Le blog Droit et cinéma

Festival univerciné italien, du 25 février au 3 mars 2015, Nantes

ÉDITO

Non ci resta che pregare ?

Parfois, en feuilletant la presse, en suivant l’actualité d’un site à l’autre, en épluchant les nouvelles qui nous parviennent d’au-delà des Alpes, on se demande vraiment : ma non ci resta che pregare ? Il ne nous reste plus qu’à prier ?

Puis le festival arrive, on passe la porte d’une salle de cinéma, et là : crise, peurs, drames, inquiétudes, colère… eh oui ! Il y a un peu de tout ça dans ces nouveaux films (pourrait-il en être autrement ?!) ; mais devons-nous commencer à désespérer aussi, alors que le cinéma italien nous a si souvent donné des ailes ?

Bien sûr que non.

Parce que, s’il y a de la douleur et du désespoir dans ces films, il y a aussi de la tendresse, beaucoup de tendresse (voyez The special need et ces amis qu’on aimerait tellement avoir parmi les nôtres), de la dignité et de la retenue aux saveurs anciennes (voyez comment ces Bons à rien se révoltent quand il le faut !), une ironie douce-amère inépuisable que la musique exalte au plus haut point (faut-il rappeler qu’elle nous vient de Naples cette musique, avec toutes Le cose belle, les paradoxes et les miracles auxquels cette ville nous a habitués ?). Et puis, il y a aussi un courage et une détermination qu’aucune épreuve de la vie ne peut abattre : les entreprises font faillite, la mafia menace, l’argent corrompt même ceux qui s’occupent de notre santé, jusqu’au Venditore di medicine ? Peut-être, mais les femmes remontent leurs manches (et, In grazia di Dio, vous les voyez tenir fièrement debout contre vents et… concurrence) et les jeunes coopératives remportent leurs batailles à coups de tomates (quand il s’agit de La nostra terra, on est prêt à tout).

L’argent fait défaut partout, sauf à la télé ? Sans doute ; et pourtant plein de Merveilles se cachent précisément là où tout est délabré, comme voué à la fin. N’est-ce pas de l’Ultima ruota del carro (cette dernière roue du carrosse que nous avons tous peut-être été à un moment ou à un autre) que nous vient l’appel le plus émouvant, l’incitation à faire valoir notre dignité, notre honnêteté, notre respect des autres ? L’un de nos plus grands poètes (Leopardi. Il giovane favoloso) et son magnifique interprète (Elio Germano, notre invité) nous le rappellent : c’est grâce à cette haie qui le dérobe à notre regard que notre horizon nous apparaît encore plus vaste, presque immense. Et si on comprend ça, tout à coup, même un naufrage peut nous paraître doux, au cinéma…

Gloria Paganini

et l’équipe du festival Univerciné Italien

LES FILMS DU FESTIVAL

L’ultima ruota del carro

La dernière roue du carrosse

Comédie dramatique de Giovanni Veronesi, 2013, 1h53

Avec : Elio Germano, Alessandra Mastronardi

Ernesto Marchetti est d’abord artisan comme son père, puis cuisinier, déménageur, chauffeur… En tous cas, la dernière roue du carrosse. Entre espoirs et désillusions, renoncera-t-il à ses valeurs : la famille, les amis et, surtout, l’honnêteté ?

Avant-première — Film d’ouverture du festival, en présence d’Elio Germano

La nostra vita

Drame de Daniele Luchetti, 2010, 1h33

Avec : Elio Germano, Isabella Ragonese, Raoul Bova

Claudio a une trentaine d’année et travaille comme ouvrier sur un chantier, dans la périphérie de Rome. Il a une femme qu’il adore et deux, bientôt trois enfants. Soudainement, le drame s’invite dans l’existence de la petite famille et la vie de Claudio bascule…

Film qui a valu à Elio Germano le Prix d’interprétation masculine au Festival de Cannes 2010 et le David de Donatello 2011 pour le Meilleur acteur.

Séance unique — En présence d’Elio Germano

Il giovane favoloso

Leopardi, il giovane favoloso

Film biographique de Marco Martone, 2014, 2h17Avec : Elio Germano, Isabella Ragonese

Giacomo Leopardi est la figure la plus emblématique de la littérature italienne du XIX^e siècle. Âme inquiète à la santé fragile, l’écrivain vit dans les livres et par les livres, jusqu’au jour où il quitte son village natal pour atteindre Florence, puis Naples…

L’esprit libre, mais tourmenté, du grand poète est incarné de manière magistrale par Elio Germano, notre invité.

Avant-première — En présence de l’acteur principal

Buoni a nulla

Bons à rien

Comédie de Gianni Di Gregorio, 2014, 1h27Avec : Gianni Di Gregorio, Marco Marzocca

Gianni, fonctionnaire romain, qui comptait partir à la retraite, apprend qu’il doit travailler encore trois ans dans des bureaux en périphérie. Il rencontre la nouvelle directrice — une femme ! — et Marco, un collègue beaucoup trop docile…

Le nouveau film du réalisateur et interprète de Pranzo di ferragosto.

Il capitale umano

Les opportunistes

Drame de Paolo Virzì , 2013, 1h41Avec : Valeria Bruni-Tedeschi, Fabrizio Bentivoglio, Luigi Lo Cascio

Nord de l’Italie. Un agent immobilier au bord de la faillite compte sur l’amitié d’un spéculateur de haut vol pour s’en sortir. Invités à un repas de gala, ils se retrouvent à la même table. Le destin des deux familles s’entremêle lorsqu’un cycliste trouve la mort dans un mystérieux accident de la route…

Film candidat à l’Oscar du meilleur film étranger 2015.

Séance unique — Dimanche 1er mars, 11h

I nostri ragazzi

Nos enfants

Drame de Ivano De Matteo, 2014, 1h32Avec : Alessandro Gassman, Giovanna Mezzogiorno, Luigi Lo Cascio

Deux frères et leurs femmes, différents comme le jour et la nuit, dînent ensemble une fois par mois, alors qu’aucun d’entre eux n’apprécie particulièrement cette habitude. L’équilibre précaire entre eux est mis à mal lorsqu’ils découvrent que leurs enfants respectifs ont commis un acte irréparable…

Le dernier film du réalisateur de Gli equilibristi.

In grazia di Dio

À la grâce de Dieu

Drame d’EdoardoWinspeare, 2014, 2h07Avec : Celeste Casciaro, Laura Lichetta, Anna Boccadamo

Dans le Salento, une entreprise familiale fait faillite. Adele, sa mère, sa soeur et sa fille doivent retourner vivre à la campagne. La crise frappe leur activité, mais s’immisce aussi entre les générations : le lien qui unit ces femmes est mis à dure épreuve…

Inédit

La nostra terra

Notre terre

Comédie dramatique de Giulio Manfredonia, 2014, 1h40

Avec : Stefano Accorsi, Iaia Forte, Sergio Rubini

Dans les Pouilles, les terres confisquées à la mafia sont légalement réattribuées à une coopérative agricole. Le projet ne parvient pas à convaincre beaucoup de monde. Filippo, envoyé du Nord de l’Italie pour résoudre le problème, se rend vite compte que chacun interprète la loi à son avantage.

Inédit

La sedia della felicità

La chaise du bonheur

Comédie de Carlo Mazzacurati, 2013, 1h34Avec : Valerio Mastandrea, Isabella Ragonese

Juste avant de mourir, Norma révèle à Bruna, une esthéticienne qui a du mal à joindre les deux bouts, l’existence d’un trésor caché dans l’une des chaises de son salon. Bruna se lance alors dans une chasse au trésor périlleuse avec la complicité de Dino, son voisin tatoueur…

Inédit

Le cose belle

Les belles choses

Film documentaire de Agostino Ferrente et Giovanni Piperno, 2013, 1h28

En 1999 à Naples quatre jeunes gens exprimaient devant une caméra leur vision de l’avenir et des belles choses qui les attendraient (Intervista a mia madre). Mais la vie leur réserve-t-elle vraiment de « belles choses » ? En 2013, ces quatre jeunes, devenus adultes, reviennent sur les années passées, leurs peurs et leurs espoirs déçus.

Inédit — En présence des réalisateurs

Le meraviglie

Les merveilles

Drame de Alice Rohrwacher 2014, 1h50Avec : Alba Rohrwacher, Maria Alexandra Lungu

C’est la fin de l’été dans un village au coeur de la Ombrie, où vivent Gelsomina, ses soeurs, ses parents. Coupée du monde extérieur, cette famille d’apiculteurs est profondément bousculée par l’arrivée de l’équipe d’une émission de téléréalité qui cherche à valoriser les productions du terroir…

Une merveille qui a remporté le Grand Prix du Festival de Cannes 2014.

Song’e Napule

Je suis de Naples

Comédie policière de Marco et Antonio Manetti, 2013, 1h54Avec : Alessandro Roja, Giampaolo Morelli, Serena Rossi

À Naples, Paco, pianiste au chômage, se retrouve par piston à travailler dans la police. Un commissaire, sur les traces d’un dangereux tueur de la Camorra, fait appel à lui : il a besoin d’un pianiste pour infiltrer le groupe qui animera le mariage de la fille d’un boss, car le tueur devrait être présent à la cérémonie. Rien ne pouvait arriver de pire à Paco…

Inédit

Smetto quando voglio

J’arrête quand je veux

Comédie de Sydney Sibilia, 2014, 1h40Avec : Edoardo Leo, Valeria Solarino

Un jeune chercheur perd son emploi suite aux réductions budgétaires de son université. Pour gagner sa vie, il recrute ses anciens collègues qui, en dépit de leurs talents, vivent en marge de la société. Ensemble, ils décident de mettre à profit autrement leurs compétences scientifiques…

Quando sei nato non puoi più nasconderti

Une fois que tu es né

Film dramatique de Marco Tullio Giordaba, 2005, 1h55 Avec : Alessio Boni, Michela Cescon, Matteo Gadola

En croisière avec son père, Sandro, douze ans, tombe à l’eau en pleine nuit sans que personne ne s’en aperçoive. C’est alors qu’une nouvelle croisière, totalement différente, commence pour lui. Après, il ne sera plus le même.

Séance Nantado — Goûter offert par le CCFI

Marina

Film dramatique de Stijn Coninx, 2013, 1h58Avec : Matteo Simoni, Luigi Lo Cascio, Donatella Finocchiaro

En 1948, Rocco a dix ans quand son père émigre en Belgique pour travailler dans une mine de charbon. Le jeune garçon, qui a du mal à s’adapter à un milieu hostile, se réfugie dans la musique, contre l’avis de son père.

Film inspiré de la vie du musicien Rocco Granata, auteur de la chanson « Marina », symbole d’italianité dans le monde entier.

Inédit — Film de clôture

LES CLASSIQUES

La tratta delle bianche

La traite des blanches

Drame de Luigi Comencini, 1952, 1h37Avec : Marc Lawrence, Eleonora Rossi Drago, Sophia Loren et Vittorio Gassman

Gênes, après-guerre. Alda, enceinte, participe à un marathon de danse pour financer les frais d’avocat de son fiancé, Carlo. Manfredi, proxénète sans scrupules, a pour intention de mettre Alda sur le trottoir.

Dimanche 1er mars, 14h — Film présenté par Patrick Goutefangea (CCFI)

Sacco e Vanzetti

Drame historique de Giuliano Montaldo, 1971, 2h

Avec : Gian Maria Volonté, Riccardo Cucciolla

Deux immigrés, italiens et anarchistes, sont injustement condamnés à la chaise électrique, dans les Etats-Unis des années 20 et l’affaire « Sacco e Vanzetti » devient un scandale mondial.

Une histoire vraie qui a marqué l’histoire du cinéma, et une bande sonore inoubliable signée Joan Baez.

LES FILMS EN COMPETITION

La mafia uccide solo d’estate

La mafia tue seulement l’été

Comédie dramatique de Pierfrancesco Diliberto, 2013, 1h30Avec : Cristina Capotondi, Pierfrancesco Diliberto

Palerme, années 1970. Le jeune Arturo tente de séduire la jolie Flora, sa camarade de classe. Autour de lui des événements tragiques se produisent, que les adultes minimisent ou occultent. Mais la mafia existe-t-elle pour de vrai ?

Plusieurs décennies de l’Histoire de l’Italie à travers le regard d’un enfant.

L’arte della felicità

L’art du bonheur

Film d’animation d’Alessandro Rak, 2013, 1h22

Sous une pluie battante, Sergio, chauffeur de taxi, apprend une nouvelle qui le bouleverse. Son taxi devient une prison qui lui permet d’échapper à son passé, à la vie. Mais ses passagers ravivent souvenirs et regrets. Le soleil finira-t-il par revenir ?

Une vision de Naples unique, un questionnement philosophique original.

Il venditore di medicine

Le visiteur médical

Film dramatique d’Antonio Morabito, 2014, 1h45

Avec : Claudio Santamaria, Isabella Ferrari, Evita Ciri

Bruno est visiteur médical. Suivant des pratiques courantes, il offre à ses clients médecins des avantages de toutes sortes. Quelles sont les limites que l’on peut franchir pour garder son emploi sans perdre son âme ?

Samedi 28 février, 20h30 — En présence du réalisateur

The special need

Film de Carlo Zoratti, 2014, 1h22Avec : Enea Gabino, Carlo Zoratti, Alex Nazzi

Enea a 30 ans, un travail, une famille et des amis, et un besoin particulier : découvrir l’amour. Ses deux amis, Alex et Carlo l’emmènent au-delà des frontières, pour que Enea, autiste, puisse vivre son rêve.

Vendredi 27 février, 20h30 — En présence de Alex Nazzi et Erica Mattioni

Zoran, il mio nipote scemo

Zoran, mon idiot de neveu

Comédie dramatique de Matteo Oleoto, 2013, 1h46 Avec : Giuseppe Battiston, Rok Prašnikar, Riccardo Maranzana

Paolo est odieux, misanthrope et alcoolique. Une lointaine tante slovène lui laisse en héritage un neveu un peu étrange et qui parle un drôle d’italien. C’est aussi un joueur exceptionnel de fléchettes…

LESHORAIRES DES FILMS

MERCREDI 25 FÉVRIER a

13h55 Le meraviglie

16h La sedia della felicità l

17h45 Buoni a nulla l

19h Cocktail d’ouverture

19h30 L’ultima ruota del carro > q

20h30 L’ultima ruota del carro l> q

DIMANCHE 1^Er MARS

11h Il capitale umano

11h10 Buoni a nulla

14h La tratta delle bianche q

16h30 L’arte della felicità l$

18h30 The special need l$

20h15 In grazia di Dio l

JEUDI 26 FÉVRIER

14h La nostra vita l q

16h L’arte della felicità l$

18h30 La mafia uccide solo d’estate l$

20h30 Il giovane favoloso l >q

VENDREDI 27 FÉVRIER

14h I nostri ragazzi

16h Il venditore di medicine l$

18h15 Sacco e Vanzetti

20h30 The special need l l$q

22h30 Song’e Napule l

SAMEDI 28 FÉVRIER

14h Une fois que tu es né

16h30 Buoni a nulla

18h Zoran l$

20h Il venditore du medicine l$q

22h30 La mafia uccide solo d’estate l$

LUNDI 2 MARS

14h Zoran l$

16h30 La nostra terra l

19h15 Le cose belle lq

21h15 Song’e Napule l

MARDI 3 MARS

11h Le meraviglie

14h Smetto quando voglio

15h55 In grazia di Dio l

18h15 La nostra terra l

20h30 Marina l

a salle accessible aux personnes à mobilité réduite le mercredi 25 février (sauf 20h30).l inédit / > avant première / q invité / $ en compétition

LES INVITÉS

Elio Germano

Né à Rome, il débute au théâtre à 13 ans et partage ensuite sa carrière entre télévision et cinéma. De 2001 à 2004, il joue pour Ettore Scola, Emanuele Crialese (Respiro), Ivano de Matteo. Nominé au Prix David di Donatello 2004 pour son interprétation dans le film Che ne sarà di noi ? de Giovanni Veronesi, il s’impose sur la scène nationale. À partir de 2005, il est à l’affiche dans les films de Gabriele Salvatores (Quo vadis, baby ? et Come Dio comanda), Michele Placido (Romanzo criminale), Paolo Virzì (N-Io e Napoleone et Tutta la vita davanti), Daniele Vicari (Il passato è una terra straniera, puis Diaz-Non pulite questo sangue) ou encore Ferzan Öspetek (Magnifica presenza). Après son interprétation inoubliable dans Mio fratello è figlio unico de Daniele Luchetti, qui lui vaut en 2007 le Prix David di Donatello per il miglior attore protagonista, il tourne Nine, comédie musicale de Rob Marshall, et en 2010 à nouveau avec Daniele Luchetti La nostra vita, film pour lequel il reçoit le Prix d’interprétation masculine au Festival de Cannes et le Prix David di Donatello per il Miglior attore. Son interprétation de Giacomo Leopardi (Il giovane favoloso) suscite l’admiration générale à la Mostra del Cinema Venezia 2014. De lui le réalisateur Giovanni Veronesi (L’ultima ruota del carro) dit : « il était déjà très fort il y a dix ans. Aujourd’hui, on peut tout lui demander car il sait restituer la vérité de manière extraordinaire, comme seuls les très grands acteurs savent faire ».

Antonio Morabito

Né à Carrare, en Toscane, il suit une formation de réalisateur, à Rome, et de scénariste à Paris. Il réalise ensuite de nombreux courts-métrages, parmi lesquels Cecilia, qui remporte le deuxième prix au Festival du Film de Turin, en 1999. Réalisateur et metteur en scène pour la télévision italienne, il réalise en 2007 un documentaire sur le mouvement anarchiste à Carrare. En 2012 il remporte le Prix pour la meilleure réalisation au Sulmonacinema Film Festival pour le documentaire Cos’è un Manrico. En 2013 sort Il venditore di medicine, film qui dénonce la corruption dans le milieu pharmaceutique.

Alex Nazzi

Il fréquente l’Institut d’art de Udine, sa ville natale, où il cultive sa passion pour le théâtre, la scénographie, puis pour la photographie industrielle. En 2000, commence sa collaboration avec Lorenzo Bianchini, dans Radice quadrata di tre, film d’horreur en langue frioulane (2001) dans lequel il joue le rôle principal. En 2004 il signe la scénographie de Custodes Bestiaes, film dans lequel il joue également. Depuis, il a contribué, en tant que scénographe, à différentes productions vidéo et théâtrales, y compris avec Carlo Zoratti, qui le choisit comme co-interprète du film The special need.

Agostino Ferrente

Réalisateur, scénariste et producteur, il étudie à Bologne dans les années 1990, puis réalise ses premiers courts-métrages. En 1999, il collabore avec Giovanni Piperno à la réalisation de deux documentaires qui connaissent un succès international : Intervista a mia madre et Il film di Mario. En 2006, il réalise le documentaire L’orchestra di piazza Vittorio qui relate la formation du célèbre orchestre multi-ethnique de Rome. Le cose belle, qui fait suite à Intervista a mia madre. sort en 2013 et est primé, notamment, aux festivals de cinéma italien d’Annecy et de Toulouse.

Giovanni Piperno

Photographe de formation, il commence par exercer en tant qu’assistant-opérateur, notamment pour les réalisateurs Martin Scorsese et Nanni Moretti. Puis, il se tourne vers la réalisation de plusieurs documentaires remarquables, parmi lesquels Intervista a mia madre et Il film di Mario, avec Agostino Ferrente, en 1999, ou encore Il pezzo mancante, sur la famille Agnelli, en 2010. Le cose belle, sorti en 2013, a déjà remporté 22 prix en Italie et à l’étranger.

LES PRIX

Quels sont les films en compétition ?

Cinq premiers films, inédits et récents, signalés dans le programme par un : $.

Quand sera annoncé le palmarès ?

Le mardi 3 mars, lors de la soirée de clôture.

Qui vote ?

1. Prix du public : à vous de juger !

Chacun d’entre vous peut voter pour désigner le meilleur film en compétition. En votant, vous pourrez gagner des billets d’avion pour l’Italie avec Volotea, partenaire du festival.

2. Prix des lycéens

Un jury de six lycéens, formés par Catherine Tisserand, enseignante d’italien et spécialiste de cinéma.

3. Prix Univerciné Italien

Un jury de douze étudiants de l’Université de Nantes, formés par Louis-Jean Ropars, spécialiste de cinéma.

Prix Univerciné inter-festivals

Le jury Univerciné, formé d’étudiants de l’Université de Nantes encadrés par Louis-Jean Ropars, spécialiste de cinéma, suit les quatre festivals de la saison (allemand, britannique, russe et italien) et décerne au meilleur film de la compétition le Prix Univerciné, doté par la MAIF-Assurance, partenaire du festival.

Le Prix Univerciné de la saison 2014-2015 sera annoncé lors de la soirée de clôture du festival italien, mardi 3 mars, et sera remis au réalisateur du film primé à l’occasion de la 3^e Master Class Univerciné qui se déroulera à l’Université de Nanteset au Katorza à la rentrée 2015.

INFOS PRATIQUES

Programmation et organisation

Gloria Paganini (Université de Nantes) avec Clémence Chauvet.

Et : Maud Boivin, Maïa David, Alexandra Nisbet, Elena Mikaberidze, Roma Calmant, Marion Guillaume, Laurence Guillemin, Thomas Gourmelen.

Cinéma Katorza

Caroline Grimault, Marc Maesen3, rue Corneille – 44000 NantesTél. 02 51 84 90 60 – www.katorza.fr

Coordination UnivercinéCéline Novel : univercine.katorza@gmail.com

Remerciements

M. Alessandrini, l’APIAN et tous les enseignants d’italien de l’Académie de Nantes ; Patrick Goutefangea et le CCFI-Centre Culturel Franco-Italien ; les étudiants italianistes de l’Université de Nantes et tous les autres bénévoles ; les producteurs et les distributeurs des films présentés.

Séances scolaires

Uniquement sur réservation auprès de Marc Maesen :katorza@wanadoo.fr – Tél. 02 51 84 90 60

Retrouvez tous les films pouvant faire l’objet de séances le matin sur le site internet.

Tarifs

Plein tarif : 6.40 € / Tarif étudiant : 5.30 €Tarif scolaire / groupe (20 pers. et plus) : 3.60 €Abonnement Univerciné pour les étudiants, le personnel de l’Université de Nantes et aux membres du CCE – Centre Culturel Européen (5 places + 1 place offerte pour le festival Univerciné suivant) : 26.50 €.

Délocalisation

Deux séances sont prévues en délocalisation :— au cinéma Le Connétable de Clisson — au cinéma CinéJade de Saint-Brévin-les-pins

 

Le site du Festival : http://italien.univercine-nantes.org/

"Le contrôle cinématographique en France" de Christophe Triollet

Vient de paraître cet ouvrage de Christophe Triollet Le contrôle cinématographique en France. Quand le sexe, la violence, et la religion font encore débat (L'harmattan, coll. Champs visuels). Rappelons que la question de la censure au cinéma avait été le thème de nos Vè rencontres Droit et cinéma en 2012.

Quelles règles président aujourd'hui à la classification des films et quelles sont les restrictions susceptibles d'être apportées à leur exploitation ? Le cinéma a-t-il une influence sur les spectateurs ? La sauvegarde des plus jeunes justifie-t-elle le maintien d'un dispositif d'exception à l'heure où la population dispose d'un accès à Internet ? Le sexe, la violence et la religion peuvent-ils encore limiter la liberté de création ?

Pour commander l'ouvrage : http://www.editions-harmattan.fr/index.asp?navig=catalogue&obj=livre&no=45929

6e Festival international Filmer le travail, Poitiers, 6-15 février 2015

Signalons Le 6e Festival international Filmer le travail, qui se déroule à Poitiers, du 6 au 15 février 2015.

Présentation. Déjà la sixième édition ! Filmer le travail s’affirme comme un événement culturel et cinématographique de portée nationale. Durant cette année, le festival a connu une forte montée en puissance : développement des activités annuelles, de la programmation de ciné-débats à Poitiers ou en Région et de l’éducation à l’image ; renforcement de nos liens avec nos partenaires traditionnels et arrivée de nombreux nouveaux partenaires (INRS, Conseil général de la Vienne, CCAS, SCAM, DRDFE, Canopé, Pôle Emploi…) ; diversification des formes et des contenus du festival. En 2015, le travail reste une préoccupation importante tant du point de vue de sa qualité, souvent exprimée en termes de souffrance, de stress, de burn-out, de risques psychosociaux, que de celui de son absence : le chômage est devenu une question sociale majeure par le nombre de gens concernés et surtout par la pression qu’il exerce sur la plupart des Français… À tel point qu’on peut se demander si nous ne sommes pas dans une « société de plein chômage », pour reprendre l’expression de Margaret Maruani. Cette sixième édition de Filmer le travail rend bien compte, dans sa programmation et ses contenus, de ces tendances lourdes, notamment autour de deux aspects saillants :
– Le premier, qui s’affirme au fil des éditions, est l’internationalisation. Parler du travail aujourd’hui, c’est s’inscrire dans un ensemble de relations mondialisées qui rendent interdépendants l’ouvrier chinois, le cadre occidental, le paysan indien ou africain, la femme de ménage philippine. Cette année encore le festival montre les diverses formes de travail dans les quatre coins du monde, ici et ailleurs ; il porte une attention particulière au cinéma chinois en lui consacrant une rétrospective, en donnant une carte blanche au Festival des 3 Continents et en accueillant un des plus grands documentaristes vivants, Wang Bing.
– Le second, qui se dessine de manière plus récente, est la recherche de solutions, d’alternatives à la crise du travail. La thématique cette année est « la belle ouvrage », expression populaire qui rappelle l’importance du travail bien fait et la nécessité de redonner du sens au travail. Dans ce cadre, le festival propose une conférence de Yves Clot, une réflexion sur les Fablabs, une rencontre avec Alain Cavalier, une journée d'étude sur les images des métiers, une exposition croisant les regards des dessinateurs de presse et des experts… Ainsi que divers films montrant des formes d’engagement et d’investissement au travail dans des professions aussi différente que forgeron, agricultrice, soignant ou enseignant.

Pour plus d'informations, avec la programmation complète : http://2015.filmerletravail.org/films-en-competition/

Journée d'études « "US AND THEM” : FRONTIÈRES VISIBLES ET INVISIBLES DANS LA VILLE AU CINÉMA », Jeudi 5 février 2015, Université de La Rochelle

JOURNÉE D’ÉTUDES « “US AND THEM” : FRONTIÈRES VISIBLES ET INVISIBLES DANS LA VILLE AU CINÉMA »

JEUDI 5 FÉVRIER 2015, UNIVERSITÉ DE LA ROCHELLE,

Faculté des Lettres et Sciences Humaines, salle L3

Dans le cadre du projet « Frontière(s) au cinéma » et avec le soutien du CRHIA

Avec le concours financier de la CUE Limousin Poitou-Charentes

 

                                   

Cette journée d’études a lieu dans le cadre du projet CUE Limousin-Poitou Charentes « Frontière(s) au cinéma », et fait suite aux rencontres Droit et Cinéma qui se sont tenues les 27 et 28 juin 2014 à l’Université de La Rochelle. Elle a pour thématique « “Us and them” : Frontières visibles et invisibles dans la ville ».

A travers les différentes interventions, cette journée essayera de montrer en quoi la représentation des frontières urbaines est prégnante dans le cinéma (qu’elles soient esthétiques et/ou matérielles), et en quoi elle peut être révélatrice de la dichotomie “us and them”, opposition entre le ‘nous’ et ‘les autres’ qui dépend non seulement d’une réalité sociale et civilisationnelle, mais bien aussi souvent  du point de vue de la caméra et de la place du spectateur.

PROGRAMME DE LA JOURNÉE

9h: Accueil des participants

9h15 : Ouverture de la journée d’études

9h30-10h05 : Marion Delage de Luget : « Où commence et quand s’arrête Twin Peaks ? Le potentiel hétérogène des frontières et autres cadres disciplinaires chez David Lynch »

10h05-10h35 : Enregistrement vidéo d’Elodie Vilchez : « Traverser les frontières urbaines : de Metropolis à Cosmopolis, le droit de l’urbanisme à l’épreuve du cinéma »

10h35-10h55 : Débat

10h55-11h15 : Pause

11h15-12h05 : Thierry Cormier : « Une démarcation américaine ou la naissance d’une sécession visuelle — Images cinématographiques et sérielles du Sud contemporain »

12h05-12h25 : Débat

12h30-14h : Repas

14h-14h30 : Julie Ambal « Frontières urbaines et sociales au gré des déplacements : New York, Paris, Tokyo »

14h30-15h : Rémy Lucas « Frontières visibles et invisibles de la favela dans « 5 X favela agora por nós mesmos » (5 X favela maintenant par nous-mêmes) (2010)

15h-15h20 : Débat

15h20-15h40 : Pause

15h40-16h20 : Table-ronde, modérée par Brigitte Bastiat, autour d’un festival dans la cité : Cinémarge avec Claudie Landy et Nathalie Roncier

16h20-16h40 : Débat

Le mot de la fin…

Organisation de la journée : Danièle André, CRHIA, Université de La Rochelle

daniele.andre@univ-lr.fr

Secrétariat du CRHIA et gestion de la journée : Isabelle Marchesseau

isabelle.marchesseau@univ-lr.fr

Le blog droit et cinéma sur « Frontières au cinéma » : http://lesmistons.typepad.com

RETOUR A TRUFFAUT

Exposition à la Cinémathèque française du 8 octobre 2014 au 1^er février 2015

http://www.cinematheque.fr/fr/expositions-cinema/francois-truffaut/

   Le blog Droit et cinéma ne pouvait omettre de rendre compte de l’exposition François Truffaut, sa création ayant été décidée à la Bibliothèque Internationale du Film (BIFI) après le visionnage des Mistons (France, 1957), son premier court-métrage.

Grâce aux riches fonds de la BIFI, extraits de dialogues de films, de lettres du réalisateur, de notes d’intention et de scénarios nous permettent de retrouver un auteur qui occupe une place particulière dans notre mémoire, car nous ayant accompagnés depuis notre adolescence avec Les 400 coups (France, 1959) jusqu’aux tourments de l’amour avec La peau douce (Port./France, 1964).

Graphomane, obsession de l’archivage avec des dossiers contenant dans des boîtes à la fois des documents relatifs à ses films, aux réalisateurs chroniqués et à sa vie personnelle (dont des factures de pressing !), François Truffaut est révélateur d’un esprit français. Sa passion pour la littérature, rempart contre la solitude de ses jeunes années, a été le matériau de plusieurs de ses réalisations, dont Jules et Jim (France, 1961) et Les Deux Anglaises et le continent (France, 1971) tirées de romans d'Henri-Pierre Roché ou du récit de science-fiction de Ray Bradbury, Fahrenheit 451 (France/G.-B., 1966). http://www.cinematheque.fr/expositions-virtuelles/truffaut-par-truffaut/index.php

Divisée en dix tableaux, l’exposition nous permet de retrouver ses fondamentaux - l’enfance et l’adolescence, la nouvelle vague, Antoine Doinel ou l’éducation sentimentale, filmer l’enfance - mais également de redécouvrir son activité de critique. Celle-ci fut prolongée par un dialogue avec les films de Jean-Luc Godard, entamé dans les années 1960 où plusieurs thèmes furent successivement abordés : la parodie du polar américain : Tirez sur le pianiste (France, 1960)/A bout de souffle ; le trio amoureux : Jules et Jim/Bande à part (France, 1964) ; l’adultère : La peau douce/Une femme mariée ; la science-fiction : Fahrenheit 451/Alphaville (France/Italie, 1965) ; l’amour fou : La sirène du Mississipi (France, 1969)/Pierrot le fou (France/Italie/E.-U., 1965), et poursuivi dans les années 1970 et 1980, malgré la rupture pour raisons politiques : http://www.franceculture.fr/player/reecouter?play=4942098

Si l’amour qui fait mal est une obsession chez Truffaut, il faut découvrir les multiples versions de L’homme qui aimait les femmes (France, 1977) et son sens de la répétition amenant Catherine Deneuve à prononcer à deux reprises - dans La sirène du Mississipi et dans Le dernier métro (France, 1980) - ces phrases :

«  Je viens à l’aurore et j’ai mal. Est-ce que l’amour fait mal ? 

Oui l’amour fait mal : comme les grands oiseaux rapaces, il plane au-dessus de nous, il s’immobilise et nous menace. Mais cette menace peut aussi être une promesse de bonheur. Tu es belle Helena, si belle que te regarder est une souffrance.

Hier vous disiez que c’était une joie.

C’est une joie et une souffrance. »

Revoir ces chers disparus à travers des photos et des extraits de films : Charles Denner et sa belle voix grave, Marie Dubois récemment disparue http://abonnes.lemonde.fr/disparitions/article/2014/10/15/l-actrice-marie-dubois-est-morte_4506851_3382.html, la magnifique Françoise Dorléac, Bernadette Lafont sur son vélo, Marie-France Pisier lors d’un « coup de foudre musical » sans lendemain entre Antoine Doinel et Colette dans Antoine et Colette (France, 1962), mais également des photos de la bande des Cahiers du cinéma dans son bureau de production Le carrosse, reconstitué pour l’occasion, et réécouter son discours en anglais (!) quand il reçut l’oscar du meilleur film étranger pour La nuit américaine (France, 1971).

Et partant à la découverte deson musicien de films préféré, Georges Delerue, également compositeur du Mépris de Jean-Luc Godard (Italie/France, 1963), nous nous égarons avec son presque jumeau Jean-Pierre Léaud en photo et gardons en tête la vivacité joyeuse de Jean-Louis Trintignant et Fanny Ardant dans Vivement dimanche ! (France, 1983).

Janvier 2015. Quelques manifestations...

- Signalons d'abord un séminaire, celui du CERAP (Université Paris XIII), consacré aux interprétations cinématographiques du développement durable. Ce séminaire aura lieu le vendredi 30 janvier 2015 de 10h à 12h.

Pour plus d'informations : https://seminairecinemaetdeveloppementdurable.wordpress.com/

- Ensuite, signalons la rencontre qui aura lieu le samedi 31 janvier 2015 à la boutique Cinématouvu, rue de la Ferté à La Rochelle, autour de l'ouvrage relatif à Michael Caine écrit par Michel Senna.

 

FRONTIERES au CINEMA

     La nature est si bien dessinée et organisée (dans son apparent désordre) que l’on peut s’interroger sur l’opportunité de ces frontières supplétives tracées par les hommes. Simplement la frontière est liée à l’appropriation : à la propriété des terres, des biens, des humains. A la domination : la frontière est un effet dominatif, ainsi évoqué dans Géant/Giant de George Stevens (E.-U., 1956) par le vindicatif James Dean à partir du moment l’où on exploite le pétrole sur les terres. Et vous souvenez-vous de Dirty dancing d’Emile Ardolino (E.-U., 1987) ? (non, c’est trop prolo – ciné pour blaireaux –) lorsque Patrick Swayze apprend à danser comme il faut à la jeune fille, à équilibrer son corps : « ceci est mon territoire, ceci est ton territoire ».

Et puis il y a Anna Karina criant à Belmondo peint en bleu « tu dépasses les bornes ! » dans Pierrot le fou de Jean-Luc Godard (France/Italie/E.-U., 1965). Et la sage Sandrine Bonnaire disant à la tumultueuse Isabelle Huppert « Il y a une marge à ne pas dépasser » dans La Cérémonie de Chabrol (France/All., 1994). Quelles bornes ? Quelle marge ?

Les Européens feront-ils une deuxième guerre de Crimée pour départager en Ukraine les Polonais et les Allemands de Catherine II la Grande et les Russes du Tsar Alexandre, de part et d’autre du fleuve Dniepr ? Et le système de concessions occidentales dans les villes chinoises de Shanghai, Pékin, Nankin, Canton – en train de renaitre pour cause marchande – était-il un véritable système de frontière ? Littérature et cinéma ont amplement fantasmé sur l’épineux sujet.

Peut-on rêver d’un Moyen Orient sans frontières avec Peter O’Toole pour seul interlocuteur – dans Lawrence d’Arabie/Lawrence of Arabia de David Lean (R.-U./E.-U., 1962) - avant que les britanniques ne le frontiérisent en trois Royaumes (Syrie, Jordanie, Irak) pour satisfaire les trois fils d’Ibn Saoud of Arabia ?

Les Mexicains aimeraient bien refranchir la rivière Pecos dans l’autre sens – tels les héros de Diego Quemada Diez dans les beaux Rêves d’or/La jaula de oro (Mexique/Esp., 2013). Avec ses belles lignes de frontières bien droites le Texas peut-il devenir un Etat indépendant ? Certains le prétendent. Avec ses très rectilignes et très européennes lignes droites tracées en Afrique, le Traité de Berlin de 1885 est-il encore pertinent en vertu du juridique principe de « l’intangibilité des frontières » ? A-t-il encore un sens au temps des relations mondialisées dans l’immatériel ?

Voilà les vraies questions.

Le modèle absolu de la réflexion frontiérisée dans le cinéma contemporain c’est Le pas suspendu de la cigogne/To meteoro vima tou pelargou (Italie/France/Suisse/Grèce, 1991) : pour garder l’esprit libre de frontières il ne faut jamais oublier la leçon de Marcello Mastroianni dans le film magique de Théo Angélopoulos.

Dans le salmigondis (en cuisine napolitaine ce mot veut dire mélange des goûts, mélange des genres, ce qui, présentement, est très in), goûts et genres étant des frontières mentales, il faut rester prudent dans l’imbécilité de la frontière imposée par trop de quadrillage…

Françoise Thibaut

Correspondant de l’institut

PETIT ABECEDAIRE CINEMATOGRAPHIQUE 2014

ADOPTION : Eastern Boys de Robin Campillo (France, 2013)

ALLENIEN : Fading Gigolo/Apprenti gigolo de John Turturro (E.-U., 2013)

BERGMANIEN : Kis uykusu/Winter Sleep de Nuri Bilge Ceylan (Turquie, 2014)

BOVARISME : Gemma Bovery d’Anne Fontaine (France, 2014)

COMPTE A REBOURS : Deux jours, une nuit de Jean-Pierre et Luc Dardenne (Belgique, 2014)

CORRUPTION (RUSSE) : Leviafan/Léviathan d’Andrei Zviaguintsev (Russie, 2014)

COUPLE : Love Is Strange d’Ira Sachs (E.-U., 2014)

CRIME ET CHATIMENT : Student/L’étudiant de Darezhan Omirbayev (Kazakhstan, 2012)

DIVORCE : Le procès de Viviane Amsalem de Ronit et Shlomi Elkabetz (France, Israël, Allemagne, 2014)

DJIHADISME : Timbuktu de Abderrahmane Sissako (France/Mauritanie, 2014)

ECOLE POUR TOUS : La cour de Babel de Julie Bertucelli (France, 2013)

EMERVEILLEMENT : Magic in the Moonlight de Woody Allen (E.-U., 2014)

ENFANT ABANDONNEE : L’incomprise de Asia Argento (Italie, 2014)

ENFERMEMENT (CHINOIS) : Feng Ai/A la folie de Wang Bing (France/Chine/Japon, 2014)

ERRANCE CONTEMPORAINE : Bird People de Pascale Ferran (France, 2014)

ESCLAVAGE : Twelwe Years a Slave de Steve McQueen (E.-U., 2013)

ESPIONNAGE : Zwei Leben/D’une vie à l’autre de Georg Maas (All./Norvège, 2014)

EXTRATERRESTRE : Under The Skin de Jonathan Glazer (Royaume-Uni, Etats-Unis, Suisse, 2014)

FRENCH TOUCH : Eden de Mia Hansen-Love (France, 2014)

FRONTIERE : Moddhikhane Char/Char… The No-Man’s Island de Sourav Sarangi (Italie/Inde/Danemark/Norvège, 2012)

GRANDEUR ET DECADENCE : Saint Laurent de Bertrand Bonello (France, 2014)

GUERRIERE : Les combattants de Thomas Cailley (France, 2014)

HOLLYWOOD INCESTUEUX :Maps to the stars de David Cronenberg (Canada/All., 2014)

HOTEL : The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson (G.-B./All., 2013)

INTELLIGENCE ARTIFICIELLE : Her de Spike Jonze (Etats-Unis, 2014)

ISLANDE : Hrossi i oss/Des chevaux et des hommes de Benedikt Erlingsson (All./Islande, 2013)

JEUX DE MIROIRS : Sils Maria d’Olivier Assayas (France, 2014)

JUGE ASSASSINE : La French de Cédric Jimenez (France, 2014)

LE TEMPS QUI PASSE : Boyhood de Richard Linklater (E.-U., 2014)

MAFIA : The Drop/ Quand vient la nuit de Michaël R. Roskam (E.-U., 2014)

MARGINAL : Vie sauvage de Cédric Kahn (France, 2014)

MERE COURAGE : Mommy de Xavier Dolan (Canada, 2014)

MILITANTISME : Night Moves de Kelly Reichardt (E.-U., 2013)

NOIR ET BLANC : Ida de Pawel Pawlikowski (Pologne, 2012)

NORD BURLESQUE : P’tit Quinquin de Bruno Dumont (France, 2014, minisérie de 4 épisodes)

ORGASME : Nymphomaniac Vol. 1 et 2 de Lars von Trier (Danemark, Allemagne, Belgique, Royaume-Uni, France, 2013)

ORPHELINAT (IRLANDAIS) : Philomena de Stephen Frears (R.-U., 2013)

PASSION MORTELLE : La chambre bleue de Mathieu Amalric (France, 2014)

PASSIONNE D’AVIATION : Kaze Tashinu/Le vent se lève de Hayao Miyazaki (Japon, 2013)

PEINTURE EN MAJESTE : National Gallery de Frederick Wiseman (R.-U., 2014)

PHOTO : The Salt of the Earth/Le sel de la terre de Wim Wenders et Juliano Ribeiro Salgado (France/Brésil, 2014)

POLAR CHINOIS : Bai Ri Yan Huo/Black Coal de Diao Yinan (Chine, 2013)

POST-MAO : Gu Lai/Coming Home de Zhang Yimou (Chine, 2014)

POST-MORTEM : Aimer, boire et chanter d’Alain Resnais (France, 2013)

QUE D’EAU QUE D’EAU : Futatsume no mado/Still the Water de Naomi Kawase (Japon, 2014)

QUE LA MONTAGNE EST BELLE : L’amour est un crime parfait d’Arnaud et Jean-Marie Larrieu (France, 2013)

RAPPORTS DE CLASSE : Un beau dimanche de Nicole Garcia (France, 2013)

RELIGION MORTIFERE : Kreuzweg/Chemin de croix de Dietrich Brüggemann(All., 2014)

RETOUR D’EXIL : Retour à Ithaque de Laurent Cantet (France, 2014)

RETROUVAILLES PERE/FILS : Nebraska d’Alexander Payne (E.-U., 2013)

S’EPAULER : Dans la cour de Pierre Salvadori (France, 2014)

SEXAGENAIRES : Gloria de Sebastian Lelio (Esp./Chili, 2013)

SIDA : Dallas Buyers Club de Jean-Marc Vallée (E.-U., 2013)

THEATRE : Sils Maria de Olivier Assayas (France, 2014)

TOUS COUPABLES : Ugly d’Anurag Kashyap (Inde, 2013)

3 D : Adieu au langage de Jean-Luc Godard (France, 2014)

ULTRA MODERNE SOLITUDE : Her de Spike Jonze (E.-U., 2013)

UNIVERSITE DE TOUS LES SAVOIRS : At Berkeley de Frederick Wiseman (E.-U., 2013)

UN PEU DE POESIE DANS UN MONDE DE BRUTES : Haganenet/L’institutrice de Nadav Lapid (Israël/France, 2014)

VENGEANCE : Uroki Garmoni/Leçons d’harmonie d’Emir Baigazin (Kazakhstan/All./France, 2013)

WESTERN : The Homesman de Tommy Lee Jones (E.-U., 2014)

Histoire et cinéma

La France, l’Europe, et une partie du monde ont vécu et vivent encore sur des évènements et des institutions dus à la lente faillite de la Monarchie absolue en France, à la bouleversante Révolution française, ses excès, ses ratées, ses trouvailles, à sa suite tumultueuse, incertaine - Thermidor, Directoire - jusqu’à l’arrivée sur la scène de l’histoire d’un petit homme brun au mauvais caractère nommé Bonaparte, son ascension et sa chute dans une  tragique cacophonie guerrière puis politique.

Les manuels d’histoire sont parfois ennuyeux, et la lecture n’est plus l’unique pré carré de la connaissance. Le cinéma s’est emparé de notre histoire, l’habille souvent avec justesse et élégance. Profitons-en !

La France en tant que Nation et les Français d’aujourd’hui continuent ce que cette période de quarante années - 1775-1815 - a supprimé puis imposé : la réaction aux abus de l’inégalité sociale et d’une chrétienté oppressive, la liberté individuelle et d’opinion, la participation au choix des gouvernants, le principe de légalité de toute décision collective. Tout sort de là, encore, même si plus de deux siècles de pratique en ont un peu modifié les contours.

Le cinéma français utilise cette trame aventureuse : avec quelques productions récentes, on peut parcourir cette romanesque Histoire de la France, en se divertissant avec humour et s’instruisant avec délectation :

Chronologiquement quatre longs métrages font merveille :

Il faut commencer par le Beaumarchais l’insolent d’Edouard Molinaro (France 1996) contant les tribulations théâtrales, publiques et privées du trublion Pierre Augustin Caron de Beaumarchais aux alentours de 1776, lequel pourfendit la censure royale avec son Figaro, inventa les droits d’auteur, hurla à l’égalité devant la justice, rendit service au roi Louis XV, connut le fameux chevalier d’Eon ni fille ni garçon, envoya 40.000 fusils aux Insurgents américains qui ne le payèrent jamais, troussa beaucoup de filles et mourut fort opportunément en 1799. Tout cela narré avec légèreté et beaucoup d’esprit dans ce film lumineux où presque tous les protagonistes sont vêtus de blanc, doté d’une distribution éclatante : Fabrice Lucchini y est fort juste, Michel Piccoli et Jacques Weber parfaits, Serrault irremplaçable en roi fatigué, Jean Yann bougon à souhait, et Sandrine Kiberlain délicieuse. Et tant d’autres… Les dialogues de Jean-Claude Brisville et Molinaro doivent beaucoup à Sacha Guitry, ce qui n’est pas désagréable.

Il faut poursuivre avec Ridicule de Patrice Lecomte (France, 1996) : on est à Versailles sous Louis XVI vers 1785 : la cour et le roi se fichent bien du peuple, et des paysans des marais de la Dombe. Charles Berling en petit noble de province tente de percer l’opacité royale, mais tombe dans les  cruels traquenards d’une noblesse de cour arrogante et impitoyable. Là aussi une distribution magnifique : Fanny Ardant superbe, Bernard Giraudeau surprenant en prêtre débauché et tricheur. Notre héros a la chance de rencontrer Jean Rochefort en noble désargenté mais secourable ; quelques dialogues devenus cultes (« le marquis des antipodes » et « le baron de patatras », « on peut naître dans une écurie sans être un cheval ») et la maitrise du rythme cinématographique par un Patrice Lecomte très inspiré.

Les Mariés de l’An II de Jean-Paul Rappeneau (France, 1971) nous transportent vers Nantes dix années plus tard, en 1794, au début de la Première République, en pleine Terreur de Robespierre et révolte des Chouans. Il court sur ce film un vent de folie, d’hystérie propre à cette période délirante d’incertitude et de cruauté. On guillotine avec allégresse, on noie dans la Loire les bonnes sœurs et les prêtres, tandis que la noblesse révoltée fait sauter des bombes en dansant avec ses paysans et en espérant le secours des Anglais. Jean-Paul Belmondo y est supportable, Marlène Jobert pleine de fougue, Samy Frey ténébreux à souhait. La musique de Michel Legrand un régal. On y voit une des toutes premières et minuscules apparitions de Patrick Dewaere en patriote de Valmy. La scène finale, située sous l’Empire, est très drôle et dévoile le chemin parcouru.

Il faut finir avec Le Souper, repris de la pièce de Jean-Claude Brisville, mis en scène par Edouard Molinaro (France, 1992) : c’est l’extrême fin de l’Empire, les 100 jours  désastreux, Bonaparte hors la loi et vaincu. La fête est finie, et les deux personnages clefs de toute cette période nous re-racontent dans un dialogue coupant comme une guillotine ces 30 ans de folie : Joseph Fouché et Charles- Maurice de Talleyrand : Duc d’Otrante et Prince de Bénévent par la volonté de l’Empereur, l’évêque et l’oratorien, tous deux mariés et parjures. Claude Brasseur et Claude Rich rivalisent de talent : c’est à la fois simple et somptueux, teinté d’une légère nostalgie pour une frénésie collective qui ne reviendra plus jamais. Et puis, la réflexion de Ticky Holgado, valet zélé du Prince : «  j’aime pas le peuple »…

Une grande et belle leçon d’histoire bien française. Bien sûr, il y a foultitude d’autres pellicules, mais ces quatre là se complètent et s’harmonisent parfaitement dans un même esprit d’exactitude historique, de légèreté de ton et de qualité très française.  On peut aussi les précéder du beau Que la fête commence de Bertrand Tavernier (France, 1975) qui se situe beaucoup plus tôt, sous le Régent - Noiret tellement vrai - après 1715 et la disparition de Louis XIV et qui commence le début de la fin. Il y a, bien sûr, les Napoléon d’Abel Gance (France, 1935) ou de Guitry (France, 1954) tellement admiratifs, et puis l’inénarrable Désirée de Henry Koster (E.-U., 1954) avec un Marlon Brando caricatural en Napoléon bougon, Jean Simmons (toujours très mauvaise) et Merle Oberon en Joséphine de Beauharnais.

Les Britanniques ont aussi traité nos folies de leur point de vue à eux : les irremplaçables Duellistes/The Duellists (G.-B., 1977), premier long métrage de Ridley Scott, d’après une nouvelle de Joseph Conrad, nous font parcourir les guerres d’Empire à travers l’histoire vraie de deux officiers français s’affrontant en duels sauvages (Prix de la première œuvre à Cannes en 1977) ; la scintillante Reese Witherspoon suit les aléas des régiments anglais lors des guerres d’Empire dans la mise en scène somptueuse du Vanity Fair/La foire aux vanités de Mira Nair (E.-U., 2003) inspiré du beau livre de William Makepeace Thackeray ; Gabriel Byrne y est parfait, tout comme Bob Hoskins. Le roi d’Angleterre qui affronta la guerre d’Indépendance américaine, la révolution française et Napoléon, était un malade mental – un Hanovre – qui eut beaucoup d’enfants : cela nous est conté avec brio par Nicolas Hytner dans La Folie du roi George (G.-B., 1994) où Helen Mirren est déjà reine et Rupert Everett assez irrésistible en héritier impatient. Le beau Master and Commander/ De l’autre côté du monde de Peter Weir (E.-U, 2000) nous rappelle que la guerre fut aussi maritime et fort cruelle, malgré les talents et les ruses de commandement de Russell Crowe. Enfin, même Jane Austen, évoque les guerres d’Empire à travers ses fringants militaires qui font rêver ses jeunes filles à marier, et vont et viennent vers le continent au gré des coalitions : Emma Thompson, Kate Winslet dans - entre autres - Raison et sentiments/Sense and sensibility de Ang Lee (G.-B., E.-U., 1995) incarnent parfaitement le climat social de cette époque.

On peut, bien sûr, ajouter les films russes sur la dévastatrice campagne de Russie, ou encore La nuit de Varennes d’Ettore Scola (Italie, France 1982), un peu lent mais grinçant et dramatique. Deux belles prestations de Gérard Depardieu en Colonel Chabert confronté à cette chipie de Fanny Ardant (Yves Angelo, France 1993) ; il y a aussi celui de Le Hénaff (France 1943) avec Raimu, ou en Danton, très beau, saisissant de réalisme, dû à Andrzej Wajda (Pologne, France, All., 1982) ; le scénario est de Jean-Claude Carrière, l’acteur polonais Wojciech Pszoniak est un prodigieux Robespierre. Chabert  finit à l’hospice, Danton perd la tête : sombres destins. Les cruelles Lignes de Wellington (de Valéria Sarmento, France, 2012) incarné par John Malkovich, décrivent la raclée infligée en Espagne et au Portugal aux armées françaises d’occupation et l’incroyable désordre de la fin de l’Empire.

Finissons sur une note festive : La Gaumont a eu la bonne idée de remastériser le Caroline Chérie de Richard Pottier (France, 1951), en noir et blanc, tiré du roman à succès de Cecil Saint-Laurent (plutôt Jacques Laurent), contant les tribulations d’une jeune aristocrate qui se débrouille dans la tourmente révolutionnaire. Le film fit scandale, parce qu’on y apercevait un bout de sein et quelques fesses. Il apparait aujourd’hui fort sage. L’enfantine Caroline, c’est Martine Carol, tellement jolie, pulpeuse, éclatante qui joue les idiotes avec talent, aux côtés de Jacques Dacqmine en séducteur empaillé, du roublard Raymond Souplex et d’une pléiade d’acteurs aujourd’hui disparus qui enchantèrent les années 1950/60.

Voila. Le cinéma est un merveilleux livre d’histoires de notre Histoire.

Françoise Thibaut, Correspondant de l’Institut

Cinéma et littérature : la conquête de l'Ouest américain

A l’occasion de la publication française de Jeremiah Johnson, le mangeur de foie de Raymond W. Thorp & Robert Bunker (trad. F. Cotton, Anarchasis, 2014), venez découvrir l’histoire crue et légendaire de Jeremiah Johnson (aussi appelé John Johnston), figure emblématique de l’Ouest américain.

La Rochelle, Maison de l'étudiant, jeudi 11 décembre, 17h30.

Entrée libre et gratuite.

Plus d'informations : http://www.univ-larochelle.fr/Cinema-et-litterature-la-conquete

L'ouvrage a été préfacé par notre ami Xavier Daverat, professeur de droit privé à l'Université Montesquieu Bordeaux IV.

"King Vidor, Odyssée des inconnus"

Signalons la parution de cet ouvrage consacré au cinéaste américain King Vidor, dirigé notamment par Gilles Menegaldo, un fidèle des rencontres "Droit et cinéma" de La Rochelle.

Aujourd'hui, sa réputation repose sur quelques grands films comme La foule, Duel au soleil, Le rebelle, Guerre et paix. Mais son cinéma des années 20 et de l'âge d'or de Hollywood demeure oublié. Pour la première fois en France, un ouvrage lui est entièrement consacré, sortant ainsi des limbes cinéphiliques un maître du film expérimental aux multiples facettes : musicien, peintre, poète et philosophe. Face à une œuvre difficile à situer, sont proposés ici des éclairages qui offrent une vision globale du cinéma de Vidor, prenant en compte non seulement ses films les plus connus, mais surtout son cinéma des premiers temps, ses derniers essais cinématographiques et ses scénarii non-filmés.

Le site de l'éditeur : http://www.corlet-editions.fr/n-152-king-vidor-odyssee-des-inconnus,fr,4,4637.cfm

Le sommaire de l'ouvrage : http://www.corlet-editions.fr/site/telechargements/CinemAction152-sommaire.pdf

HAWKS EN SURVOL - Le 42ème Festival International du film de La Rochelle

   Cette année je suis resté dans l’univers de Howard Hawks, placé donc sous le signe du divertissement. Des films d’aventure, des comédies, des westerns mais chaque film estampillé « Hawks ». Les dialogues qui fusent, les scènes menées tambour battant et des acteurs qui crèvent l’écran : George Raft, Cary Grant, Jean Arthur, Ann Sheridan, Lauren Bacall et Humphrey Bogart, et tant d’autres. On ne s’ennuie jamais avec les films de Hawks !

Comment ne pas mentionner Scarface/Scarface: Shame of a Nation (E.-U., 1932), LE modèle du genre qui met en scène la vie d’un gangster, Tony Camonte, qui ressemble étrangement à celle d’Al Capone, un fils d’immigré italien qui souffrait de syphilis mais qui a régné pendant 7 ans sur la mafia de Chicago (http://en.wikipedia.org/wiki/Al_Capone ). Le film est très sombre (on dirait que les gangsters sont comme Dracula, ils craignent la lumière !) mais il y a également de l’humour – noir ! Le film raconte l’histoire de l’ascension fulgurante d’un petit malfrat d’une ambition démesurée qui frise la folie. La scène de la fin, où Camonte est tué par balles par une armée de policiers, a été rejouée dans la rue par des milliers de petits garçons dans le monde entier !  

J’ai revu Le Grand Sommeil/The Big Sleep (E.-U., 1946) avec le couple Bogart/Bacall au sommet de leur art – et j’ai enfin compris ! Mais si, mais si ! Ceci dit, je ne voudrais pas vous gâcher le plaisir donc pas de « spoilers » ici !!

Un film qui m’a vraiment surpris et que j’ai trouvé à la fois très moderne et très drôle, c’est I was a male war bride/Allez Coucher Ailleurs (E.-U., 1949). C’est l’histoire (basée sur une histoire réelle !) d’un Capitaine français (Cary Grant) et d’une américaine, lieutenant dans l’armée des yankees (l’excellente Ann Sheridan). Obligés de travaillé ensemble alors qu’ils ne s’apprécient guère, ils finissent par tomber amoureux. Mais nous sommes en 1942, c’est la guerre et notre lieutenant doit regagner les Etats Unis – c’est un ordre ! La seule façon pour les amoureux de rester ensemble c’est de profiter de la War Bride Act qui permet aux épouses des soldats américains d’obtenir un visa pour accompagner leurs maris aux Etats-Unis. Grant est même obligé de se déguiser en femme pour monter à bord du bateau qui va les transporter à New York, une séquence restée dans les mémoires. Malgré les nombreuses maladies dont les acteurs, et même Hawks, ont été victimes (http://www.tcm.turner.com/this-month/article/12760%7C0/I-Was-a-Male-War-Bride.html), le film est une belle réussite. L’entente parfaite entre Grant et Sheridan créé une chimie qui provoque un feu d’artifice de gags et de bons mots – c’est un régal !

The Big Sky/La Captive aux yeux clairs (E.-U., 1952) est un film surprenant dans la mesure où l’on est habitué chez Hawks à un rythme plus frénétique ; ici, le long de la rivière Missouri, le temps s’écoule lentement.

Le film raconte l’histoire d’un voyage en bateau le long du Missouri jusqu’au territoire des indiens de la tribu des Pieds Noirs, l’objectif étant d’être les premiers à mettre en place le commerce des fourrures dans ces contrées. Tout est magnifiquement photographié et par moment on a l’impression de regarder un documentaire sur les pionniers. L’histoire tourne autour de quelques personnages clés : les deux amis, Jim Deakin et Boone Caudhill, joués respectivement par Kirk Douglas et Dewey Martin ; le vieil homme de la frontière Zeb Calloway (Arthur Hunnicutt, qui crève l’écran) ; Teal Eye, une princesse Blackfoot séduisante qui est leur otage (Elizabeth Threatt, dont c’est l’unique film (http://fr.wikipedia.org/wiki/Elizabeth_Threatt) ; et Jourdonnais (Henri Ledontal), capitaine français du bateau amenant tout ce beau monde vers la frontière du monde connu. D’ailleurs l’équipage du bateau est également français et les francophones peuvent se réjouir d’entendre leur langue parlée et chantée tout au long du film !

Thème récurrent chez Hawks, une amitié forte existe entre Deakin et Caudhill ; leur rivalité pour les faveurs de la princesse, un personnage au tempérament trempé dans l’acier, ne la brisera pas. Des plans larges montrent toute la splendeur des paysages et l’importance de la solidarité du groupe pour la survie dans ces conditions extrêmes est soulignée. Il y a des scènes mémorables, comme celle où les deux amis se saoulent dans un bar et chantent « Whisky, leave me alone » (whisky laisse-moi tranquille), ou encore celle où on doit amputer un doigt à Deacon, mais il faut d’abord le saouler…

Certes, le film a ses faiblesses (V. R. Woods, Howard Hawks, Detroit, Wayne State University Press, 2006). Hawks est peut-être resté à mi-chemin entre l’envie d’un côté de montrer la vie à cette époque, l’importance de l’amitié entre les membres de l’équipage, la grandeur des paysages, et de l’autre de raconter l’histoire d’un amour à trois entre Teal Eye et ses deux prétendants. Néanmoins le film réussit à nous transporter le long du Missouri et à nous faire partager la vie de ces pionniers (Fifty Years After The Big Sky: New Perspectives on the Fiction and Films of A.B. Guthrie Jr, Ed. by William E. Farr & William W. Bevis, Helena : Montana Historical Society Press, 2001, p. 80).

Je ne pourrais pas clore ce petit billet sans parler de Rio Bravo (E.-U., 1959). On a évidemment beaucoup écrit sur ce film, et surtout sur le fait que, de l’aveu de Hawks lui-même, il a été conçu comme l’antithèse du film de Fred Zinnemann High Noon (E.-U., 1952), que Hawks et l’acteur John Wayne détestaient ( http://www.rogerebert.com/reviews/rio-bravo-1959 ).

Le film parle encore une fois d’amitié, de loyauté, de courage et d’amour. Il est à la fois drôle, tendre et violent. John Wayne, Dean Martin et Ricky Nelson jouent les rôles principaux, Walter Brennan est au sommet de son art, et la magnifique Angie Dickinson incarne une femme de tempérament qui a dû se débrouiller dans la vie – l’exact contraire du rôle joué par Grace Kelly dans High Noon (http://en.wikipedia.org/wiki/High_Noon). Les liens presque familiaux entre les protagonistes sont richement décrits et le film prend le temps d’approfondir le caractère des personnages, ce que Hawks réussit à mieux faire que dans The Big Sky. On est happé par le film, par l’intrigue, et les acteurs sont tous inoubliables. Ce film a influencé des metteurs en scène comme Martin Scorcese, John Carpenter (http://en.wikipedia.org/wiki/Howard_Hawks) et même Jean-Luc Godard (http://www.newyorker.com/culture/richard-brody/hawks-and-godard-and-contempt et il fait partie des films préférés de Quentin Tarantino. En le voyant de nouveau au FIFLR il n’est pas difficile de comprendre pourquoi !

Frank Healy

Maître de conférences en anglais, CIEL, Université de La Rochelle

Escales documentaires, 4-9 novembre 2014, La Rochelle

Programme complet et dossier de presse : http://www.escalesdocumentaires.org/

"Droit du cinéma", Pascal Kamina (LexisNexis, 2ème éd., 2014)

Le blog Droit et cinéma s'intéresse principalement au droit dans le cinéma, sans négliger pour autant le droit du cinéma... C'est pourquoi nous signalons la parution récente de la 2ème édition de Droit du cinéma (LexisNexis) de notre collègue Pascal Kamina (http://www.lgdj.fr/manuels-precis-mementos/233813732/droit-cinema). Par ailleurs, l'auteur a crée un site d'actualisation de son ouvrage : http://www.droitducinema.com/

A l'avenir, peut-être aurons-nous l'occasion de nous intéresser au droit comme cinéma ?

Retour sur images (suite et fin)

Mais le temps fort de ce festival fut pour moi la rétrospective Howard Hawks.

Y figuraient tous ses grands films, à l’exception peut-être du Vandale/Come and get out  (E.-U., 1936)ou Air Force (E.-U., 1941). Ce qui frappe après avoir vu les dix-neuf longs métrages présentés cette année, c’est le parti pris du divertissement et une facilité à se répéter lui-même, voire à s’auto-parodier de la part d’Howard Hawks. Il avait d’ailleurs déclaré à Peter Bogdanovitch : « Quand vous trouvez quelque chose qui marche, vous pouvez bien recommencer ! » (François Chevassu, La Revue du Cinéma, avril 1969). Ce précepte est largement illustré dans plusieurs des films à l’affiche cette année, par exemple, la scène de la robe de Katherine Hepburn déchirée dans L’Impossible Monsieur Bébé/Bringing Up Baby (E.-U., 1938) reprise dans Le Sport favori de l’homme/Man's Favorite Sport? (E.-U., 1964), Rock Hudson, dans le second, essayant, à l’instar de Cary Grant dans le premier, de protéger l’intimité de Paula Prentiss, ou la scène du piano de Hatari (E.-U., 1962) imitée de Seuls les anges ont des ailes/Only Angels Have Wings (E.-U., 1939). Howard Hawks n’hésitera d’ailleurs pas à faire un remake d’un de ses films, il s’agit de Boule de Feu/Ball of Fire (E.-U., 1941) de 1941 qu’il tourna à nouveau en 1948 sous le titre de Si bémol et fa dièse/A song is born (absent de cette rétrospective), Danny Kaye et Virginia Mayo reprenant respectivement les rôles de Gary Cooper et Barbara Stanwyck.

Découvrir ou redécouvrir les films d’Howard Hawks sans respect de leur chronologie permet de mettre en avant une dimension de plaisir et de partage ; un autre élément est la fidélité à certains acteurs pour jouer les seconds rôles, choisie ou imposée par les studios, qu’importe, la présence récurrente de Walter Brennan (dans quatre des six rôles qu’il a joué pour Howard Hawks) ou de Noah Beery Junior (dans trois films sur les quatre collaborations avec Howard Hawks) ajoute une plaisante familiarité.

Sans vouloir établir de classement, il est certain que je place des comédies comme L’Impossible monsieur Bébé/Bringing Up Baby (E.-U., 1938), Boule de feu/Ball of Fire (E.-U., 1941), Allez coucher ailleurs/I Was a Male War Bride (E.-U., 1949) ou La Dame du Vendredi/His Girl Friday (E.-U. 1940) en tête de liste, en particulier à cause de la drôlerie des dialogues et le burlesque de certaines situations. Ce qui ajoute souvent à l’humour, outre les jeux de mots (pas toujours bien rendus dans les sous-titres), c’est le débit des comédiens, par exemple les échanges entre Katherine Hepburn (Susan) et Cary Grant (David Huxley) dans L’Impossible Monsieur Bébé ou les dialogues des journalistes dans La Dame du Vendredi. Pour mémoire, La Dame du vendredi est le remake de Front Page de Lewis Milestone, tous deux adaptés de la pièce de Ben Hecht, dont nous avons vu une troisième version par Billy Wilder sous le titre de Spéciale Première/The Front Page (E.-U., 1974) dans la rétrospective de 2013. L’un des intérêts du film de Howard Hawks est sans doute le choix d’une femme (Rosalind Russel) pour jouer le rôle de la journaliste vedette, Hildy opposée à son ex-mari et rédacteur en chef, Walter Burns (Cary Grant), qui veut la faire revenir au journal et l’empêcher d’épouser son fiancé.

Malgré l’extravagance du scénario de Boule de Feu/Ball of Fire (E.-U., 1941), j’ai été particulièrement sensible à l’énergie de Barbara Stanwyck (Sugarpuss) opposée à la balourdise de Gary Cooper (professeur Bertram Potts), à la cocasserie de certaines scènes (l‘allusion à l’épée de Damoclès et l’utilisation de la réflexion de la lumière par Archimède, nous sommes chez des savants !)  ou à la tendresse de tous ces célibataires pour Sugarpuss, même après la révélation du pot aux roses. Enfin, Allez coucher ailleurs/I Was a Male War Bride (E.-U., 1949) n’est pas simplement une comédie où le travestissement de Cary Grant préfigure ceux de Jack Lemmon et Tony Curtis dans Certains l’aiment chaud/Some Like It Hot (E.-U., 1959), le film de Billy Wilder, c’est aussi un documentaire sur l’Allemagne de l’après-guerre où l’on découvre sur des kilomètres des ruines bombardées ou des ponts détruits. C’est peut-être ce qui assombrit un peu ce film où les décors sont uniformément sales, où les femmes sont presque toutes en uniforme et où la bureaucratie aveugle refroidit l’enthousiasme de l’amoureux Capitaine Henri Rochard (Cary Grant), contraint de s’affubler d’une queue de cheval, de porter une jupe et de s’appeler Florence pour pouvoir accompagner son épouse américaine outre-Atlantique.. Je passe rapidement sur Chéri, je me sens rajeunir/Monkey Business (E.-U., 1952), qui vaut encore une fois par les dialogues loufoques entre Edwina Fulton (Ginger Rogers) et son professeur de mari Barnaby Fulton (Cary Grant), par la multiplication des gags (B4 and after) et par un grand moment burlesque mettant aux prises Hank Entwhistle (Hugh Marlowe), ancien flirt d’Edwina et la tribu de jeunes indiens menée un Barnaby Fulton rajeuni de trente ans. Je conclurais sur les comédies par Le Sport Favori de l’Homme/Man's Favorite Sport? (E.-U., 1964) où Paula Prentiss peine à rivaliser avec Katherine Hepburn dans le rôle de la femme qui pourrit littéralement la vie de l’homme tranquille, ici Rock Hudson, plutôt en retrait (Cary Grant qui devait initialement jouer le rôle préféra tourner Charade de Stanley Donenavec Audrey Hepburn (E.-U., 1963)).

Dans un autre registre, j’ai bien sûr adoré les westerns : 

-          La Rivière Rouge/Red River (E.-U., 1948) avec John Wayne dans un rôle pour une fois peu sympathique et dans lequel Howard Hawks fait la part belle aux paysages pour conter un épisode fondateur de l’histoire de l’Ouest américain.

-          La Captive aux yeux clairs/The Big Sky (E.-U., 1952) aux dialogues émaillés de français et où pour fois une femme (Teal Eye) ne parle pas dans un film de Hawks !

-          Rio Bravo et son huis clos étouffant, à nouveau décliné dans El Dorado (E.-U., 1966), sans oublier le western africain Hatari (E.-U., 1962) avec un casting toutefois improbable mais dont on retiendra le fameux thème musical d’Henry Mancini qui accompagne les éléphanteaux en quête de leur mère, Elsa Martinelli.

Mais le film de Howard Hawks que j’ai préféré est décidément Le Port de l’angoisse/To Have and Have Not (E.-U., 1944), faux film noir, mais vrai film engagé, malgré le refus obstiné du Capitaine Harry Morgan (Humphrey Bogart) de prendre parti. Le film est emblématique car il signe la rencontre entre Humphrey Bogart et Lauren Bacall (Slim), dans le film et dans la vie (« Anybody got a match ? », scène anthologique des allumettes !) mais aussi parce que Hawks tourne en pleine Seconde Guerre Mondiale (1944) un vrai film antifasciste. C’est particulièrement visible dans la scène où le capitaine Morgan corrige le commissaire Renard, fonctionnaire vichyssois particulièrement zélé et retors. Un autre atout majeur de ce film est la présence de Hoagy Carmichael (compositeur, pianiste et chanteur, créateur entre autres de « Stardust » et « Georgia on my mind » !). Il joue le pianiste Crickett dont l’interprétation de « Hong Kong blues » est un moment particulièrement réjouissant de ce film plutôt dramatique.

Malgré le tandem Bogart/Bacall renouvelé dans Le Grand Sommeil/The Big Sleep (E.-U., 1946) la magie n’opère pas de la même manière, nous suivons avec plaisir l’enquête complexe de Philip Marlowe et sa romance avec Vivian Rutledge, mais l’épilogue laisse un peu sur sa faim.

Je pourrais encore évoquer Sergent York/Sergeant York (E.-U., 1941)(pour l’anecdote, le film reçut un accueil enthousiaste car il était à l’affiche lors de l’attaque japonaise sur Pearl Harbor le 7 décembre 1941), Les hommes préfèrent les blondes/Gentlemen Prefer Blondes (E.-U., 1953)(détestables sous-titres de Diamonds Are a Girl's Best Friend), Une fille dans chaque port/A Girl in Every Port (E.-U., 1928)(avec Louise Brooks au générique !), Le Code Criminel/The Criminal Code (E.-U., 1931) (Boris Karloff y apparaissait quatre ans avant Frankenstein) ou Scarface/Scarface: Shame of a Nation (E.-U., 1932)(qui lança la carrière de George Raft), mais il faut faire des choix.

En conclusion, cinq films, à des titres divers, m’ont également marqué pendant ce festival. Du plus nostalgique au plus engagé :

-          Jeux Interdits (France, 1952) avec la présence lumineuse de Brigitte Fossey pour présenter l’émouvant film de René Clément.

-          Horizons lointains/Lost horizon (E.-U., 1937) le film de Frank Capra dont Hergé a dû se souvenir quand il a écrit Tintin au Tibet.

-          Seuls sont les indomptés/Lonely Are the Brave (E.-U., 1962) avec un Kirk Douglas en perdant magnifique qui n’a plus sa place dans le Far West contemporain (et David Miller tourna ce film il y a déjà plus de cinquante ans !)

-          Lili Marleen (All., 1981) dans lequel Rainer Fassbinder brosse le portrait féroce et lucide de l’Allemagne nazie, sans concession pour les compromissions des uns ou des autres, et avec une interprète merveilleuse en la personne d’Hannah Schygulla.

-          Sacco et Vanzetti/Sacco e Vanzetti de Giulano Montaldo (France/Italie, 1971) qui m’a rappelé non sans nostalgie que la capacité d’indignation dans les années soixante-dix était sûrement moins émoussée qu’aujourd’hui.

Et je me rends compte que j’ai oublié de citer Le Faussaire/Die Fälschung de Volker Schlöndorff (All./France, 1980), Katka pomme reinette/Katka Bumajny ranet de Fridrikh Ermler et Edouard Joganson (URSS, 1926), La Maison de la Rue Troubnaïa/Dom na trubnoï de Boris Barnet (URSS, 1927), Gente de bien de Franco Lolli (France/Colombie, 2014), Jauja de Lisandro Alonso (Danemark/ Arg./France, Mexique/E.-U./All./P.-B., 2014), Amore Carne de Pippo Delbono (Italie/Suisse, 2011), Seconds. L’Opération diabolique/Seconds de John Frankenheimer (E.-U., 1966) et même On connaît la chanson d’Alain Resnais (France, 1997), tant pis, place à la quarante-troisième édition !

Claude Braud

Professeur d’anglais au CIEL

Université de La Rochelle

Retour sur images (1ère partie)

Des raretés, des découvertes, quelques nouveautés et une immense rétrospective, mon bilan de la 42^ème édition du FIFLR est largement positif.

Une ouverture coup de poing sur le film de Céline Sciamma, Bande de Filles (France, 2014), donnait le ton de cette décade de cinéma, bien ancré dans son époque puisqu’elle s’est conclue par les deux films magistraux de Tony Gatlif et d’Abderrahmane Sissako, Géronimo (France, 2014) en écho à Bande de Filles et Timbuktu (France/Mauritanie, 2014) amère réflexion d’une aveuglante beauté sur la folie des hommes.

Au rayon des raretés, j’évoquerais d’abord quelques-uns des six films soviétiques que j’ai eu le plaisir de découvrir ou redécouvrir pour l’un d’entre eux, mais aussi d’entendre grâce au piano évocateur de Jacques Cambra.

La magnifique copie restaurée du Cuirassé Potemkine/Bronenosets Potiomkine (URSS, 1925) m’a permis de remettre de l’ordre et de la lumière dans les souvenirs lointains que j’avais du film de Sergueï Eisenstein, la montée en tension, les escaliers d’Odessa et l’étendard rouge sang. Moins grandiose, mais très efficace, Un Débris de l’empire/L’homme qui a perdu la mamoire/Oblomi imperii de Friedrich Ermler (URSS, 1929) conte la surprenante histoire d’un combattant de la première guerre mondiale, qui, commotionné au cours d’un bombardement, perd la mémoire. Il va la recouvrer une dizaine d’années plus tard en pleine mise en œuvre du premier plan quinquennal ; le passage de la Russie tsariste à l’Union soviétique est un choc à peine moins rude que le traumatisme du combat. A travers le destin individuel du sergent amnésique, Ermler retrace en accéléré les réalisations les plus spectaculaires de la jeune république soviétique et brosse un portrait de ses acteurs aux idéaux révolutionnaires intacts.

Je mentionnerais encore deux autres films, tous deux d’Abram Room. Le premier, Le Fantôme qui ne revient pas/Prividenie, kotoroe ne vozvrachtchaetsa (URSS, 1929), est une étonnante fable basée sur un récit d’Henri Barbusse, Le Rendez-vous qui n’a pas eu lieu. C’est l’histoire d’un chef révolutionnaire José Real, emprisonné à vie dans un pays d’Amérique Latine. Room évoque l’univers carcéral et la lutte des classes dans une aventure aux confins du fantastique, car il entremêle rêves et fantasmes à la réalité des paysages de pénitencier, de puits de pétrole et de désert aride, mais son propos reste animé par l’idéal révolutionnaire. En effet, le fantôme José, à qui on accorde une permission pour revoir sa femme et son fils, n’échappera au policier chargé de l’abattre que pour conduire la grève des travailleurs du complexe pétrolier. Le second film d’Abram Room estTrois dans un sous-sol/Tretya Metchanskaya (URSS, 1927) : il évoque la crise du logement à Moscou à travers l’histoire de l’ingénieur Volodia et son épouse Ludmila. Le contraste entre le sous-sol encombré que partagent Volodia et Ludmila et le spectacle offert sur le toit de l’opéra de Moscou en construction est saisissant. Volodia s’épanouit à l’extérieur et s’étiole à l’intérieur tandis que Ludmila s’épuise dans les tâches ménagères. Cette dernière devient rapidement un élément du décor pour Volodia qui la regarde avec un certain dégoût. L’arrivée de Kolia Vogel, l’ami typographe de Volodia dans cet espace confiné, va bousculer l’ordre des choses. En quête de logement, Kolia est heureux de trouver un foyer et accepte volontiers le sofa proposé par Volodia. Il entreprend bientôt de séduire Ludmila et quitte son sofa pour le lit conjugal, Volodia, dépité, abandonne le sous-sol. Kolia et Ludmila recueilleront toutefois Volodia, transi de froid pour lui offrir le sofa désormais vacant (le titre anglais du film était d’ailleurs Bed and Sofa). Mais au lieu de poursuivre dans la veine du vaudeville bourgeois auquel cette trame fait penser, Room s’emploie au contraire à brocarder l’égoïsme des deux hommes, en particulier au moment où ils rechignent à endosser une paternité problématique. Le film se termine à la clinique où l’on découvre Ludmila, décidée à se faire avorter. Elle réalise alors sa situation et refuse de se résigner, préférant partir et garder l’enfant : « Il ne m’arrivera rien, je travaillerai ! »

Au rang des raretés, en ce qui me concerne, figure aussi l’excellent Scènes de chasse en Bavière/Jagdfzenen aus Niderbayern de Peter Fleischmann (All., 1969). L’impression de sérénité bucolique qui se dégage de ce village pittoresque où les gens vivent en harmonie est très vite dissipée. Cette société rurale de la Bavière catholique va être le théâtre d’un fait divers tragique à travers lequel Peter Fleischmann va dénoncer l’intolérance et le racisme qui conduisent quasiment au lynchage d’un des protagonistes. Dans ce microcosme où les autorités politiques et religieuses font régner l’ordre, où chaque personnage joue le rôle que lui assigne sa position sociale, y compris l’idiot du village, le coureur de jupons ou la fille facile. C’est l’autre qui va détruire l’harmonie et causer le désordre. L’autre, c’est l’étranger, ici le travailleur turc. Peter Fleischmann laisse d’abord penser que les ouvriers agricoles turcs présents dans le village, mais mis à l’écart, car parlant une autre langue et pratiquant une autre religion, vont être les boucs émissaires. En réalité, l’autre, c’est plutôt l’ennemi de l’intérieur, en l’occurrence le mécanicien Abram, il apparaît au cours du film à son retour de la ville. On comprend qu’il est allé en prison pour une affaire de mœurs et son homosexualité supposée en fait le souffre-douleur de la communauté, rejeté par tous, y compris par sa mère. Accusé d’avoir abusé d’un jeune garçon, il s’enfuit mais commet un meurtre irréparable et devient le gibier de ces scènes de chasse. La scène du dépeçage du porc par les villageois annonçait d’une certaine manière le sacrifice d’Abram. En choisissant le prénom Abram, Peter Fleischmann souligne ainsi la persécution et le génocide des juifs dans l’Allemagne nazie, indiquant au passage que si les victimes ont pu changer, l’intolérance demeure.

Deux des découvertes majeures dans la programmation sont, pour moi, le documentaire Le Cousin Jules de Dominique Benicheti (France, 1973) et Australia, le film de Jean-Jacques Andrien (Belg., 1988). Sans rapport apparent, ces deux films évoquent pourtant la même inéluctable dissolution d’un monde ancien. Les gestes quotidiens du vieux forgeron Jules Guitteaux font écho à ceux des ouvriers lainiers de Wallonie, les deux cinéastes montrent l’irréversible glissement dans l’oubli d’un savoir-faire et d’un mode de vie du XIXème siècle encore présents en France et en Belgique dans les années 1950/1960. La disparition et l’absence marquent tant le pays de Herve (recréé) de 1955 de Jean-Jacques Andrien que la Bourgogne (réelle) de 1968 de Dominique Benicheti. La précision et la lenteur de Jules qui forge des pentures de volets ou façonne des gonds sur son enclume, les silences de son épouse Félicie, qui disparaîtra pendant le tournage, annoncent la mort d’une France rurale où le quotidien se réglait sur le pas des chevaux et le temps se mesurait aux couleurs changeantes des paysages, merveilleusement mis en lumière par Pierre-William Glenn. Mais Dominique Bernicheti ne propose en aucun cas la vision d’un monde idyllique, la rusticité des conditions de vie de Jules et Félicie n’incite guère à la nostalgie. Dans une moindre mesure, Jean-Jacques Andrien illustre un propos comparable dans une autre de ses œuvres, le documentaire Il a plu sur le grand paysage (Belg., 2012). Avec une réelle empathie, il interroge les fermiers du Pays de Herve qui luttent souvent avec l’énergie du désespoir contre l’engloutissement de leur mode de vie et contre l’agriculture normalisée. Le ballet des tracteurs et des tonnes à lisier inondant les terres d’un lait désormais sans valeur répond aux larmes du fermier qui a conscience qu’ils sont les derniers représentants d’une certaine société rurale dont les valeurs sont aujourd’hui surannées.

Parmi les nouveautés, outre les trois films mentionnés dans l’introduction avec une mention particulière pour la bande son de Géronimo, je voudrais citer Winter Sleep/Kis Uykusu de Nuri Bilge Ceylan (France/All./Turquie, 2014) et surtout ce formidable film de Benedikt Erlingson, Des chevaux et des hommess/Hross i oss (Islande, 2013).

A l’instar des touristes japonais en vacances en Anatolie, je serais tout disposé à passer quelques jours à l’hôtel Othello malgré le caractère un peu bougon de son propriétaire. Ni les dialogues foisonnants auxquels Nuri Bilge Ceylan nous a peu habitués, ni les tensions entre les personnages ou leur violence rentrée, n’empêchent le spectateur de se laisser envelopper par la torpeur de l’hiver et la neige qui recouvre doucement le paysage hivernal. A l’environnement quelque peu ouaté de la montagne anatolienne s’opposent la furie et l’énergie des islandais et de leurs chevaux. Il est difficile de sortir indemne de ce film où les hommes et les chevaux refusent les entraves et sont prêts à payer de leur vie cette soif de liberté. Benedikt Erlingson nous entraîne dans un maelström d’images où un cavalier fait la course en haute mer avec un chalutier avant de mourir empoisonné par l’alcool frelaté qu’il engloutit à son retour à terre, où les victimes d’un crime d’honneur sont un étalon et une jument, où les femmes dament le pion aux hommes et domptent les chevaux.

A suivre…

Claude Braud

Professeur d’anglais au CIEL

Université de La Rochelle

Festival du film éco-citoyen, écran vert, 5ème éd., 24-28 septembre 2014, La Rochelle

Programme complet : http://www.festivalecranvert.fr/

LE CINEMA A LA RADIO : FLORILEGE

Eté aux après-midi étouffantes, automne au soleil trop rare, langueur de l’hiver et des fêtes de fin d’année, pluies de printemps recouvrant de brume les fins de semaines, temps suspendu, période propice aux lectures d’autobiographies de réalisateurs ou d‘acteurs, aux visionnages de DVD stockés depuis trop longtemps comme autant de conserves aux saveurs diverses (un zeste de vieux films français, une pincée de films asiatiques, quelques cuillères de films d’outre-Atlantique…), piles de journaux et magazines entassés depuis des semaines en attente d’un œil attentif, mais aussi réécoute d’émissions de radio autour du cinéma. Car si la télévision ne sert guère le 7^ème art, se contentant de jouer la carte promotionnelle de la sortie de films pour l’essentiel français, la radio se délecte des films de tous genres et nationalités.  

Dans ce florilège subjectif, forcément subjectif, la doyenne des émissions – le Masque et la plume - nous permet de partager les enthousiasmes et emportements des critiques, mais aussi de repérer la pépite asiatique ou sud-américaine qui avait échappé aux programmateurs de nos salles préférées ou à nos yeux de cinéphile. Bien-sûr chacun d’entre eux a ses cinéastes de prédilection, ses détestations récurrentes, mais l’écoute de l’émission le dimanche soir, sous la subtile férule de Jérôme Garcin, permet tout à la fois de clore le week-end passé dans les salles obscures et de préparer le suivant muni de conseils avisés.

http://www.franceinter.fr/emission-le-masque-et-la-plume

Entre le petit déjeuner et le marché du samedi matin, un tour de piste des sorties de la semaine nous est offert par Christine Masson et Laurent Delmas dans On aura tout vu. Il y a de l’énergie, de la passion, des envies de cinéma qui nous incitent à découvrir un film pour ses acteurs, un documentaire pour son personnage central, une fiction pour son tout jeune réalisateur encore inconnu…

http://www.franceinter.fr/emission-on-aura-tout-vu

L’après-midi il faut trancher : la sieste ou un entretien au long cours autour d’un film, d’un réalisateur, d’un acteur ou d’un technicien ? C’est Projection privée animée de main de maître es 7^ème art par Michel Ciment. Souvent podcastée, elle n’en est que plus délicieuse, car l’on peut revenir à loisir sur le parcours d’un cinéaste après avoir vu une exposition ou une rétrospective qui lui étaient consacrées. Tables-rondes avec des historiens du cinéma, discussions à bâtons rompus entre journalistes européens à l’occasion des festivals de Berlin, Cannes et Venise permettent d’entrapercevoir des œuvres dont il faudra guetter le bref passage en salle, afin de goûter les expériences de cinéma décrites avec force détails par les spécialistes.

http://www.franceculture.fr/emission-projection-privee-0

Tandis que Vincent Josse rejoint dans son Atelier un artiste multiforme, comédien de théâtre et de cinéma, cinéaste-photographe… la soirée nous conduit vers les salles de projection.

http://www.franceinter.fr/emission-latelier

Se réveiller en douceur avec Ciné débat permet de bien débuter le dimanche. Les deux chroniqueurs ne partagent pas toujours le même avis sur les films, mais leurs dissonances sont autant de pense-bêtes cinématographiques pour la journée.

http://www.franceinter.fr/emission-cine-debat-0

Si les samedis et dimanches sont riches en émissions, le reste de la semaine n’est pas dépourvu de saveur, entre quelques occurrences cinématographiques matinales de La Fabrique de l’histoire animée avec talent par Emmanuel Laurentin, http://www.franceculture.fr/emission-la-fabrique-de-l-histoire-0

les passionnantes interviews de Kathleen Evin où des réalisateurs viennent régulièrement présenter en soirée leur dernier opus dans son Humeur vagabonde

http://www.franceinter.fr/emission-lhumeur-vagabonde

et les invités du nocturne Hors champ où Laure Adler reçoit de temps à autre des réalisateurs, racontant leurs parcours, rencontres et créations.

http://www.franceculture.fr/emission-hors-champs-0

Malheureusement disparue des ondes hertziennes Pendant les travaux le cinéma reste ouvert, l’émission de Jean-Baptiste Thoret et Stéphane Bou,nous livrait une histoire du cinéma, des genres cinématographiques et une étude poussée de l’œuvre des cinéastes au travers de questions soumises à leurs invités : Lars Von Trier a-t-il ou non le génie du mal ? Les films de Sidney Lumet sont-ils du côté de la morale ou de la loi ? Comment le cinéma italien a-t-il rendu compte des années de plomb ? A quoi reconnaît-on un film japonais ? Et si ce n’étaient pas les meilleurs intervieweurs, leur fougue, le ton pop rock et érudit de l’émission était un vibrant hommage au cinéma étatsunien des années 1970. A réécouter sans modération, un crayon à la main et les oreilles à l’affût de la bande son…

http://www.franceinter.fr/emission-pendant-les-travaux-le-cinema-reste-ouvert-0

Magie des voix, extraits filmiques rendus visibles par le seul imaginaire sonore : là où la télévision affadit, la radio embellit le cinéma.

Enregistrement audiovisuel du colloque "Frontière(s) au cinéma"

 

L'enregistrement audiovisuel des VIIèmes rencontres Droit et cinéma des 27 et 28 juin 2014, dont le thème était "Frontière(s) au cinéma", vient d'être mis en ligne sur le site de l'Université de La Rochelle : http://portail-video.univ-lr.fr/Frontiere-s-au-cinema-VIIe

"Les représentations du juge au cinéma", Colloque, Bruxelles, 13-14 mars 2015, appel à contributions

Colloque international

Arrêts sur images. Les représentations du juge au cinéma

Organisé par le Centre de droit public et le Centre de droit international de la Faculté de
droit de l’Université libre de Bruxelles (ULB)
Dans le cadre de l’Action de recherche concertée (ARC) : « Le juge. Un acteur en mutation »

Les 13 et 14 mars 2015

  "Le procès de Viviane Amsalem", (S. et R. Elkabetz, France, Allemagne, Israël, 2014)

Depuis peu, les juristes mais aussi les théoriciens et philosophes du droit ont commencé à
s’intéresser au cinéma et aux représentations du droit et de la justice qu’il véhicule. Ce
mouvement est certes plus développé dans le monde anglo-saxon, au sein duquel on le
désigne souvent au moyen de l’appellation « Law & Films », mais des initiatives allant dans
cette direction ont également pris place, ces dernières années, dans les cultures de droit
continental et en particulier dans le monde francophone. Cependant, la figure du « juge »
au cinéma n’a pas encore été vraiment étudiée de façon directe et spécifique, alors qu’elle
est incontournable au sein de notre pensée et de notre expérience du droit et de la justice, et qu’elle a en outre régulièrement retenu l’attention des cinéastes.

Parce que cette figure est au coeur de l’Action de Recherche Concertée Le juge, un acteur en
mutation (2010-2015), le Centre de droit international et le Centre de droit public de
l’Université Libre de Bruxelles ont décidé de consacrer le colloque final du projet aux
représentations du juge au cinéma. Intitulé Arrêts sur images, ce colloque international
consacrera deux journées complètes à la réflexion sur la figure du juge – considérée au
sens large (juge professionnel, juge non professionnel, jury, etc.) –, telle qu’elle est
représentée au cinéma, non seulement dans le genre spécifique que l’on nomme « film de
procès », mais aussi en explorant d’autres domaines cinématographiques.

Ce colloque sera divisé en quatre ateliers qui auront pour thèmes :

Atelier 1 : Le juge face au pouvoir.
Quelles articulations est-il possible de concevoir et de mettre en scène au cinéma
entre ce qu’on appelle communément le « pouvoir judiciaire » et d’autres types de
pouvoirs, politique, médiatique, social ou économique ? Bien des configurations
semblent envisageables entre les deux situations extrêmes que sont, d’une part,
l’autonomie totale du judiciaire et, d’autre part, son instrumentalisation par les
autres pouvoirs. La force du septième art réside sans doute dans sa capacité à
explorer ces zones grises que l’on nomme « rapport de forces », « influence
réciproque », « confusion des genres », etc.

Atelier 2 : L’erreur judiciaire à l’écran.
Pour des raisons bien compréhensibles, les juristes peinent à élaborer une
« théorie » de l’erreur judiciaire. Qu’ont à nous montrer les cinéastes sur ce thème ?
Où se situe la force heuristique des expériences qu’ils nous font vivre dans les
nombreux films qui relatent de telles erreurs (ou prétendues erreurs), films qui
naviguent bien souvent entre réflexion et émotion, entre raison et passion ?

Atelier 3 : Juger le pluralisme juridique.
Bien que l’État revendique un monopole dans l’édiction de normes à caractère
juridique, il cohabite avec divers ordres qui génèrent, eux aussi, des normes
considérées comme obligatoires par leurs destinataires (Églises, syndicats, ordres
sportifs, familles, « loi du milieu », etc.). Comment le cinéma parvient-il à rendre
compte du passage à la limite entre ces différents ordres qui se côtoient, et parfois
s’affrontent, au sein de nos sociétés ? Comment appréhende-t-il les interactions
entre ces divers systèmes normatifs hétérogènes ? Quelle vision se font les
cinéastes du rôle du juge dans un tel contexte d’incertitude normative ?

Atelier 4 : Le juge comme acteur : quand la caméra entre au tribunal.
Ce dernier atelier sera consacré non au « juge personnage » – incarné par un acteur
–, mais au « juge réel », qui est de plus en plus souvent filmé au tribunal, alors qu’il
est plongé dans l’action. Cet atelier permettra ainsi d’interroger le double sens du
mot acteur – celui qui agit et celui qui joue un rôle –, ainsi que les implications de
cette polysémie dès lors que l’on considère le rôle du juge, en particulier. On se
tournera en conséquence vers d’autres genres cinématographiques ou télévisuels,
qui vont du documentaire aux émissions de téléréalité. Parmi les nombreuses
interrogations qui pourront être ici mobilisées, mentionnons la question de savoir
dans quelle mesure ces procédés se veulent « réalistes » ou, au contraire, assument
l’impact qu’ils produisent inévitablement sur la réalité, ou encore celle du devenir
de la justice, en tant qu’institution, dès lors que l’aspect formel du procès est
gommé au profit de sa dimension spectaculaire.

À la fin de ces deux journées, en lieu et place des habituelles « conclusions », une table
ronde sera organisée qui donnera la parole à des professionnels du cinéma afin de leur
permettre, de façon assez inédite, de dialoguer avec des juristes, qu’ils soient théoriciens
ou praticiens. L’interrogation placée au centre de cette table ronde finale sera celle du sens
et de la légitimité du recours au cinéma pour éclairer les débats juridiques contemporains :
en se tournant vers le cinéma, le juriste ne risque-t-il pas, en effet, de l’instrumentaliser et
de dénaturer la composante esthétique qui lui est essentielle (à supposer que le cinéma ne
soit pas appréhendé, ce qu’il peut être également, comme un pur divertissement) ?

Ce colloque s’inscrira en outre dans le prolongement des autres composantes du projet
« Arrêts sur images » (http://www.arcdroit.ulb.ac.be/Arrets_sur_images_-
_Sommaire.html), à savoir :
1/ le ciné-club : un cycle de projections/débats est actuellement en cours à la
Faculté de droit de l’ULB, qui propose à la communauté universitaire et au public
en général un certain nombre d’oeuvres cinématographiques et les soumet à
l’analyse de conférenciers invités en raison de leur expertise ;
2/ le site internet : des analyses de films sont publiées sur une interface spécifique
consacrée aux représentations du juge au cinéma, alimentée par des billets
réguliers, rédigés par des auteurs issus d’horizons divers.

1. Les propositions d’exposés et de contributions sont centrées sur la figure du juge,
considérée au sens large, et ne traitent pas à titre principal d’un autre objet ;

2. Elles s’insèrent explicitement et naturellement dans l’un des quatre ateliers définis
ci-dessus (Atelier 1 : Le juge face au pouvoir ; Atelier 2 : L’erreur judiciaire à l’écran ;
Atelier 3 : Juger le pluralisme juridique ; Atelier 4 : Le juge comme acteur : quand la
caméra entre au tribunal) ;

3. Elles anticipent un exposé de trente minutes, qui intègre des extraits de films, étant
entendu que le temps de parole consacré au extraits (en ce compris la
contextualisation par l’orateur des extraits choisis par rapport au film dont ils sont
issus) ne pourra pas représenter plus d’un tiers de la durée totale de la présentation ;

4. L’orateur accepte de participer activement aux séminaires préparatoires qui se
tiendront à l’ULB avant le colloque (durant la première quinzaine de décembre 2014),
séminaires qui sont destinés à insuffler une certaine cohérence à l’ensemble de
l’événement scientifique (les organisateurs prendront en charge les frais afférents aux
déplacements des orateurs qui résident hors du territoire belge).

Les propositions d’exposés (qui ne dépasseront pas 5000 signes, espaces non compris),
accompagnées d’une bibliographie et d’une filmographie (d’une page maximum) devront
parvenir aux organisateurs pour le 15 septembre 2014. Elles peuvent être envoyées à l’adresse suivante : webmaster.droit@ulb.ac.be

Les organisateurs, après avoir soumis les propositions reçues au Comité scientifique de
l’événement, informeront les postulants le 15 octobre 2014, au plus tard, de la décision prise. Les organisateurs prendront à leur charge les frais de déplacement sur la base d’un trajet en
classe économique au tarif le plus avantageux, les nuits d’hôtel sur la base d’une chambre
« single » pendant toute la période du colloque et les repas prévus au programme. Les
réservations seront faites directement par les organisateurs. Aucun remboursement
supplémentaire (taxis, restaurants, etc.) ne sera octroyé, ni aucun per diem. Ces conditions
s’appliquent également aux séminaires préparatoires.

Bill Viola, sculpteur de temps - Paris, Grand-Palais, 5 mars-21 juillet 2014

C’est une gageure d’essayer de rendre compte de l’exposition Bill Viola au Grand Palais tant l’œuvre est riche, complexe et dans la mesure où il ne s’agit pas d'imiter les critiques d’art ni d’essayer de décrire tout ce que l’on peut voir et expérimenter au cours de ce parcours assez inhabituel.

L’artiste est né le 25 janvier 1951 à New-York mais, comme il le dit, son véritable acte de naissance, c’est l’avènement de la vidéo : « je suis né en même temps que la vidéo » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux- Grand Palais, 2014, p.17).

 C’est en 1969 qu’il découvre ce médium au centre des étudiants de l’université de Syracuse dans l’état de New-York où il était parti étudier la peinture et la musique électronique. C’est là qu'en 1970 il rencontre Nam Jun Paik, coréen émigré aux Etats-Unis, qui a inventé ce nouveau médium qu'est l’art vidéo pour « s'attaquer à la télévision » (Ibid., p. 32).

Bill Viola va s’emparer de cet outil et aura recours à tous les moyens mis à sa disposition par les nouvelles technologies rendant compte, d’une certaine façon, de l’histoire de l’évolution de la vidéo.

L’œuvre de Bill Viola est le fruit d’une triple contingence : un accident de la vie, une nouveauté technologique (comme avait pu l'être l’invention du tube de peinture qui avait permis aux impressionnistes de sortir de leur atelier) et la rencontre avec Nam Jun Paik.

L'exposition évoque toutes ses séries de 1977 à aujourd’hui et montre l’étendue des supports utilisés : sculptures, bandes vidéos destinées à la télévision, installations, projections, écrans plasma, écrans flottants en tissu transparent, pièces sonores. Elle s’ouvre sur une phrase du penseur Soufi Ibn Arabi : « Si tu t’engages dans le voyage tu y arriveras ». A quoi et où s’engage-t-on lorsqu'on pénètre en ce lieu ?

D’emblée on est frappé par une atmosphère inhabituelle : le visiteur est plongé dans l’obscurité et déambule dans différentes salles obscures où se profilent des ombres, où les corps des visiteurs se frôlent ou se cognent les uns aux autres. On essaie de trouver une place, on s'appuie contre une paroi, on s'assoit ou on s'allonge par terre. Nul doute que nous allons participer à une expérience particulière, à une performance dont nous sommes le spectateur mais aussi, dans une certaine mesure, l’acteur : « C’est comme un voyage, voyage qui n’est pas une réponse mais une question ».

Les œuvres surgissent comme des fresques sur des écrans, sur des murs. On s’installe, on attend - car l’expérience du temps fait partie intégrante de l’exposition : il faut presque 7 heures pour en voir l’intégralité - et on est soudain immergé, submergé par les images.

Jérôme Neutre, commissaire de l’exposition, explique qu’il a conçu le parcours en trois chapitres : « Le premier concerne l’introspection, depuis les débuts, quand Bill Viola était son propre modèle : question de vie et de mort, jusqu’aux rêves et aux cauchemars. Le deuxième évoque le dialogue entre le moi et l’univers, depuis le film dans le désert : Chott el-Djerid, a portrait in light and heath, 1979, (bande vidéo en couleur avec son). Le troisième questionne la transcendance et la transfiguration ».

L’artiste nous invite à « partir en quête d’une signification et d’une spiritualité… Je pense que le mystère est probablement l’aspect le plus important de mon travail. Le mystère est le moment où vous ouvrez une porte et où vous la refermez, et vous ne savez pas où vous allez. Vous êtes perdu. Etre perdu est une des choses les plus importantes » (J-P. Fargier, Film Bill Viola, Expérience de l’infini, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux - Grand palais, 2014).

Effectivement nous sommes perdus dans l’espace et le temps, entre attente et disparition.

Bill Viola, créateur de vidéos, artiste de son temps, s’inscrit  également dans l’histoire de l’art : certains tableaux sont des dialogues avec des œuvres de grands maîtres de l’art classique auxquelles il donne chair par la mise en scène des corps, le travail sur les émotions extrêmes, la naissance, la mort, le passage, la continuité que la lenteur du mouvement met en scène (Catherine’s room de 2001, polyptique vidéo sur cinq écrans plats ; The sleep of the reason de 1998, installation vidéo sonore en continu ; The quintet of astonishe de 2000, rétro-projection vidéo en couleurs)

L’eau

   L’exposition s’ouvre et se clôt dans l’eau. Dans la première salle nous sommes en présence d’une vidéo de 1977-1979 : The reflecting pool, dans la dernière de sept écrans plasma montrant sept personnages immergés : The dreamers datant de 2013.

L’artiste nous livre l’origine de ce thème de l'eau et de ses variations. Il s’agit d’une expérience contingente, un accident, un début de noyade qui a provoqué une sorte de ravissement, un traumatisme « positif » (Ibid) : « J’ai failli me noyer à 6 ans, ça a changé ma vie, c’est l’expérience la plus importante de ma vie, expérience émotionnelle très forte. Je n’ai pas eu peur, mon père (lapsus)... oncle a plongé, sinon je serais resté là, j’étais très heureux, c’est une expérience très positive, pas effrayante du tout, c’est un traumatisme, mais positif, je me croyais au paradis ou pas loin. Depuis je suis toujours revenu à cela dans mon travail, c’était un monde nouveau. Je suis resté fasciné par le monde que j’ai découvert en me noyant. Toute ma vie j’ai été fasciné par l’eau ».

A «Thème et variations», Bill Viola préfèrerait sans doute le terme de flux, car nous dit-il : « Dans l’univers il n’y a pas une seule vitesse de vie, tout est flux. C’est pour moi l’un des grands sujets sur lequel nous devons travailler, il faut libérer notre nature intuitive que nous avons verrouillée » (Catalogue de l’exposition, p 29).

 Le flux, c’est également ce qu’évoque Pascal Dusapin à propos de sa création musicale : « la forme s’établit au moment même où son créateur choisit d’en arrêter le flux et de le continuer en créant un enchevêtrement nouveau » (Une musique en train de se faire. Librairie du XXI siècle, Seuil, 2009, p. 17) et « composer n’est pas démontrer, c’est inventer des pulsions et des flux » (ibid, p. 109).

L’eau, c’est donc ce bassin The reflecting pool où se reflètent des corps en marche mais - inquiétante étrangeté - il n'y a personne sur les bords. Soudain un homme plonge et se trouve arrêté, suspendu dans l’espace et le temps pour s’évanouir quelques minutes plus tard.

L'eau : c’est également un déluge quasi biblique dans Going forth by day, installation audio et vidéo de cycles d’images projetées en cinq parties. Qu'y voit-on ? Une maison blanche, des passants dont le pas s’accélère progressivement créant chez le spectateur le sentiment d’une urgence, d’une catastrophe imminente et soudain le surgissement par la porte ouverte d'un flot d'eau qui emporte hommes et objets et humains, fait exploser les fenêtres, submerge et envahit tout, immense noyade, destruction totale, apocalypse. Cette œuvre a été réalisée après les évènements du 11 septembre 2001 à New-York et pourrait en constituer une évocation.

L’eau c’est aussi ce « chef d’œuvre vidéolyrique » selon l’expression de Thomas Jean : Tristan’s ascension, The sound of of a mountain under a waterfall de 2005. Dans une des séquences conçues pour l’opéra de WagnerTristan et Isolde mis en scène par Peters Sellars figure une stèle, un corps étendu, voilé en plan fixe. On attend, une goutte d’eau quitte le sol, s’élève puis une autre quelque temps plus tard et la pluie monte, de plus en plus violente, en trombe d’eau - cascade ascendante qui gronde - et le corps de Tristan se soulève entraîné par l’eau en furie et s'élève jusqu’à disparaître. La pluie se calme, s’arrête, tout redevient immobile et silencieux. Il ne reste que la dalle vide qui luit sur le sol mouillé.

« Sculpter le temps »

    C’est la définition que donne Bill Viola de son art dans une note de son Journal en 1989 : « Le temps est la matière première du film et de la vidéo. La mécanique peut en être des caméras, de la pellicule, des cassettes, ce que l’on travaille c’est du temps. On crée des évènements qui vont se déplier, sur une sorte de support rigide qui est incarné dans une cassette ou de la pellicule, et cela constitue l’expérience d’un déroulement » (Reasons for Knocking at an Empty House, Writtings 1973-1994, traduction de J. Neutre, Cambridge, MIT Press, 1995, p. 253).

Sculpter le temps est une expression surprenante. Sculpter c’est donner forme, relief, ôter pour faire apparaitre une néo-forme à partie de l’informe. Comment peut-on sculpter le temps ? Grâce à l’outil vidéo : alors qu’il regarde un match de football à la télévision, Bill Viola découvre le ralenti. Il va exploiter cette possibilité pour en faire un élément majeur de son œuvre et une réflexion sur le temps. Grâce à une technologie de plus en plus performante il peut filmer jusqu’à 300 images par seconde, ce qui lui permet ensuite de procéder à des ralentis extrêmes (ce que ne permet pas le cinéma à 18 images par seconde) : « Le ralenti est toujours important, je finis toujours par y recourir, j’ai trouvé que le monde bougeait trop vite. Je me suis concentré sur ce point : entrer à l’intérieur du temps, comprendre ce qui s’y passe. La majorité de mes œuvres se réfère à l’idée de malléabilité du temps. On peut l’étirer encore et encore ou le compresser » (J.-P. Fargier, Film Bill Viola,Expérience de l’infini, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux Grand-Palais, 2014) «  Quand on filme au ralenti, les émotions continuent de la maintenir en mouvement » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux- Grand Palais, 2014, p. 29).

Il s’agit donc d’utiliser cette possibilité que donne le ralenti pour réinscrire le spectateur dans l’expérience du temps à une époque où la vitesse a pris le pas sur les évènements de la vie, ce qui fait dire à Paul Virilio que nous sommes arrivés à un terme : « Désormais on n’accélèrera plus. Désormais l’histoire aura atteint sa vitesse limite. C’est une question à laquelle je n’ai pas de réponse. Ce que je sais c’est que cet accident général, l’emboutissement du mur du temps est un évènement qui va nous faire ralentir, nous faire régresser, revenir en arrière» (Cybermonde la politique du pire, Conversations pour demain, Paris,  Editions Textuel, 2010, p 52).

Et Bill Viola a le projet « de créer une œuvre d’art qui doit être vue avec le cœur. Observer une chose longtemps et inviter le spectateur à regarder cette chose longtemps, c’est la seule façon de découvrir l’essence d’un objet ou d’une scène » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, op. cit., p. 26). Arrêter le temps est rendu possible grâce à ce nouvel outil qu'est la vidéo.

Le son

   S’il se définit comme sculpteur de temps, il me semble que l’on peut avancer que Bill Viola est également un sculpteur de son : il n’a pas manqué d’utiliser tous les moyens mis à sa disposition par ce nouveau média, la vidéo, en particulier le son, pour en produire les effets les plus inattendus.

« L’idée du son a une place énorme, elle structure tout pour moi, j’ai conçu beaucoup d’œuvres à partir du son, j’ai travaillé sur des projets nécessitant une très forte puissance sonore, c’est ce qui m’intéressait le plus à mes débuts, cette intensité du son que l’on pouvait modeler comme une sculpture, parce que le son rebondit sur les surfaces qu’il percute. Quand vous frappez dans vos mains, vous pouvez ralentir le son, vous l’entendez rebondir sur les murs jusqu’à envahir tout l’espace et finalement disparaître. La vidéo n’est pas seulement une machine pour l’image, c’est aussi une machine pour le son. C’était le point clef à cette époque, que le son soit marié avec l’image. C’est ce qui m’a amené à réaliser que les sens de l’être humain sont tous connectés » (J.-P. Fargier, Film Bill Viola, Expérience de l’infini, op. cit.).

Bill Viola souhaite « donner toute la place à l’inconscient » (ibid). C’est évidemment une formule qui touche les psychanalystes. Et, rejoignant Freud et Lacan dans cette formule dorénavant devenue célèbre : « En sa matière, l’artiste précède toujours le psychanalyste », il nous explique : « Je ne savais pas ce que j’étais en train de faire. La façon dont on peut voir les choses et ne pas vraiment les voir, avec la lumière intérieure, celle des émotions et des sentiments » (ibid).

« La caméra est un œil ouvert qui permet de réapprendre à voir et la vidéo, en particulier lorsque l’on filme dans le noir, voit ce que l’œil ne voit pas. Et ça a apporté le direct. Le paysage est le lien entre notre moi extérieur et notre moi intérieur » (ibid).

« L’objet dont on parle n’est pas le tableau accroché au mur; ce n’est pas la sculpture dans le coin d’une salle, ce n’est pas la vidéo sur l’écran plasma, c’est le risque que l’on prend, ce que l’on met dans l’acte de création, ce que l’on sacrifie de soi pour atteindre cette profondeur » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, op. cit., p. 39).

Gérard Seyeux, psychanalyste

Frontière(s) au cinéma : programme et résumés des interventions

Plus que quelques jours avant les VIIemes Rencontres Droit et cinéma de La Rochelle. Voici le programme et les résumés des interventions (L'ensemble est également accessible ici).

Grande nouveauté : le colloque sera retransmis en direct!

 

"Frontière(s) au cinéma" : une histoire d'affiches (VIIèmes rencontres Droit et cinéma, 27 et 28 juin 2014)

Les affiches présentées sont des créations des étudiants du Master 2 e-tourisme et ingénierie culturelle des patrimoines dirigé par M. Mickaël Augeron de l'Univeristé de La Rochelle.

 

L'AFFICHE DU COLLOQUE

 

LES AUTRES AFFICHES

"Frontière(s) au cinéma", VIIèmes rencontres Droit et cinéma, 27 et 28 juin 2014, Université de La Rochelle

FRONTIERE(S) AU CINEMA

VIIèmes rencontres Droit et cinéma

Vendredi 27 juin 2014

8h45 : Accueil des participants

9h15 : Allocutions de bienvenue

Mathias Tranchant, vice-président conseil d‘administration, Université de La Rochelle, vice-président du CUE Limousin Poitou-Charentes

Pascale Garcia, vice-présidente commission recherche, Université de La Rochelle

Catherine Benguigui, vice-présidente à la culture, à la vie sportive et associative, Université de La Rochelle

André Giudicelli, professeur de droit privé et sciences criminelles, doyen de la faculté de droit, de sciences politique et de gestion, Université de La Rochelle

Jeanne Lallement et Sylvain Dejean, codirecteurs du CEREGE LR-MOS, Université de La Rochelle

Laurent Vidal, professeur d'histoire contemporaine, directeur-adjoint du CRHIA-La Rochelle, Université de La Rochelle

9h30 : Frontière(s) au cinéma. Propos introductifs par Christophe Bonnotte, maître de conférences en droit public, OMIJ-IAJ, Vice-président délégué en charge de l’attractivité des campus, Université de Limoges, Estelle Epinoux maître de conférences en études irlandaises, département d’études anglophones, EHIC, Université de Limoges et Magalie Flores-Lonjou, maître de conférences en droit public,CEREGE LR-MOS, Université de La Rochelle

 

I. Les frontières du passé

10h Sous la présidence de Jacques Bouineau, professeur d’histoire du droit, directeur du CEIR, Université de La Rochelle

- Une frontière invisible dans l’empire colonial français : Pépé le moko et la représentation de la casbah d’Alger par Nathalie Goedert, maître de conférences en histoire du droit, Université Paris-Sud, OMIJ-IAJ et Ninon Maillard, maître de conférences en histoire du droit, Laboratoire Droit et changement social, Université de Nantes

- Cinéma, nationalisme et politique de l’Etat au Sri Lanka : de l’internationalisation vers l’indigénisation par Vilasnee Tampoe Hautin, maître de conférences agrégée d’anglais, Université de La Réunion

Débat

Pause

II. Les frontières : d’un pays l’autre…

1. Frontières et territoires perdus

11h15 Sous la présidence d’Andrea Grunert, enseignante en études cinématographiques, Université protestante des sciences appliquées de Bochum

- La représentation des frontières dans les films d’action : la fin des territoires ? par Olivier Corten, professeur, directeur du Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international, Université Libre de Bruxelles

- The Outlaw at Sea: An Inquiry into Cinematic Depictions of Pirates and Piracy par Timothy Delaune, professeur assistant en science politique, Université de Suny Cortland

Débat

12h15 = Déjeuner

1^èRe table ronde : Frontières et immigration clandestine

14h-15h15 Animée par Michel Massé, professeur émérite de droit privé et sciences criminelles, EPRED, Université de Poitiers

Avec :

- Yves Gounin, conseiller d’Etat, délégué aux relations internationales du Conseil d’ Etat 

- Frédérique Devaux, maître de conférences en cinéma, ASTRAM, Université Aix-Marseille

- Gloria Paganini, maître de conférences en études italiennes, Université de Nantes

Débat

Pause

2^nde table ronde : Frontières et conflits 

15h45-17h15 Animée par Nathalie Martinière, professeure de littérature anglaise, département d’études anglophones, EHIC, Université de Limoges

Avec :

- Pierre Dairon, professeur assistant de français, Kenyon Collège, Ohio

- François Dubuisson, professeur  de droit, Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international, Université libre de Bruxelles

- Sébastien Jounel, docteur en cinéma qualifié CNU, chargé de cours, Université Michel Montaigne Bordeaux III 

- Anne Lagerwall, professeure-assistante de droit, Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international, Université libre de Bruxelles

- Marie Pascal, doctorante en littérature québécoise et cinéma, Université de Toronto

Débat

Pause

17h45 Carte blanche à…

Débat

Samedi 28 juin 2014

                   Les frontières : d’un pays l’autre… (suite)

2. Regards du cinéma étatsunien

9h Sous la présidence de Danièle André, maître de conférences en langues, littératures et civilisations des pays anglophones, CHRIA, Université de La Rochelle

- Les frontières du droit à l’épreuve des films de mafias par Nicolas Thirion, professeur ordinaire de droit, Université de Liège et David Pasteger, assistant en droit, Université de liège, avocat au barreau de Liège

- Norme, identité et réalité. S'affranchir des frontières dans le cinéma des Wachowski par Pierre-Anne Forcadet, docteur en histoire du droit qualifié CNU, ATER Université d’Angers 

Débat

Pause

10h15Sous la présidence d’Annabel Audureau, docteur en littérature comparée, PRAG Université de La Rochelle

- Les frontières ne meurent  jamais : James Bond à la croisée des mondes par Damien Bruneau, agrégé de géographie, professeur en collège

- La frontière dans les blockbusters hollywoodiens post-11 septembre 2001 : à la recherche de nouvelles frontières par Sébastien Candelon, doctorant en cinéma, Université Paris 3

Débat

Pause

3. Cinémas des marges

- 11h30 Sous la présidence de Catherine Marie, professeur de droit privé et sciences criminelles, assesseur recherche, CEJEP, Université de La Rochelle, co-directrice de l’école doctorale Droit et science politique Pierre Couvrat

- Usages discursifs de la frontière générique dans le cinéma : autour de Dr. Strangelove, Rosemary’s Baby et Kaboompar Chloé Delaporte, docteure en sociologie, post-doctorat au Labex ICCA, IRCAV, chargée d’enseignement Université Sorbonne Nouvelle Paris 3

- Entre le conflit politique et la démarcation symbolique : l’imaginaire de la frontière dans El Camino d’Ishtar Yasin par Sergio Coto-Rivel, doctorant études ibériques, Université Bordeaux 3, ATER en Espagnol, Université de Nantes

Débat

12h30 = déjeuner

1^ère table ronde : La frontière Etats-Unis/Mexique

14h-15h15 Animée par Xavier Daverat, professeur de droit privé, IRDAP, Université de Bordeaux

- Avec :

- Massimo Olivero, doctorant et chargé de cours Université Paris 3

- Pablo Gomez, doctorant en études anglaises et cinématographiques, Université de Saragosse

- Valerio Coladonato, docteur en cinéma, Université La Sapienza

Débat

Pause

III. Les frontières du cinéma

15h45 Sous la présidence de Françoise Thibaut, professeur des universités, correspondant de l’Institut

- Sharing the Intimacy of an Unspeakable Frontier: Tate Taylor’s The Help (2011) par Emmanuelle Andres, maître de conférences en anglais, CRHIA, Université de La Rochelle et Suzette Tanis-Plant, docteur en anglais, Université Montpellier 3

- Le cinéma de Tim Burton : aux frontières des genres cinématographiques par Florence Chéron, doctorante en esthétique, sciences et technologies du cinéma et de l'audiovisuel, ATER Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis

Débat

Pause

2^nde table ronde : Frontières et regards de cinéastes

17h-18h30 Animée par Gilles Menegaldo, professeur émérite en littérature américaine et études cinématographiques, FORELL, Université de Poitiers

- Antoine Buchet, magistrat en disponibilité, membre du service juridique de la Commission européenne

- Louis Daubresse, doctorant en cinéma, chargé de cours, Université Paris 3

- Marion Poirson-Dechonne, maître de conférences en cinéma, RIRRA, Université PAUL Valéry Montpellier 3

- Despina Sinou, docteur en droit public, enseignant-chercheur, CEJEP, Université de La Rochelle

- Immi Tallgren, post-doctorante à l’institut Erik Castrén pour le droit international et droits de l’homme, Université d’Helsinki, chercheuse associée auprès du séminaire interdisciplinaire d’études juridiques, Université Saint-Louis, Bruxelles

Débat

19h : Fin des travaux

FILMS VOYOUS

La programmation TV réserve parfois de bonnes surprises : LIMITLESS a récemment été programmé par deux fois !

LIMITLESS de Neil Burger (Etats-Unis, 2011) avec Bradley Cooper et Robert de Niro se revoit avec un délice jubilatoire. Je l’adore : avec toute l’apparence de la bonne pâte bien pensante, il est pervers, décalé, insolent, ce n’est pas un très bon film, mais réalisé avec d’assez petits moyens, et pourvu d’effets spéciaux assez primitifs, il a tout de même rapporté pas mal de dollars.

Il est surtout parfaitement PEDAGOGIQUE et tombe à merveille sous nos yeux français, au moment où l’on est prêt à fourbir des armes pour une énième discussion sur nos désuets systèmes de formation. L’intrigue démarre avec un quasi SDF en chambre, un type inhibé, sale, vaguement imbibé, largué par l’inspiration (il veut écrire) et sa copine, pour terminer avec un super trader futur sénateur doré sur tranche dans son complet trois pièces Schifonelli (mieux qu’Hugo Boss). Entre les deux, on nous apprend comment se droguer intelligemment, à tuer proprement, à tricher, à se débarrasser de tout et de tous ceux qui gênent. Mentalement assez proche d’American Psycho de Marye Harron (E-U., Canada, 2000), c’est moins glauque parce que cela reste parodique : c’est tellement invraisemblable que ça en devient rigolo. On est également prévenu contre toutes les mauvaises fréquentations qu’entraine cette illicite consommation prohibée par la bien pensante société bourgeoise. On marche tout de même, parce que c’est très bien joué : Abbie Comish en joli ange salvateur est parfaite, et le truand harcelant venu de l’Est barbare est plus vrai que nature, avec sa panoplie de lames. Robert de Niro n’a que quatre scènes épisodiques, mais il y est somptueux (il a d’ailleurs en partie financé le film, lequel, sans lui, n’aurait pas vu le jour). Le retournement final, cette ultime scène sur le trottoir est délectable : parfaitement perverse, on y ressent toute la jubilation des supercamés qui se croient invincibles (« vous deviendriez mon esclave »…et la moue contrariée de de Niro… Ah ! quelle admirable seconde de cinoche !).

En salle en France, le film a fait un semi bide, pour devenir ensuite une jolie aventure pour patates de canapé. Il s’inscrit dans la mouvance de Very bad trip de Todd Phillips (E.-U., All., 2009), ou bien encore de American bluff de David O. Russel (E.-U., 2013)toujours avec Bradley Cooper, ou encore de No pain, no gain de Michael Bay (E.-U., 2013).

Autre bide en France, mais absolument hilarant : 7 PSYCHOPATHES de Martin McDonagh (G.-B., 2012) : il a dû rester une seule semaine en salles. On le sait les Amerloques sont experts en vulgarité, en violence gratuite, en hémoglobine, en grossièretés et arnaques vulgaires. Ils idolâtrent les armes à feu, tirent à vue sur tout ce qui bouge. Toutes choses qui n’entreront jamais (allez savoir ?) Quai Conti. J’adore ce film totalement déjanté, qui dérape dans l’irréel mystique, le pur irresponsable, l’impunité glorieuse. La fin, où des flics dépassés, sur une route de semi désert, se désintéressent complètement des cadavres, les bras en croix, qui gisent sur l’asphalte surchauffée, est une grande leçon d’insouciance.

Il s’agit d’une histoire simple : un scénariste (Colin Farrell) en panne d’inspiration (encore un !) doit rendre sa copie sur un projet où il est question de 7 psychopathes ; son copain, lui, est voleur de chiens dans les quartiers pour riches, et vit des récompenses. Il est associé à un honorable retraité qui n’est autre que Christopher Walken (génial). Ce copain (Sam Rockwell) propose de le brancher sur quelques dingos qui pourraient l’aider à retrouver une plume alerte. Et nous voila partis pour une tournée de fous, d’autant qu’un des propriétaires de chiens volés n’est autre qu’un dangereux psychopathe (Un Woody Harrelson délirant). Il y a aussi Tom Waits et ses lapins blancs, qui, avec sa copine, rectifie les méchants tortionnaires avec une efficacité proche de la robotique : il est le vengeur des faibles… et il aime les lapins. C’est mon préféré. Tout cela se termine dans la confusion la plus totale, une immoralité rafraichissante. Je vous passe les intrigues annexes et les pièces rapportées éphémères, vouées à une vie aussi courte qu’intéressante, surtout sur la fin. Bref, c’est un film qui a fait un bide formidable en France : trop américain sans doute, mais qui défoule bien après huit heures passées avec des collègues particulièrement bouchés.

Enfin, tout mon cœur s’enflamme pour JASON BOURNE, dans son effarante trilogie – La Mémoire dans la peau/The Bourne Identity de Doug Liman (E.-U.,Rép. Tchèque, 2002), La Mort dans la peau/The Bourne Supremacy de Paul Greengrass (E.-U., 2004) et La Vengeance dans la peau/The Bourne Ultimatum de Paul Greengrass (E.-U., All., 2007) - (oublier les pseudos suites ratées). Ce mec là – même reformaté en presque surhomme – surprend tout de même un peu : mange jamais, dort jamais, fait jamais pipi, ressuscite sans cesse, frais comme une rose. Il a du fric tout le temps, des papiers toujours en règle, connait tous les codes barres, tous les plans de toutes les villes, toutes les langues vivantes et mortes. Bref, il est increvable : œil d’acier, muscles de titane, estomac en tungstène, tripes jamais nouées. Ce qui émerveille surtout : il passe toutes les frontières avec des armes que personne ne détecte jamais, ou bien (comme il n’y a jamais aucune explication sur ce mystère), il repère tout de suite le marchand d’armes le plus proche de l’aéroport, qui lui délivre tout ce qu’il veut avec le sourire comme une poule vous vend du parfum Hermès dans un duty free. Il a toujours des vêtements propres et secs, même après plusieurs heures dans l’eau ou caché dans une décharge. Comment fait-il ? Il ouvre toutes les voitures (Forest Whitaker aussi dans Ghost Dog), toutes les serrures, aucun coffre ne lui résiste.

Il semble baiser normalement, entre deux cauchemars, mais les préliminaires sont ils suffisants ou bien se jette-t- il sur sa proie tel un néandertalien ? En fait, on aimerait plutôt être sa mère c’est un peu ce que fait la bonne femme de Langley, d’autant que c’est Matt Damon, qui a déjà mal tourné en Monsieur Ripley, pour lui dire d’arrêter, de se moucher et d’aller jouer au parc.

Voilà, devant une pléthorique distribution de printemps, globalement assez consternante (sauf pour d’obscures productions de pays lointains), on peut toujours se raccrocher aux branches de l’impertinent divertissement.

Françoise Thibaut, correspondant de l’Institut

P. S. J’ai trois fils : l’ainé est un surdoué de la finance, un des rois de Wall Street, sans doute shooté mais ça lui réussit car il sait s’y prendre et n’est jamais tombé dans les pommes. Le second est un écrivain à succès dans le style gore ; son dernier opus a été vendu à plus de 3 millions d’exemplaires. Le plus jeune est un gentil garçon qui bosse dans le renseignement - je crois - je sais pas bien ce qu’il fait mais il parle neuf langues et n’oublie jamais mon anniversaire.