ?

*

Jeudi 13 mars 18h30

Rencontre avec Xavier Daverat, à la libraire La Machine à Lire à Bordeaux, autour du roman de Forrest Carter : Josey Wales hors-la-loi, publié aux éditions Passage du Nord-Ouest.

Xavier Daverat est professeur à la faculté de droit de l’université Bordeaux Montesquieu, où il enseigne le Droit de la propriété intellectuelle et le Droit civil. Il y dirige les spécialités professionnelles de Masters Droit des créations intellectuelles et Droit et administration des établissements culturels.

Il est l’auteur de Tombeau de John Coltrane (Parenthèses, 2012) et le préfacier de l’édition française de Josey Wales hors-la-loi.

« Nous sommes sans doute nombreux à avoir vu Josey Wales hors-la-loi, le film de Clint Eastwood et à y avoir décelé, au-delà de la classique histoire de vengeance, un message de fraternité et de tolérance entre les peuples. En préface à cette fort bienvenue édition par Passage du Nord-Ouest, Xavier Daverat remet toutefois pertinemment en lumière les convictions politiques de l’auteur, Forrest Carter, afin d’éclairer l’œuvre sous un angle différent.

À travers l’itinéraire de ce fermiers des Monts Ozarks engagé chez les rebelles pendant la guerre de Sécession suite au massacre de sa famille, puis devenu un hors-la-loi pourchassé pour ne s’être pas soumis au serment d’allégeance à l’Union après la paix et se liant en chemin avec un vieux Cherokee et une Cheyenne, Forrest Carter, leader suprématiste blanc et fondateur d’un chapitre du Ku Klux Klan, nous explique Daverat, cherche moins à parler de fraternité que de personnages qui se retrouvent dans le même rejet de l’État fédéral. «   (encoredunoir.com)

Animée par Bernard Daguerre, la rencontre sera suivie, au cinéma Utopia, de la projection de l’adaptation de Josey Wales hors-la-loi de Clint Eastwood.

) 

"De la pauvreté", CinémAction n° 149, Andréa Grunert (dir.), Préface de Ken Loach

 

Que révèle la représentation des pauvres d’une société ou d’une époque ? Quel rôle est attribué aux pauvres ? Est-ce que le cinéma des dernières années est marqué par un « retour du social » ? En abordant ces questions, et bien d’autres, dans les cinématographies de différents pays (la France, la Grande-Bretagne, les États-Unis, l’Afrique du Sud, la Chine…) dans les œuvres de cinéastes les plus variés (Maurice Pialat, les frères Dardenne, John Boorman, Wang Bing…), ce numéro propose une multitude de points de vue en accord avec la richesse et la complexité de son thème.

 

L'auteur
Andrea Grunert est docteure en études cinématographiques et enseigne à l’Université Protestante des Sciences Appliquées de Bochum en Allemagne. Elle a soutenu sa thèse de doctorat sur les films de Clint Eastwood à l’Université de Paris X. Ses domaines de recherche sont le cinéma américain, britannique et irlandais. Elle poursuit actuellement ses travaux sur le réalisateur anglais Alan Clarke et la représentation filmique de la minorité des Irish Travellers. Elle est la coordinatrice de Le corps filmé (2006) et de L’écran des frontières (2010), parus dans la collection CinémAction aux Éditions Corlet.

 

CinémAction :http://www.corlet-editions.fr/de-la-pauvrete-andrea-grunert,fr,4,4598.cfm

"PHILOMENA" De Stephen Frears (Grande-Bretagne, 2013)

 

   C’est Judi Dench. Cette femme s’empare des personnages qu’elle doit incarner avec une totale gourmandise : elle les sculpte, les habite, leur offre son regard bleu, sa démarche, sa respiration, son don de l’évasion, son teint de rose strié de ridulettes non fardées.

Philomena est une histoire simple, presque banale dans l’Empire britannique post victorien. Et la personne Philomenaest une de ces jeunes naïves manipulées par le double carcan de la religion et de l’establishment.

Jusqu’à une décennie récente - il faut attendre les années 60, la pilule, les mini jupes de Mary Quant, les babas cools, les Beatles et les Stones - pour que cela se desserre un peu (et pas partout), les jeunes filles étaient presque toujours d’une incroyable naïveté, pas du tout renseignées sur leur propre corps, et absolument interdites de plaisir. Philomena l’avoue d’ailleurs, avec une désarmante simplicité.

Le prix à payer pour quelques moments de jouissance, en cas de suite inavouable, outre le rejet de familles le plus souvent modestes et pétries de religion, était l’envoi dans une des institutions mi couvent mi prison où ces malheureuses devaient rester plusieurs années afin d’expier leur faute, et travailler gratuitement afin de subvenir au coût de leur pension et celle de leur enfant. Il fallait accoucher dans la douleur pour expier (certaines en mourraient), et l’enfant était parfois retiré et mis à l’adoption tout de suite, ou bien laissé deux ou trois ans avec sa mère, qu’il ne voyait que de manière limitée afin qu’elle ne le dévoie pas, puis proposé (et vendu) à de riches adoptants.

C’est ce que Philomenaa gardé au fond d’elle-même pendant tant de temps. Et puis un jour, avec l’unique photo de son petit garçon à la main, elle n’y tient plus : « Il aurait aujourd’hui 50 ans » avoue-t-elle à la fille qu’elle eut dans sa seconde vie. On est entre femmes aimantes et intelligentes : l’action, la recherche s’enclenchent…

Il ne faut pas dévoiler la quête compliquée, les imbroglios, les hésitations, les résistances, l’inattendu, les rebondissements et le dénouement (prévisible). Le destin de ce garçon adopté aux Etats-Unis fut exceptionnel à bien des points de vue, et Philomenaconstate sans amertume qu’elle n’aurait jamais pu lui offrir une telle vie.

Philomena est certainement un des films les plus aboutis de Stephen Frears : très bien monté, il enchaîne avec élégance les péripéties, même si certaines séquences américaines restent plutôt plates. Frears aime et connaît bien les petites gens, et joue sur les contrastes : celui entre la suavité de la belle campagne irlandaise et la cruauté des actes perpétrés par le couvent, celui entre cette simple, instinctive et directe Philomenaet le journaliste Martin Sixsmith (excellent et subtil Steve Coogan, également scénariste) snobinard du West End, revenu de tout, désabusé, formaté au dénigrement par son éducation et Oxford ; il connaît tout le monde, accède facilement aux traces que Philomenane pourrait débusquer sans lui. Le contraste aussi entre les salamalecs anglais et la simplicité (voire la brutalité) des relations américaines. Philomena,elle, ne connaît que la rémission des péchés, possède un instinct infaillible pour débusquer les bonnes personnes et ne connaît pas vraiment le contenu réel de l’expression Oxsbridge.

Donc, c’est bien, savoureux et tendre, avec une bonne dose de cruauté et un sens aigu de la critique sociale.

On peut élargir le propos du film en indiquant que ce système d’« enfermentent » de prétendues pécheresses était fort courant dans la société de l’Empire : il permettait - avec la pingrerie qui caractérise les institutions britanniques - de fournir une main d’œuvre gratuite et soumise pour les travaux les plus ingrats : la blanchisserie, les filatures, les nettoyages de toutes sortes. La vente plus ou moins déguisée d’enfants issus du pêché, abandonnés(ou supposés tels) était également fort lucrative. Les odieux mensonges du couvent de Roscrea sont si peu exceptionnels que l’Eglise d’Irlande a jugé bon, il y a peu de temps, de demander pardon. Il y a pire et plus vaste : dans tout l’Empire, l’envoi de femmes indésirables aux colonies, accompagné de leur vente, la séparation d’avec leurs enfants, également objets d’adoption, était assez naturelle. La population féminine de l’Australie notamment, démarra en grande partie dans de telles conditions : il suffit, sur place, de lire les registres du bagne pour femmes de Paramatta (où séjourna Louise Michel). Cette politique de séparation de mères indésirables de leurs enfants destinés eux, à être européanisés fut appliquée pendant plus d’un siècle aux Maoris, aux Abos d’Australie. Déclarée Terra Nullius en 1788, l’immense Australie ne fut véritablement colonisée qu’à partir du milieu du 19ème siècle ; jusque dans les années 1950 des hommes équipés de chiens et de fusils étaient encore chargés de pister (on les appelait les pisteurs) les adultes et les enfants qui essayaient d’échapper au système et de se rejoindre. On peut lire le magnifique livre de Doris Pilkington - Follow the Rabbit-Proof Fence/Le chemin de la liberté - qui, dans les années 30, traversa avec sa petite sœur la moitié de l’Australie, poursuivie par des molosses, pour rejoindre sa famille. Il y eut aussi, de manière très européenne assez généralisée, le placement par des institutions laïques ou religieuses, des enfants orphelins de la guerre 39/45 dans divers pays : tout Américain, tout Australien ou Néo Zélandais, peut désormais accéder aux registres d’immigration de son pays d’adoption et tenter de retrouver ses origines.

Voila à quoi fait songer Philomena : cette mise en film d’une histoire véritable rouvre des pans entiers d’une histoire proche et secrète que l’on aimerait oublier, malgré ses aspects souvent positifs. Mais dans son cas, la question est plus hypocrite, car l’ordre du Sacré Cœur, dissimule et détruit systématiquement les traces.

Je ne sais pas si le film de Frears est un réquisitoire contre les pratiques de ces institutions catholiques. Elles recevaient à l’époque l’approbation sociale et paraissaient plus ou moins justifiées, face au risque de dévoiement que représentait alors la libre disposition de leur corps par les femmes. Et la religion - quelle qu’elle soit - a souvent du bon. Même si on n’y croit pas trop. Philomena est un bon film, bien fait, beau et intelligent, animé par des acteurs remarquables, et une héroïne attachante et lumineuse.

La littérature britannique (avant le cinéma ) pullule de ces jeunes héroïnes naïves à la recherche du bonheur et des hommes : leur ignorance est phénoménale, de même que leur appétit de vivre : « l’oie blanche et le séducteur (pervers) » est un thème récurent : à commencer par Jane Eyre et son Rochester, les sœurs Bennet de Jane Austen, l’héroïne d’Easy Virtue/Un mariage de rêve de Stephan Elliott (Canada/G.-B., 2008), les bouquins de Nancy Mitford, et tant d’autres… Récemment la BBC a financé pour la télévision un film remarquable sur le sujet : An Education/Une éducation de Lone Scherfig (E.-U./G.-B., 2009) avec la si fraîche Carey Mulligan (c’est Philomena jeune) et le mensonger Peter Sarsgaard, homme marié spécialisé dans la séduction des lycéennes. L’action se situe au début des années 60 ; le film bénéficie aussi de la présence d’Alfred Molina. Ce qui prouve que le thème n’est pas épuisé.

P.S. dans Philomena la très menteuse soeur Hildegarde vit bien mal sa chasteté : ce qui me conforte dans l’opinion qu’il vaut mieux être une gentille dévergondée qu’un saint chameau….

Françoise Thibaut

Correspondant de l’Institut 

On peut aussi lire sur ces sujets, ma chronique Billet d’Australie : Musées d’immigration et cimetières de pionniers sur le site de Canal Académie (2012).

 

"Présentations et représentations du droit international dans les films et les séries télévisées", Centre de Droit international de l'Université Libre de Bruxelles, 17-18 février 2014

 

Le Centre de Droit international fait son cinéma !

Atelier 1 - Droit international, réalité ou (science-)fiction ?
Atelier 2 - Guerre, force et opérations de police : de quel droit ?
Atelier 3 - La justice entre en scène
Atelier 4 - Les droits de la personne à l’écran

Présentation et programme complet du colloque : http://cdi.ulb.ac.be/colloque-international-presentations-et-representations-du-droit-international-dans-les-films-et-les-series-televisees/

 

 

Séminaire "Frontière(s) au cinéma", Université de Limoges, 13 février 2014

Programme

11h-11h30  : Christophe Bonnotte (MCF en droit public - Observatoire des Mutations Institutionnelles et Juridiques (OMIJ) - IPAG, Université de Limoges)

D’une frontière à l’autre : des limites territoriales aux limites éthiques

11h30-11h-45 : Débat

11h45-12h30 : Sylvie Pérrineau (MCF en Sciences du Langage - CeReS -IUT du Limousin)

Frontières au cinéma : conventions et jeux

12h30-12h45 : Débat

13h : Déjeuner

14h15 : Réunion salle B215

Université de Limoges, faculté des lettres et des sciences humaines : http://www.flsh.unilim.fr/2014/02/seminaire-frontieres-au-cinema/

5ème Festival international "Filmer le travail", Poitiers, 7-16 février 2014

Le programme complet du Festival : http://gestes.net/wp-content/uploads/2014/01/Web_Article_Filmer-LeTravail-2014-PROGRAMME.pdf

Dans le cadre du festival Filmer le travail


Samedi 08 février : 20h30


Lieu : Maison des étudiants - Poitiers
Tarif : 15 € / tarif réduit : 10 €



Pourquoi Philippe Widdershoven, directeur informatique et délégué CGT de l’usine de porcelaine Deshoulières, s’est-il suicidé ? Partant de cette interrogation, Jean-Pierre Bodin, seul en scène, se livre à l’exploration d’un monde en mutation, celui des travailleurs d’usine. Accompagné des images d’Alexandrine Brisson et de l’univers sonore de Thibault Walter, Jean-Pierre Bodin, avec une générosité fraternelle et sans misérabilisme, donne la parole aux ouvriers qui témoignent de leurs conditions. 


Suivi d’une rencontre avec Jean-Jacques Chavagnat, psychiatre, Hôpital Henri Laborit (Poitiers), Jean-Pierre Bodin, acteur, auteur, Alexandrine Brisson, réalisatrice et Sonya Faure, journaliste. Animée par Jean-Paul Géhin, sociologue, Université de Poitiers.


Réservez dès à présent vos places pour la pièce "Très nombreux, chacun seul" sur notre billeterie en ligne :
https://www.yesgolive.com/filmer-le-travail/tres-nombreux-chacun-seul 



Plus d'informations : http://2014.filmerletravail.org/theatre/tres-nombreux-chacun-seul/

11 février 2014

Les jeunes face au travail : quelques éléments de réflexion

Lieu : Espace Mendès France
Inscription obligatoire
Mardi 11 février

Thème de la journée : La tentation est grande d’attribuer à la jeunesse des qualités ou une culture qui lui seraient propres. La jeunesse est ainsi réputée pour son dynamisme et sa fraîcheur. Force est de constater qu’elle est fortement prisée pour son énergie et sa résistance physique dans les « emplois sans qualité », et pour son adaptabilité et sa familiarité avec les nouvelles technologies dans les emplois plus qualifiés. Ces particularités de la jeunesse sont également associées à des effets de génération. Après les « baby-boomers » et la génération X, serait venu le temps de la génération Y. Présentée comme rétive aux engagements professionnels durables, cette nouvelle génération manifesterait d’opportunes dispositions à la flexibilité dans le travail comme dans l’emploi. Les jeunes seraient ainsi détenteurs de « valeurs » qui les amèneraient à entretenir un rapport plus distant avec le travail. Ils se montreraient davantage soucieux de conciliation avec leurs engagements extra-professionnels que leurs aînés et davantage imprégnés de valeurs d’individualisme, d’utilitarisme et de court-termisme.  C’est cette vision de la jeunesse que nous interrogerons durant cette journée en mettant l’accent sur le travail et pas seulement sur l’emploi.

La journée s’organisera selon le programme suivant :

Matinée du 11 février : le rapport des jeunes au travail
● 9H30 Conférence introductive de Sylvie Monchatre (sociologue) : « La jeunesse est-elle une compétence ? ». Echanges avec la salle

● 10H30 Projection d’un film documentaire sur ce thème. "Etincelles", en présence de la réalisatrice, Alejandra Santander

Dans le lycée professionnel des arts du métal Ferdinand Fillod, nous rencontrons professeurs et élèves. Les premiers présentent les ateliers et les différentes formations qui y sont réalisées. Les seconds évoquent avec enthousiasme leur découverte du travail du métal et leur engagement dans la création artistique qu’il permet.

« Je suis particulièrement heureux que le Festival d’Évreux ait choisi de distinguer le film “Étincelles” : je sais l’investissement du lycée professionnel, de ses enseignants, de ses cadres éducatifs et de ses élèves pour réaliser ce document qui dit avec tant de force l’importance de la formation exigeante au geste juste dans une “pédagogie du chef d’oeuvre”. Ils montrent à quel point la formation professionnelle peut porter l’intelligence à incandescence ; ils font voler en éclats les vieilles et absurdes catégories qui opposent le “manuel” et "l’intellectuel” ; ils rappellent opportunément que la valeur fonctionnelle et le plaisir esthétique ne s’opposent pas mais convergent dans le symbolique ; ils illustrent à merveille la célèbre formule du philosophe grec Anaxagore : “L’homme pense parce qu’il a une main”. Philippe Meirieu, professeur en sciences de l’éducation à l’université Lumière-Lyon, décembre 2013.

·         11H30 Débat : témoignages d’acteurs : Mélanie Guitton, en service civique à la MJC Aliénor d’Aquitaine, Jules Aimé, jeune élu à la Mairie de Poitiers, Isabelle Taveneau, réalisatrice et animatrice d’ateliers sur les images du travail, un éducateur et un jeune de l’Ecole de la deuxième chance (sous réserve). Échanges avec la salle.

Après-midi du 11 février : la question de l’intergénérationnel

● 14H00 Regards croisés : « Les rapports intergénérationnels au travail »,

-          « Ages, générations : une question de travail », Jeanne Thébault, ergonome, chercheuse 
au CREAPT CEE.

-          « Tutorat et relations intergénérationnelles », Christian Papinot, sociologue, Université de Poitiers.

-          Échanges avec la salle.

● 15H15 « Les contrats de génération,  premier bilan » avec le Ministère du travail, un intervenant en entreprise  (ARACT), des acteurs junior et sénior (CISTE).

● 16H30 Table-ronde : « Quel travail des jeunes demain ? » Avec le Ministère du travail, la Région Poitou Charentes, un syndicaliste et un chef d’entreprise, animée par Jean-Paul Géhin, Sociologue

La journée du 11 février sera suivie de la projection du film suédois Eat, sleep, die premier long métrage de Gabriela Pichler, qui a obtenu le Grand Prix du Jury du 25e festival « Premiers Plans » d’Angers en 2013. Cette soirée s’inscrit dans le cadre d’une carte blanche donné au festival Premiers Plans d’Angers cette année.

 

12 février 2014

Le monde ouvrier : Image d’hier, regards d’aujourd’hui

Lieu : Espace Mendès France
inscription obligatoire
Mercredi 12 février

Thème de la journée : réfléchir sur les images d’ouvriers dans la société française de l’après-guerre mondiale à nos jours.

Cette réflexion s’organisera autour de deux axes : les images elles-mêmes, qui ont jalonné l’histoire récente du mouvement ouvrier en France et les propos tenus sur ces images, au moment de leur publication et par la suite. Si l’image ne parle jamais d’elle-même, si elle ne prend sens que dans les commentaires qui l’accompagnent – d’où l’importance des légendes, tant soulignée, entre autres, par Walter Benjamin ou Howard Becker –, c’est à parler des images de la classe ouvrière au cours des soixante dernières années que nous nous attacherons. Cette invitation paraît urgente au moment où la recrudescence des images signerait, à en croire certains discours, la fin de la classe ouvrière. Mais a–t-elle vraiment dit son dernier mot ? Et les images actuelles en sont-elles effectivement les dernières ?

Matinée du 12 février : « Ouvriers d’hier »

·         9H30 Conférence introductive de Roger Cornu : « La classe ouvrière n’est plus ce qu’elle n’a jamais été »

·          10H30 « Les ouvriers dans les années 1960 », intervention de Martine Sonnet (historienne et romancière) ; archives de l’Ina (reportage de Marcel Trillat, 1970)

·         11H30 Table ronde : « Point de vue artistique et approche scientifique » réunissant Gérald Bloncourt (photographe), Bruno Loth (dessinateur), Roger Cornu (sociologue) et  David Hamelin (historien) animée par Christian Papinot

Après-midi du 12 février : « Ouvriers d’aujourd’hui »

·         14H00 Regards croisés : « Évolution de l’image des ouvriers de l’après guerre à aujourd’hui » : Nicolas Hatzfeld (historien) et Henri Eckert (sociologue).

·         15H00 Présentation d’un montage de photos d’ouvriers et commentaires croisés : avec Gérald Bloncourt (photographe), Serge Lhermitte (photographe), Valérie Guénot (salariée ayant participé aux ateliers photo sur le travail ouvrier dans le cadre de la résidence de Serge Lhermitte au CCP de Saint-Nazaire), Marc Leclerc (photographe), Martin Thibault (sociologue), animée par Emilie Aunis, sociologue.

·         16H30 Table ronde conclusive « Quelle(s) image(s) des ouvriers demain ? »  avec un représentant du Ministère de la culture, de Georges Stupar (élu régional et municipal), de Serge Le Glaunec (syndicaliste CGT),  d’un chef d’entreprise (sous réserve), animée par Anne Jollet.

La journée du 12 février sera précédée, la veille à 18h, du vernissage de l’exposition de photographies de Gérald Bloncourt présenté à l’Espace Mendès France. Des planches à dessins de Bruno Loth extraites des bandes dessinées « Apprenti » et « Ouvrier » seront exposées en écho à cette journée de rencontres à la Maison de la région ainsi que des photographies réalisées par des salariés volontaires des chantiers navals STX, de la Slides et du Service Espace public de la ville dans le cadre de la résidence du photographe Serge Lhermitte au CCP de Saint-Nazaire.

Cette journée sera suivie d’une soirée en hommage à Armand Gatti lors de laquelle seront montrés des films de la série Le lion, sa cage et ses ailes, films réalisés à Montbéliard dans le bastion Peugeot, par, pour et selon les ouvriers immigrés eux-mêmes, à savoir :

Montbéliard

Documentaire – France – 43’ – 1976

Armand Gatti nous présente la ville à travers l’univers de ses habitants immigrés.

Le Premier mai (film polonais)

Documentaire – France – 27’ – 1976

Dans le chassé-croisé des transports de Montbéliard, naît l’histoire de Tadeusz le Polonais qui, chaque année, parcourt la distance qui le sépare Paris de Varsovie.

La bataille des trois P (film yougoslave)

Documentaire – France – 43’ – 1976

Ce film sera celui de Radovan, mis à la porte de chez Peugeot pour avoir attaqué au karaté une chaîne de montage de voitures.

En présence d’Armand Gatti, poète, dramaturge, cinéaste et de Nicolas Hatzfeld, historien.

Reprise de la série en intégrale à la Médiathèque François-Mitterrand du jeudi 13 au samedi 15 février.

 

LE LANGAGE, RÉGULATEUR DES CRISES INTERNATIONALES, "Quai d’Orsay" de Bertrand Tavernier (France, 2012)

Denrée rare et souvent fade du cinéma français, le film politique vient ces dernières années de gagner quelques lettres de noblesse ou, pour s’affranchir de toute terminologie aristocratique, quelques vaillantes couleurs républicaines. Après L’exercice de l’Etat (France, 2011), remarquable étude des cabinets ministériels signé par Pierre Schoeller, c’est au tour de Bertrand Tavernier de livrer, avec Quai d’Orsay, sa vision du fonctionnement du pouvoir exécutif. Il ne s’agit pas de sa première intrusion dans les hautes sphères de l’Etat. Il y a près de quarante ans, Que la fête commence  (France, 1975)mettait déjà en scène les plus éminentes figures de la monarchie française. Certains prendront plaisir à établir quelques parallèles saisissants entre la cour du duc d’Orléans et celle du ministre des Affaires étrangères. D'autres s’amuseront tout autant à reconnaître, parmi les acteurs qui firent une brève apparition dans Que la fête commence l’encore tout jeune Thierry Lhermitte, qui tient aujourd’hui le rôle du locataire phraseur et virevoltant du Quai d’Orsay.

Thierry Lhermitte endosse ici les habits d’Alexandre Taillard de Vorms, double assumé de Dominique de Villepin, au cœur de la crise internationale précédant l’invasion de l’Irak. Le film, adaptation plutôt fidèle d’une bande-dessinée éponyme (Abel Lanzac et Christophe Blain, ed. Dargaud, 2011), suit les premiers pas d’Arthur Vlaminck au sein du cabinet du ministre. Chargé des « langages », il se lance avec peine dans la rédaction de discours qui jamais ne semblent trouver grâce aux yeux de leur principal destinataire. « Il faut tout reprendre depuis le début ! » est souvent la seule indication qu'il reçoit du ministre. Jeté sans préavis dans le bain acide des tensions du grand monde diplomatique et des querelles intestines du petit monde des cabinets ministériels, il sera témoin de la gestion acrobatique de plusieurs crises internationales et participera finalement avec succès à la rédaction du fameux discours que prononça le ministre français devant le conseil de sécurité de l’ONU, le 14 février 2003.

(http://www.dailymotion.com/video/xc5ax8_dominique-de-villepin-a-l-onu-14-fe_news)

Derrière l’indéniable réussite du film dans son registre burlesque se dissimulent des thématiques plus sérieuses et des enjeux plus profonds. Le juriste cinéphile, nourri par la fréquentation des salles de négociation et des salles obscures, ne manquera pas de s’interroger sur la place réservée au droit international dans le déroulement des événements et dans les motivations de ses acteurs.

Le désir de « légitimité » revient sans cesse ; il devient même l'un des ressorts comiques du film, martelé par un ministre aux allures de pantin désarticulé. Mais cette légitimité n’est pas celle du droit ; elle apparaît plutôt comme forgée par l’histoire des rapports de force et par la place que la France entend pleinement occuper au sein du Conseil de sécurité, ou moins glorieusement dans son « pré carré africain ». À moins bien sûr qu’un esprit mal tourné ne puisse voir dans le droit international que la résultante de ces rapports de force, sans autre légitimité, précisément.

Car au fond, qu’est-ce qui animait vraiment la France, en février-mars 2003, lorsqu’elle s’opposait, non seulement à l’intervention militaire de la coalition menée par les Etats-Unis, mais aussi et surtout à toute validation de cette intervention par la communauté internationale, ici incarnée par le Conseil de sécurité ? Etait-ce le respect du droit international ? On peut en douter, car sans la menace du veto français, ladite intervention aurait sans doute été avalisée par l’ONU, et aurait donc pu, de jure, « devenir légitime ». En quelque sorte, l’illégalité de l’intervention américaine prit forme dans la menace du veto français.

Le spectateur d’aujourd’hui, découvrant par le cinéma cette réalité du droit international, saura la comparer avec ce qui se joue aujourd’hui autour de la crise syrienne. Certes, les deux situations ne sont pas entièrement comparables. Les armes de destruction massive de l’Irak n'étaient que de simples suppositions qui se révélèrent infondées, alors que les armes chimiques syriennes sont une réalité tragiquement avérée. Pour autant, le droit reste le même, et le recours à la force demeure lié à l’adoption d’une résolution du Conseil de sécurité. Cette institution, que la France défendait hier comme seul rempart légitime contre la tentation unilatérale, est-elle devenue soudain le complice de la barbarie ? Son inaction, jadis favorisée par la France, est désormais le résultat des pressions russes. Et le veto salvateur d’hier est devenu le veto coupable d’aujourd’hui.

Cette étrange fabrique de la norme internationale se lit en creux tout au long du film, au travers du cheminement tortueux du discours, axé dès l’origine autour d’une combinaison cryptique qui sonne comme une devise nationale : « légitimité, unité, efficacité ». Dans cette dynamique, les préoccupations juridiques n'occupent pas une place de premier plan. Ce qui se joue ici relève plutôt du répertoire classique du théâtre international : un face-à-face entre les États-Unis et la France, entre la puissance réelle et la puissance fantasmée, entre la grande armée et le commando.

Alexandre Taillard de Vorms : « La garde rapprochée du secrétaire d'Etat américain c'est 80 personnes, avec des moyens énormes. Nous, on est à peine une dizaine. C'est un tout petit navire. Ce n'est même pas un navire d'ailleurs, c'est une barque. C'est dérisoire. C'est un radeau. Mais, sur ce radeau, j'ai choisi les meilleurs. »

Devant l’étalage de la force américaine, que l’on perçoit dans le film sans jamais qu’elle ne soit montrée, Bertrand Tavernier met en scène un homme presque seul, qui se décrit lui-même comme étant « à poil », avec pour seul bagage des feuilles de papier remplis de mots, de concepts, de renvois historiques et de références littéraires ou poétiques. L’arme suprême que le ministre brandit, avant même la menace du veto, est un livre en forme de fragments écrit au VIème siècle avant notre ère par Héraclite, avec lequel il partage le goût immodéré pour l’obscurité aphoristique, mais aussi pour une forme étrange d’introspection narcissique, parfaitement illustrée par le fragment héraclitéen qui ouvre le film : « J’étais en quête de moi-même  (fragment 101)»

Les relations internationales, dans la vision embrouillée du ministre français, semblent animées par un mouvement permanent de forces contraires, à l’image des tensions dont Héraclite faisait le moteur du monde : « le combat est le père de toutes choses (fragment 53) ». Mais, dans ce combat incessant existe un principe d’ordre et d’équilibre, dont l’un des éléments clés est le logos, mot grec qui signifie à la fois « raison », « logique », « loi » et « langage ». On comprend mieux, dès lors, pourquoi le ministre admirateur d’Héraclite accorde au langage une importance primordiale. Et comment le discours, finalement, fait office de loi internationale.

Stéphane Cahut, conseiller du ministre : «Ce discours, c'est comme si vous lisiez le Talmud à une assemblée de copropriétaires. Il y aura 191 discours, de 10 minutes chacun ! »

Alexandre Taillard de Vorms : « Justement, chaque minute compte ! » 

À cet égard, on admirera tout autant les discours « fondateurs », déclamés par le ministre tribun, que l’usage discret mais obstiné du langage, au sens de dialogue, dont fait preuve l’infatigable directeur de cabinet du ministre, Claude Maupas. C’est le logos, encore lui, qui dénoue les crises, comme si les mots pouvaient desceller les pierres des murs réputés les plus infranchissables. C’est aussi par son discours chuchoté mais récurrent, sans éclat mais réaliste, cohérent, répétitif jusqu’à l’ennui mais habilement conçu et défendu, même lorsqu’il est en demi-sommeil, que Claude Maupas, serviteur de l'Etat, parvient à convaincre le ministre de l’importance primordiale de la relation franco-allemande.

Le film est aussi une illustration à la fois cruelle et drolatique du « cavalier seul » si souvent assumé par la diplomatie française. Le ministre présente la France comme un pays qui sait se tenir « debout, face à l’Histoire et devant les hommes » – citation authentique. Contre l’ignorance et la peur, vocables qui semblent désigner le reste du monde, le ministre prétend se faire le porte parole de l’humanité tout entière, en digne héritier des valeurs universelles dont le siècle des Lumières et la Révolution furent l’incarnation – à tort ou à raison. Il y aurait ainsi, comme le décrit Martti Koskenniemi dans son ouvrage de référence sur l’histoire du droit international, The Gentle Civilizer of Nations, une volonté hégémonique d’une certaine doctrine internationaliste française, qui s’appuie sur ce qu’elle imagine elle-même comme la symbiose parfaite entre le génie français et le bonheur de l’humanité.

Cette symbiose explique en partie le profond mépris que le ministre éprouve à l'égard de la construction européenne, confisquée selon lui par la technostructure administrative. Elle est aussi à l’origine de la « Françafrique », dont les soubresauts sont évoqués dans le film lors du passage consacré à la guerre civile en Oubanga, dont il n’est pas difficile de voir un proche cousin de la Côte d’Ivoire. Bertrand Tavernier ne fait ici qu’effleurer ce qu’il dénonçait avec verve dans Coup de torchon, trente deux ans plus tôt, et ne se sert de cet épisode que pour pointer les contradictions manifestes de la politique étrangère française – l’ONU, dont on ne souhaite surtout pas qu’elle endosse la fièvre va-t-en guerre des néoconservateurs américains, devrait en revanche avaliser dans l’heure l’envoi de militaires en Afrique pour éviter un bain de sang dans lequel, détail non négligeable, des milliers de ressortissants français pourraient être plongés. L’humanité, d’un seul coup, s’identifie aux réseaux humains et commerciaux que la France a tissés dans ses anciennes colonies. « Une route qui monte et qui descend – une et la même (fragment 60) », aurait sans doute dit Héraclite.

Pour conclure, il faut insister sur le rythme et l’exceptionnelle qualité documentaire du film, qui met en scène le théâtre du droit international dans ses décors naturels – les ministères, le siège des Nations Unies, mais aussi les routes à peine carrossables d’un pays en guerre. Aux pièces immenses richement décorées et totalement vides s’opposent les bureaux et les salles de réunions minuscules fourmillant de fonctionnaires surmenés et affamés, mais toujours soucieux de leur apparence extérieure. La sombre rigueur des costumes et la brillance des chaussures comptent autant que le contenu des positions défendues.

De ce chaos permanent, où les feuilles et les dossiers s’envolent plus vite que les idées, surgit enfin un discours, un exposé, une vision claire, un logos venant du fond des âges. Des fragments de droit, peut-être.

Immi Tallgren

LL.D., Research Fellow, Erik Castrén Institute of International Law and Human Rights, Université de Helsinki

Billet déjà posté sur le blog du Centre de droit international, Université Libre de Bruxelles :http://cdi.ulb.ac.be/quai-dorsay-bertrand-tavernier-2013-le-langage-regulateur-des-crises-internationales/#more-1737

 

EXPOSITION « INDOCHINE, DES TERRITOIRES ET DES HOMMES 1856-1956 » Paris, Musée de l’armée, jusqu’au 26 janvier 2014

   Regards croisés de français et d’indochinois sur l’histoire coloniale de l’Indochine, de ses débuts à la fin de l’Empire français en Extrême-Orient, à l’image des premiers cartons traduits en laotien, vietnamien, cambodgien Khmer.

Grâce à des cartes et croquis, des costumes d’apparat et tenues militaires, des objets usuels et des armes, des affiches, des archives sonores et audiovisuelles, nous partons sur les traces des premiers explorateurs français, de la compagnie des Indes en charge depuis le port de Lorient du commerce des marchandises avec l’Asie… jusqu’à la défaite de Dien-Bien-Phu le 7 mai 1954 et la signature à Genève le 21 juillet 1954 par Pierre Mendès France - lors de la conférence internationale sur les questions coréennes et indochinoise - d’accords établissant un cessez-le-feu, prélude à la fin de la présence française en Indochine.

Premières annexions, premiers protectorats, premiers films documentaires des frères Lumière, à la recherche de vues insolites tels la Revue des troupes (1900) ou les Tirailleurs annamites (1900), illustrant la construction d’un empire colonial français sous la III° République, jusqu’au film amateur du lieutenant Mademba Sy, Evacuation du Tonkin (1955).

Retour sur une histoire en partie méconnue, dans une perspective chronologique, quelques mois après le décès du général Giap:http://www.lemonde.fr/disparitions/article/2013/10/04/le-general-giap-heros-de-l-independance-vietnamienne-est-mort_3490198_3382.html