Le blog Droit et cinéma

FRONTIERES au CINEMA

     La nature est si bien dessinée et organisée (dans son apparent désordre) que l’on peut s’interroger sur l’opportunité de ces frontières supplétives tracées par les hommes. Simplement la frontière est liée à l’appropriation : à la propriété des terres, des biens, des humains. A la domination : la frontière est un effet dominatif, ainsi évoqué dans Géant/Giant de George Stevens (E.-U., 1956) par le vindicatif James Dean à partir du moment l’où on exploite le pétrole sur les terres. Et vous souvenez-vous de Dirty dancing d’Emile Ardolino (E.-U., 1987) ? (non, c’est trop prolo – ciné pour blaireaux –) lorsque Patrick Swayze apprend à danser comme il faut à la jeune fille, à équilibrer son corps : « ceci est mon territoire, ceci est ton territoire ».

Et puis il y a Anna Karina criant à Belmondo peint en bleu « tu dépasses les bornes ! » dans Pierrot le fou de Jean-Luc Godard (France/Italie/E.-U., 1965). Et la sage Sandrine Bonnaire disant à la tumultueuse Isabelle Huppert « Il y a une marge à ne pas dépasser » dans La Cérémonie de Chabrol (France/All., 1994). Quelles bornes ? Quelle marge ?

Les Européens feront-ils une deuxième guerre de Crimée pour départager en Ukraine les Polonais et les Allemands de Catherine II la Grande et les Russes du Tsar Alexandre, de part et d’autre du fleuve Dniepr ? Et le système de concessions occidentales dans les villes chinoises de Shanghai, Pékin, Nankin, Canton – en train de renaitre pour cause marchande – était-il un véritable système de frontière ? Littérature et cinéma ont amplement fantasmé sur l’épineux sujet.

Peut-on rêver d’un Moyen Orient sans frontières avec Peter O’Toole pour seul interlocuteur – dans Lawrence d’Arabie/Lawrence of Arabia de David Lean (R.-U./E.-U., 1962) - avant que les britanniques ne le frontiérisent en trois Royaumes (Syrie, Jordanie, Irak) pour satisfaire les trois fils d’Ibn Saoud of Arabia ?

Les Mexicains aimeraient bien refranchir la rivière Pecos dans l’autre sens – tels les héros de Diego Quemada Diez dans les beaux Rêves d’or/La jaula de oro (Mexique/Esp., 2013). Avec ses belles lignes de frontières bien droites le Texas peut-il devenir un Etat indépendant ? Certains le prétendent. Avec ses très rectilignes et très européennes lignes droites tracées en Afrique, le Traité de Berlin de 1885 est-il encore pertinent en vertu du juridique principe de « l’intangibilité des frontières » ? A-t-il encore un sens au temps des relations mondialisées dans l’immatériel ?

Voilà les vraies questions.

Le modèle absolu de la réflexion frontiérisée dans le cinéma contemporain c’est Le pas suspendu de la cigogne/To meteoro vima tou pelargou (Italie/France/Suisse/Grèce, 1991) : pour garder l’esprit libre de frontières il ne faut jamais oublier la leçon de Marcello Mastroianni dans le film magique de Théo Angélopoulos.

Dans le salmigondis (en cuisine napolitaine ce mot veut dire mélange des goûts, mélange des genres, ce qui, présentement, est très in), goûts et genres étant des frontières mentales, il faut rester prudent dans l’imbécilité de la frontière imposée par trop de quadrillage…

Françoise Thibaut

Correspondant de l’institut

PETIT ABECEDAIRE CINEMATOGRAPHIQUE 2014

ADOPTION : Eastern Boys de Robin Campillo (France, 2013)

ALLENIEN : Fading Gigolo/Apprenti gigolo de John Turturro (E.-U., 2013)

BERGMANIEN : Kis uykusu/Winter Sleep de Nuri Bilge Ceylan (Turquie, 2014)

BOVARISME : Gemma Bovery d’Anne Fontaine (France, 2014)

COMPTE A REBOURS : Deux jours, une nuit de Jean-Pierre et Luc Dardenne (Belgique, 2014)

CORRUPTION (RUSSE) : Leviafan/Léviathan d’Andrei Zviaguintsev (Russie, 2014)

COUPLE : Love Is Strange d’Ira Sachs (E.-U., 2014)

CRIME ET CHATIMENT : Student/L’étudiant de Darezhan Omirbayev (Kazakhstan, 2012)

DIVORCE : Le procès de Viviane Amsalem de Ronit et Shlomi Elkabetz (France, Israël, Allemagne, 2014)

DJIHADISME : Timbuktu de Abderrahmane Sissako (France/Mauritanie, 2014)

ECOLE POUR TOUS : La cour de Babel de Julie Bertucelli (France, 2013)

EMERVEILLEMENT : Magic in the Moonlight de Woody Allen (E.-U., 2014)

ENFANT ABANDONNEE : L’incomprise de Asia Argento (Italie, 2014)

ENFERMEMENT (CHINOIS) : Feng Ai/A la folie de Wang Bing (France/Chine/Japon, 2014)

ERRANCE CONTEMPORAINE : Bird People de Pascale Ferran (France, 2014)

ESCLAVAGE : Twelwe Years a Slave de Steve McQueen (E.-U., 2013)

ESPIONNAGE : Zwei Leben/D’une vie à l’autre de Georg Maas (All./Norvège, 2014)

EXTRATERRESTRE : Under The Skin de Jonathan Glazer (Royaume-Uni, Etats-Unis, Suisse, 2014)

FRENCH TOUCH : Eden de Mia Hansen-Love (France, 2014)

FRONTIERE : Moddhikhane Char/Char… The No-Man’s Island de Sourav Sarangi (Italie/Inde/Danemark/Norvège, 2012)

GRANDEUR ET DECADENCE : Saint Laurent de Bertrand Bonello (France, 2014)

GUERRIERE : Les combattants de Thomas Cailley (France, 2014)

HOLLYWOOD INCESTUEUX :Maps to the stars de David Cronenberg (Canada/All., 2014)

HOTEL : The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson (G.-B./All., 2013)

INTELLIGENCE ARTIFICIELLE : Her de Spike Jonze (Etats-Unis, 2014)

ISLANDE : Hrossi i oss/Des chevaux et des hommes de Benedikt Erlingsson (All./Islande, 2013)

JEUX DE MIROIRS : Sils Maria d’Olivier Assayas (France, 2014)

JUGE ASSASSINE : La French de Cédric Jimenez (France, 2014)

LE TEMPS QUI PASSE : Boyhood de Richard Linklater (E.-U., 2014)

MAFIA : The Drop/ Quand vient la nuit de Michaël R. Roskam (E.-U., 2014)

MARGINAL : Vie sauvage de Cédric Kahn (France, 2014)

MERE COURAGE : Mommy de Xavier Dolan (Canada, 2014)

MILITANTISME : Night Moves de Kelly Reichardt (E.-U., 2013)

NOIR ET BLANC : Ida de Pawel Pawlikowski (Pologne, 2012)

NORD BURLESQUE : P’tit Quinquin de Bruno Dumont (France, 2014, minisérie de 4 épisodes)

ORGASME : Nymphomaniac Vol. 1 et 2 de Lars von Trier (Danemark, Allemagne, Belgique, Royaume-Uni, France, 2013)

ORPHELINAT (IRLANDAIS) : Philomena de Stephen Frears (R.-U., 2013)

PASSION MORTELLE : La chambre bleue de Mathieu Amalric (France, 2014)

PASSIONNE D’AVIATION : Kaze Tashinu/Le vent se lève de Hayao Miyazaki (Japon, 2013)

PEINTURE EN MAJESTE : National Gallery de Frederick Wiseman (R.-U., 2014)

PHOTO : The Salt of the Earth/Le sel de la terre de Wim Wenders et Juliano Ribeiro Salgado (France/Brésil, 2014)

POLAR CHINOIS : Bai Ri Yan Huo/Black Coal de Diao Yinan (Chine, 2013)

POST-MAO : Gu Lai/Coming Home de Zhang Yimou (Chine, 2014)

POST-MORTEM : Aimer, boire et chanter d’Alain Resnais (France, 2013)

QUE D’EAU QUE D’EAU : Futatsume no mado/Still the Water de Naomi Kawase (Japon, 2014)

QUE LA MONTAGNE EST BELLE : L’amour est un crime parfait d’Arnaud et Jean-Marie Larrieu (France, 2013)

RAPPORTS DE CLASSE : Un beau dimanche de Nicole Garcia (France, 2013)

RELIGION MORTIFERE : Kreuzweg/Chemin de croix de Dietrich Brüggemann(All., 2014)

RETOUR D’EXIL : Retour à Ithaque de Laurent Cantet (France, 2014)

RETROUVAILLES PERE/FILS : Nebraska d’Alexander Payne (E.-U., 2013)

S’EPAULER : Dans la cour de Pierre Salvadori (France, 2014)

SEXAGENAIRES : Gloria de Sebastian Lelio (Esp./Chili, 2013)

SIDA : Dallas Buyers Club de Jean-Marc Vallée (E.-U., 2013)

THEATRE : Sils Maria de Olivier Assayas (France, 2014)

TOUS COUPABLES : Ugly d’Anurag Kashyap (Inde, 2013)

3 D : Adieu au langage de Jean-Luc Godard (France, 2014)

ULTRA MODERNE SOLITUDE : Her de Spike Jonze (E.-U., 2013)

UNIVERSITE DE TOUS LES SAVOIRS : At Berkeley de Frederick Wiseman (E.-U., 2013)

UN PEU DE POESIE DANS UN MONDE DE BRUTES : Haganenet/L’institutrice de Nadav Lapid (Israël/France, 2014)

VENGEANCE : Uroki Garmoni/Leçons d’harmonie d’Emir Baigazin (Kazakhstan/All./France, 2013)

WESTERN : The Homesman de Tommy Lee Jones (E.-U., 2014)

Histoire et cinéma

La France, l’Europe, et une partie du monde ont vécu et vivent encore sur des évènements et des institutions dus à la lente faillite de la Monarchie absolue en France, à la bouleversante Révolution française, ses excès, ses ratées, ses trouvailles, à sa suite tumultueuse, incertaine - Thermidor, Directoire - jusqu’à l’arrivée sur la scène de l’histoire d’un petit homme brun au mauvais caractère nommé Bonaparte, son ascension et sa chute dans une  tragique cacophonie guerrière puis politique.

Les manuels d’histoire sont parfois ennuyeux, et la lecture n’est plus l’unique pré carré de la connaissance. Le cinéma s’est emparé de notre histoire, l’habille souvent avec justesse et élégance. Profitons-en !

La France en tant que Nation et les Français d’aujourd’hui continuent ce que cette période de quarante années - 1775-1815 - a supprimé puis imposé : la réaction aux abus de l’inégalité sociale et d’une chrétienté oppressive, la liberté individuelle et d’opinion, la participation au choix des gouvernants, le principe de légalité de toute décision collective. Tout sort de là, encore, même si plus de deux siècles de pratique en ont un peu modifié les contours.

Le cinéma français utilise cette trame aventureuse : avec quelques productions récentes, on peut parcourir cette romanesque Histoire de la France, en se divertissant avec humour et s’instruisant avec délectation :

Chronologiquement quatre longs métrages font merveille :

Il faut commencer par le Beaumarchais l’insolent d’Edouard Molinaro (France 1996) contant les tribulations théâtrales, publiques et privées du trublion Pierre Augustin Caron de Beaumarchais aux alentours de 1776, lequel pourfendit la censure royale avec son Figaro, inventa les droits d’auteur, hurla à l’égalité devant la justice, rendit service au roi Louis XV, connut le fameux chevalier d’Eon ni fille ni garçon, envoya 40.000 fusils aux Insurgents américains qui ne le payèrent jamais, troussa beaucoup de filles et mourut fort opportunément en 1799. Tout cela narré avec légèreté et beaucoup d’esprit dans ce film lumineux où presque tous les protagonistes sont vêtus de blanc, doté d’une distribution éclatante : Fabrice Lucchini y est fort juste, Michel Piccoli et Jacques Weber parfaits, Serrault irremplaçable en roi fatigué, Jean Yann bougon à souhait, et Sandrine Kiberlain délicieuse. Et tant d’autres… Les dialogues de Jean-Claude Brisville et Molinaro doivent beaucoup à Sacha Guitry, ce qui n’est pas désagréable.

Il faut poursuivre avec Ridicule de Patrice Lecomte (France, 1996) : on est à Versailles sous Louis XVI vers 1785 : la cour et le roi se fichent bien du peuple, et des paysans des marais de la Dombe. Charles Berling en petit noble de province tente de percer l’opacité royale, mais tombe dans les  cruels traquenards d’une noblesse de cour arrogante et impitoyable. Là aussi une distribution magnifique : Fanny Ardant superbe, Bernard Giraudeau surprenant en prêtre débauché et tricheur. Notre héros a la chance de rencontrer Jean Rochefort en noble désargenté mais secourable ; quelques dialogues devenus cultes (« le marquis des antipodes » et « le baron de patatras », « on peut naître dans une écurie sans être un cheval ») et la maitrise du rythme cinématographique par un Patrice Lecomte très inspiré.

Les Mariés de l’An II de Jean-Paul Rappeneau (France, 1971) nous transportent vers Nantes dix années plus tard, en 1794, au début de la Première République, en pleine Terreur de Robespierre et révolte des Chouans. Il court sur ce film un vent de folie, d’hystérie propre à cette période délirante d’incertitude et de cruauté. On guillotine avec allégresse, on noie dans la Loire les bonnes sœurs et les prêtres, tandis que la noblesse révoltée fait sauter des bombes en dansant avec ses paysans et en espérant le secours des Anglais. Jean-Paul Belmondo y est supportable, Marlène Jobert pleine de fougue, Samy Frey ténébreux à souhait. La musique de Michel Legrand un régal. On y voit une des toutes premières et minuscules apparitions de Patrick Dewaere en patriote de Valmy. La scène finale, située sous l’Empire, est très drôle et dévoile le chemin parcouru.

Il faut finir avec Le Souper, repris de la pièce de Jean-Claude Brisville, mis en scène par Edouard Molinaro (France, 1992) : c’est l’extrême fin de l’Empire, les 100 jours  désastreux, Bonaparte hors la loi et vaincu. La fête est finie, et les deux personnages clefs de toute cette période nous re-racontent dans un dialogue coupant comme une guillotine ces 30 ans de folie : Joseph Fouché et Charles- Maurice de Talleyrand : Duc d’Otrante et Prince de Bénévent par la volonté de l’Empereur, l’évêque et l’oratorien, tous deux mariés et parjures. Claude Brasseur et Claude Rich rivalisent de talent : c’est à la fois simple et somptueux, teinté d’une légère nostalgie pour une frénésie collective qui ne reviendra plus jamais. Et puis, la réflexion de Ticky Holgado, valet zélé du Prince : «  j’aime pas le peuple »…

Une grande et belle leçon d’histoire bien française. Bien sûr, il y a foultitude d’autres pellicules, mais ces quatre là se complètent et s’harmonisent parfaitement dans un même esprit d’exactitude historique, de légèreté de ton et de qualité très française.  On peut aussi les précéder du beau Que la fête commence de Bertrand Tavernier (France, 1975) qui se situe beaucoup plus tôt, sous le Régent - Noiret tellement vrai - après 1715 et la disparition de Louis XIV et qui commence le début de la fin. Il y a, bien sûr, les Napoléon d’Abel Gance (France, 1935) ou de Guitry (France, 1954) tellement admiratifs, et puis l’inénarrable Désirée de Henry Koster (E.-U., 1954) avec un Marlon Brando caricatural en Napoléon bougon, Jean Simmons (toujours très mauvaise) et Merle Oberon en Joséphine de Beauharnais.

Les Britanniques ont aussi traité nos folies de leur point de vue à eux : les irremplaçables Duellistes/The Duellists (G.-B., 1977), premier long métrage de Ridley Scott, d’après une nouvelle de Joseph Conrad, nous font parcourir les guerres d’Empire à travers l’histoire vraie de deux officiers français s’affrontant en duels sauvages (Prix de la première œuvre à Cannes en 1977) ; la scintillante Reese Witherspoon suit les aléas des régiments anglais lors des guerres d’Empire dans la mise en scène somptueuse du Vanity Fair/La foire aux vanités de Mira Nair (E.-U., 2003) inspiré du beau livre de William Makepeace Thackeray ; Gabriel Byrne y est parfait, tout comme Bob Hoskins. Le roi d’Angleterre qui affronta la guerre d’Indépendance américaine, la révolution française et Napoléon, était un malade mental – un Hanovre – qui eut beaucoup d’enfants : cela nous est conté avec brio par Nicolas Hytner dans La Folie du roi George (G.-B., 1994) où Helen Mirren est déjà reine et Rupert Everett assez irrésistible en héritier impatient. Le beau Master and Commander/ De l’autre côté du monde de Peter Weir (E.-U, 2000) nous rappelle que la guerre fut aussi maritime et fort cruelle, malgré les talents et les ruses de commandement de Russell Crowe. Enfin, même Jane Austen, évoque les guerres d’Empire à travers ses fringants militaires qui font rêver ses jeunes filles à marier, et vont et viennent vers le continent au gré des coalitions : Emma Thompson, Kate Winslet dans - entre autres - Raison et sentiments/Sense and sensibility de Ang Lee (G.-B., E.-U., 1995) incarnent parfaitement le climat social de cette époque.

On peut, bien sûr, ajouter les films russes sur la dévastatrice campagne de Russie, ou encore La nuit de Varennes d’Ettore Scola (Italie, France 1982), un peu lent mais grinçant et dramatique. Deux belles prestations de Gérard Depardieu en Colonel Chabert confronté à cette chipie de Fanny Ardant (Yves Angelo, France 1993) ; il y a aussi celui de Le Hénaff (France 1943) avec Raimu, ou en Danton, très beau, saisissant de réalisme, dû à Andrzej Wajda (Pologne, France, All., 1982) ; le scénario est de Jean-Claude Carrière, l’acteur polonais Wojciech Pszoniak est un prodigieux Robespierre. Chabert  finit à l’hospice, Danton perd la tête : sombres destins. Les cruelles Lignes de Wellington (de Valéria Sarmento, France, 2012) incarné par John Malkovich, décrivent la raclée infligée en Espagne et au Portugal aux armées françaises d’occupation et l’incroyable désordre de la fin de l’Empire.

Finissons sur une note festive : La Gaumont a eu la bonne idée de remastériser le Caroline Chérie de Richard Pottier (France, 1951), en noir et blanc, tiré du roman à succès de Cecil Saint-Laurent (plutôt Jacques Laurent), contant les tribulations d’une jeune aristocrate qui se débrouille dans la tourmente révolutionnaire. Le film fit scandale, parce qu’on y apercevait un bout de sein et quelques fesses. Il apparait aujourd’hui fort sage. L’enfantine Caroline, c’est Martine Carol, tellement jolie, pulpeuse, éclatante qui joue les idiotes avec talent, aux côtés de Jacques Dacqmine en séducteur empaillé, du roublard Raymond Souplex et d’une pléiade d’acteurs aujourd’hui disparus qui enchantèrent les années 1950/60.

Voila. Le cinéma est un merveilleux livre d’histoires de notre Histoire.

Françoise Thibaut, Correspondant de l’Institut

Cinéma et littérature : la conquête de l'Ouest américain

A l’occasion de la publication française de Jeremiah Johnson, le mangeur de foie de Raymond W. Thorp & Robert Bunker (trad. F. Cotton, Anarchasis, 2014), venez découvrir l’histoire crue et légendaire de Jeremiah Johnson (aussi appelé John Johnston), figure emblématique de l’Ouest américain.

La Rochelle, Maison de l'étudiant, jeudi 11 décembre, 17h30.

Entrée libre et gratuite.

Plus d'informations : http://www.univ-larochelle.fr/Cinema-et-litterature-la-conquete

L'ouvrage a été préfacé par notre ami Xavier Daverat, professeur de droit privé à l'Université Montesquieu Bordeaux IV.

"King Vidor, Odyssée des inconnus"

Signalons la parution de cet ouvrage consacré au cinéaste américain King Vidor, dirigé notamment par Gilles Menegaldo, un fidèle des rencontres "Droit et cinéma" de La Rochelle.

Aujourd'hui, sa réputation repose sur quelques grands films comme La foule, Duel au soleil, Le rebelle, Guerre et paix. Mais son cinéma des années 20 et de l'âge d'or de Hollywood demeure oublié. Pour la première fois en France, un ouvrage lui est entièrement consacré, sortant ainsi des limbes cinéphiliques un maître du film expérimental aux multiples facettes : musicien, peintre, poète et philosophe. Face à une œuvre difficile à situer, sont proposés ici des éclairages qui offrent une vision globale du cinéma de Vidor, prenant en compte non seulement ses films les plus connus, mais surtout son cinéma des premiers temps, ses derniers essais cinématographiques et ses scénarii non-filmés.

Le site de l'éditeur : http://www.corlet-editions.fr/n-152-king-vidor-odyssee-des-inconnus,fr,4,4637.cfm

Le sommaire de l'ouvrage : http://www.corlet-editions.fr/site/telechargements/CinemAction152-sommaire.pdf

HAWKS EN SURVOL - Le 42ème Festival International du film de La Rochelle

   Cette année je suis resté dans l’univers de Howard Hawks, placé donc sous le signe du divertissement. Des films d’aventure, des comédies, des westerns mais chaque film estampillé « Hawks ». Les dialogues qui fusent, les scènes menées tambour battant et des acteurs qui crèvent l’écran : George Raft, Cary Grant, Jean Arthur, Ann Sheridan, Lauren Bacall et Humphrey Bogart, et tant d’autres. On ne s’ennuie jamais avec les films de Hawks !

Comment ne pas mentionner Scarface/Scarface: Shame of a Nation (E.-U., 1932), LE modèle du genre qui met en scène la vie d’un gangster, Tony Camonte, qui ressemble étrangement à celle d’Al Capone, un fils d’immigré italien qui souffrait de syphilis mais qui a régné pendant 7 ans sur la mafia de Chicago (http://en.wikipedia.org/wiki/Al_Capone ). Le film est très sombre (on dirait que les gangsters sont comme Dracula, ils craignent la lumière !) mais il y a également de l’humour – noir ! Le film raconte l’histoire de l’ascension fulgurante d’un petit malfrat d’une ambition démesurée qui frise la folie. La scène de la fin, où Camonte est tué par balles par une armée de policiers, a été rejouée dans la rue par des milliers de petits garçons dans le monde entier !  

J’ai revu Le Grand Sommeil/The Big Sleep (E.-U., 1946) avec le couple Bogart/Bacall au sommet de leur art – et j’ai enfin compris ! Mais si, mais si ! Ceci dit, je ne voudrais pas vous gâcher le plaisir donc pas de « spoilers » ici !!

Un film qui m’a vraiment surpris et que j’ai trouvé à la fois très moderne et très drôle, c’est I was a male war bride/Allez Coucher Ailleurs (E.-U., 1949). C’est l’histoire (basée sur une histoire réelle !) d’un Capitaine français (Cary Grant) et d’une américaine, lieutenant dans l’armée des yankees (l’excellente Ann Sheridan). Obligés de travaillé ensemble alors qu’ils ne s’apprécient guère, ils finissent par tomber amoureux. Mais nous sommes en 1942, c’est la guerre et notre lieutenant doit regagner les Etats Unis – c’est un ordre ! La seule façon pour les amoureux de rester ensemble c’est de profiter de la War Bride Act qui permet aux épouses des soldats américains d’obtenir un visa pour accompagner leurs maris aux Etats-Unis. Grant est même obligé de se déguiser en femme pour monter à bord du bateau qui va les transporter à New York, une séquence restée dans les mémoires. Malgré les nombreuses maladies dont les acteurs, et même Hawks, ont été victimes (http://www.tcm.turner.com/this-month/article/12760%7C0/I-Was-a-Male-War-Bride.html), le film est une belle réussite. L’entente parfaite entre Grant et Sheridan créé une chimie qui provoque un feu d’artifice de gags et de bons mots – c’est un régal !

The Big Sky/La Captive aux yeux clairs (E.-U., 1952) est un film surprenant dans la mesure où l’on est habitué chez Hawks à un rythme plus frénétique ; ici, le long de la rivière Missouri, le temps s’écoule lentement.

Le film raconte l’histoire d’un voyage en bateau le long du Missouri jusqu’au territoire des indiens de la tribu des Pieds Noirs, l’objectif étant d’être les premiers à mettre en place le commerce des fourrures dans ces contrées. Tout est magnifiquement photographié et par moment on a l’impression de regarder un documentaire sur les pionniers. L’histoire tourne autour de quelques personnages clés : les deux amis, Jim Deakin et Boone Caudhill, joués respectivement par Kirk Douglas et Dewey Martin ; le vieil homme de la frontière Zeb Calloway (Arthur Hunnicutt, qui crève l’écran) ; Teal Eye, une princesse Blackfoot séduisante qui est leur otage (Elizabeth Threatt, dont c’est l’unique film (http://fr.wikipedia.org/wiki/Elizabeth_Threatt) ; et Jourdonnais (Henri Ledontal), capitaine français du bateau amenant tout ce beau monde vers la frontière du monde connu. D’ailleurs l’équipage du bateau est également français et les francophones peuvent se réjouir d’entendre leur langue parlée et chantée tout au long du film !

Thème récurrent chez Hawks, une amitié forte existe entre Deakin et Caudhill ; leur rivalité pour les faveurs de la princesse, un personnage au tempérament trempé dans l’acier, ne la brisera pas. Des plans larges montrent toute la splendeur des paysages et l’importance de la solidarité du groupe pour la survie dans ces conditions extrêmes est soulignée. Il y a des scènes mémorables, comme celle où les deux amis se saoulent dans un bar et chantent « Whisky, leave me alone » (whisky laisse-moi tranquille), ou encore celle où on doit amputer un doigt à Deacon, mais il faut d’abord le saouler…

Certes, le film a ses faiblesses (V. R. Woods, Howard Hawks, Detroit, Wayne State University Press, 2006). Hawks est peut-être resté à mi-chemin entre l’envie d’un côté de montrer la vie à cette époque, l’importance de l’amitié entre les membres de l’équipage, la grandeur des paysages, et de l’autre de raconter l’histoire d’un amour à trois entre Teal Eye et ses deux prétendants. Néanmoins le film réussit à nous transporter le long du Missouri et à nous faire partager la vie de ces pionniers (Fifty Years After The Big Sky: New Perspectives on the Fiction and Films of A.B. Guthrie Jr, Ed. by William E. Farr & William W. Bevis, Helena : Montana Historical Society Press, 2001, p. 80).

Je ne pourrais pas clore ce petit billet sans parler de Rio Bravo (E.-U., 1959). On a évidemment beaucoup écrit sur ce film, et surtout sur le fait que, de l’aveu de Hawks lui-même, il a été conçu comme l’antithèse du film de Fred Zinnemann High Noon (E.-U., 1952), que Hawks et l’acteur John Wayne détestaient ( http://www.rogerebert.com/reviews/rio-bravo-1959 ).

Le film parle encore une fois d’amitié, de loyauté, de courage et d’amour. Il est à la fois drôle, tendre et violent. John Wayne, Dean Martin et Ricky Nelson jouent les rôles principaux, Walter Brennan est au sommet de son art, et la magnifique Angie Dickinson incarne une femme de tempérament qui a dû se débrouiller dans la vie – l’exact contraire du rôle joué par Grace Kelly dans High Noon (http://en.wikipedia.org/wiki/High_Noon). Les liens presque familiaux entre les protagonistes sont richement décrits et le film prend le temps d’approfondir le caractère des personnages, ce que Hawks réussit à mieux faire que dans The Big Sky. On est happé par le film, par l’intrigue, et les acteurs sont tous inoubliables. Ce film a influencé des metteurs en scène comme Martin Scorcese, John Carpenter (http://en.wikipedia.org/wiki/Howard_Hawks) et même Jean-Luc Godard (http://www.newyorker.com/culture/richard-brody/hawks-and-godard-and-contempt et il fait partie des films préférés de Quentin Tarantino. En le voyant de nouveau au FIFLR il n’est pas difficile de comprendre pourquoi !

Frank Healy

Maître de conférences en anglais, CIEL, Université de La Rochelle

Escales documentaires, 4-9 novembre 2014, La Rochelle

Programme complet et dossier de presse : http://www.escalesdocumentaires.org/

"Droit du cinéma", Pascal Kamina (LexisNexis, 2ème éd., 2014)

Le blog Droit et cinéma s'intéresse principalement au droit dans le cinéma, sans négliger pour autant le droit du cinéma... C'est pourquoi nous signalons la parution récente de la 2ème édition de Droit du cinéma (LexisNexis) de notre collègue Pascal Kamina (http://www.lgdj.fr/manuels-precis-mementos/233813732/droit-cinema). Par ailleurs, l'auteur a crée un site d'actualisation de son ouvrage : http://www.droitducinema.com/

A l'avenir, peut-être aurons-nous l'occasion de nous intéresser au droit comme cinéma ?

Retour sur images (suite et fin)

Mais le temps fort de ce festival fut pour moi la rétrospective Howard Hawks.

Y figuraient tous ses grands films, à l’exception peut-être du Vandale/Come and get out  (E.-U., 1936)ou Air Force (E.-U., 1941). Ce qui frappe après avoir vu les dix-neuf longs métrages présentés cette année, c’est le parti pris du divertissement et une facilité à se répéter lui-même, voire à s’auto-parodier de la part d’Howard Hawks. Il avait d’ailleurs déclaré à Peter Bogdanovitch : « Quand vous trouvez quelque chose qui marche, vous pouvez bien recommencer ! » (François Chevassu, La Revue du Cinéma, avril 1969). Ce précepte est largement illustré dans plusieurs des films à l’affiche cette année, par exemple, la scène de la robe de Katherine Hepburn déchirée dans L’Impossible Monsieur Bébé/Bringing Up Baby (E.-U., 1938) reprise dans Le Sport favori de l’homme/Man's Favorite Sport? (E.-U., 1964), Rock Hudson, dans le second, essayant, à l’instar de Cary Grant dans le premier, de protéger l’intimité de Paula Prentiss, ou la scène du piano de Hatari (E.-U., 1962) imitée de Seuls les anges ont des ailes/Only Angels Have Wings (E.-U., 1939). Howard Hawks n’hésitera d’ailleurs pas à faire un remake d’un de ses films, il s’agit de Boule de Feu/Ball of Fire (E.-U., 1941) de 1941 qu’il tourna à nouveau en 1948 sous le titre de Si bémol et fa dièse/A song is born (absent de cette rétrospective), Danny Kaye et Virginia Mayo reprenant respectivement les rôles de Gary Cooper et Barbara Stanwyck.

Découvrir ou redécouvrir les films d’Howard Hawks sans respect de leur chronologie permet de mettre en avant une dimension de plaisir et de partage ; un autre élément est la fidélité à certains acteurs pour jouer les seconds rôles, choisie ou imposée par les studios, qu’importe, la présence récurrente de Walter Brennan (dans quatre des six rôles qu’il a joué pour Howard Hawks) ou de Noah Beery Junior (dans trois films sur les quatre collaborations avec Howard Hawks) ajoute une plaisante familiarité.

Sans vouloir établir de classement, il est certain que je place des comédies comme L’Impossible monsieur Bébé/Bringing Up Baby (E.-U., 1938), Boule de feu/Ball of Fire (E.-U., 1941), Allez coucher ailleurs/I Was a Male War Bride (E.-U., 1949) ou La Dame du Vendredi/His Girl Friday (E.-U. 1940) en tête de liste, en particulier à cause de la drôlerie des dialogues et le burlesque de certaines situations. Ce qui ajoute souvent à l’humour, outre les jeux de mots (pas toujours bien rendus dans les sous-titres), c’est le débit des comédiens, par exemple les échanges entre Katherine Hepburn (Susan) et Cary Grant (David Huxley) dans L’Impossible Monsieur Bébé ou les dialogues des journalistes dans La Dame du Vendredi. Pour mémoire, La Dame du vendredi est le remake de Front Page de Lewis Milestone, tous deux adaptés de la pièce de Ben Hecht, dont nous avons vu une troisième version par Billy Wilder sous le titre de Spéciale Première/The Front Page (E.-U., 1974) dans la rétrospective de 2013. L’un des intérêts du film de Howard Hawks est sans doute le choix d’une femme (Rosalind Russel) pour jouer le rôle de la journaliste vedette, Hildy opposée à son ex-mari et rédacteur en chef, Walter Burns (Cary Grant), qui veut la faire revenir au journal et l’empêcher d’épouser son fiancé.

Malgré l’extravagance du scénario de Boule de Feu/Ball of Fire (E.-U., 1941), j’ai été particulièrement sensible à l’énergie de Barbara Stanwyck (Sugarpuss) opposée à la balourdise de Gary Cooper (professeur Bertram Potts), à la cocasserie de certaines scènes (l‘allusion à l’épée de Damoclès et l’utilisation de la réflexion de la lumière par Archimède, nous sommes chez des savants !)  ou à la tendresse de tous ces célibataires pour Sugarpuss, même après la révélation du pot aux roses. Enfin, Allez coucher ailleurs/I Was a Male War Bride (E.-U., 1949) n’est pas simplement une comédie où le travestissement de Cary Grant préfigure ceux de Jack Lemmon et Tony Curtis dans Certains l’aiment chaud/Some Like It Hot (E.-U., 1959), le film de Billy Wilder, c’est aussi un documentaire sur l’Allemagne de l’après-guerre où l’on découvre sur des kilomètres des ruines bombardées ou des ponts détruits. C’est peut-être ce qui assombrit un peu ce film où les décors sont uniformément sales, où les femmes sont presque toutes en uniforme et où la bureaucratie aveugle refroidit l’enthousiasme de l’amoureux Capitaine Henri Rochard (Cary Grant), contraint de s’affubler d’une queue de cheval, de porter une jupe et de s’appeler Florence pour pouvoir accompagner son épouse américaine outre-Atlantique.. Je passe rapidement sur Chéri, je me sens rajeunir/Monkey Business (E.-U., 1952), qui vaut encore une fois par les dialogues loufoques entre Edwina Fulton (Ginger Rogers) et son professeur de mari Barnaby Fulton (Cary Grant), par la multiplication des gags (B4 and after) et par un grand moment burlesque mettant aux prises Hank Entwhistle (Hugh Marlowe), ancien flirt d’Edwina et la tribu de jeunes indiens menée un Barnaby Fulton rajeuni de trente ans. Je conclurais sur les comédies par Le Sport Favori de l’Homme/Man's Favorite Sport? (E.-U., 1964) où Paula Prentiss peine à rivaliser avec Katherine Hepburn dans le rôle de la femme qui pourrit littéralement la vie de l’homme tranquille, ici Rock Hudson, plutôt en retrait (Cary Grant qui devait initialement jouer le rôle préféra tourner Charade de Stanley Donenavec Audrey Hepburn (E.-U., 1963)).

Dans un autre registre, j’ai bien sûr adoré les westerns : 

-          La Rivière Rouge/Red River (E.-U., 1948) avec John Wayne dans un rôle pour une fois peu sympathique et dans lequel Howard Hawks fait la part belle aux paysages pour conter un épisode fondateur de l’histoire de l’Ouest américain.

-          La Captive aux yeux clairs/The Big Sky (E.-U., 1952) aux dialogues émaillés de français et où pour fois une femme (Teal Eye) ne parle pas dans un film de Hawks !

-          Rio Bravo et son huis clos étouffant, à nouveau décliné dans El Dorado (E.-U., 1966), sans oublier le western africain Hatari (E.-U., 1962) avec un casting toutefois improbable mais dont on retiendra le fameux thème musical d’Henry Mancini qui accompagne les éléphanteaux en quête de leur mère, Elsa Martinelli.

Mais le film de Howard Hawks que j’ai préféré est décidément Le Port de l’angoisse/To Have and Have Not (E.-U., 1944), faux film noir, mais vrai film engagé, malgré le refus obstiné du Capitaine Harry Morgan (Humphrey Bogart) de prendre parti. Le film est emblématique car il signe la rencontre entre Humphrey Bogart et Lauren Bacall (Slim), dans le film et dans la vie (« Anybody got a match ? », scène anthologique des allumettes !) mais aussi parce que Hawks tourne en pleine Seconde Guerre Mondiale (1944) un vrai film antifasciste. C’est particulièrement visible dans la scène où le capitaine Morgan corrige le commissaire Renard, fonctionnaire vichyssois particulièrement zélé et retors. Un autre atout majeur de ce film est la présence de Hoagy Carmichael (compositeur, pianiste et chanteur, créateur entre autres de « Stardust » et « Georgia on my mind » !). Il joue le pianiste Crickett dont l’interprétation de « Hong Kong blues » est un moment particulièrement réjouissant de ce film plutôt dramatique.

Malgré le tandem Bogart/Bacall renouvelé dans Le Grand Sommeil/The Big Sleep (E.-U., 1946) la magie n’opère pas de la même manière, nous suivons avec plaisir l’enquête complexe de Philip Marlowe et sa romance avec Vivian Rutledge, mais l’épilogue laisse un peu sur sa faim.

Je pourrais encore évoquer Sergent York/Sergeant York (E.-U., 1941)(pour l’anecdote, le film reçut un accueil enthousiaste car il était à l’affiche lors de l’attaque japonaise sur Pearl Harbor le 7 décembre 1941), Les hommes préfèrent les blondes/Gentlemen Prefer Blondes (E.-U., 1953)(détestables sous-titres de Diamonds Are a Girl's Best Friend), Une fille dans chaque port/A Girl in Every Port (E.-U., 1928)(avec Louise Brooks au générique !), Le Code Criminel/The Criminal Code (E.-U., 1931) (Boris Karloff y apparaissait quatre ans avant Frankenstein) ou Scarface/Scarface: Shame of a Nation (E.-U., 1932)(qui lança la carrière de George Raft), mais il faut faire des choix.

En conclusion, cinq films, à des titres divers, m’ont également marqué pendant ce festival. Du plus nostalgique au plus engagé :

-          Jeux Interdits (France, 1952) avec la présence lumineuse de Brigitte Fossey pour présenter l’émouvant film de René Clément.

-          Horizons lointains/Lost horizon (E.-U., 1937) le film de Frank Capra dont Hergé a dû se souvenir quand il a écrit Tintin au Tibet.

-          Seuls sont les indomptés/Lonely Are the Brave (E.-U., 1962) avec un Kirk Douglas en perdant magnifique qui n’a plus sa place dans le Far West contemporain (et David Miller tourna ce film il y a déjà plus de cinquante ans !)

-          Lili Marleen (All., 1981) dans lequel Rainer Fassbinder brosse le portrait féroce et lucide de l’Allemagne nazie, sans concession pour les compromissions des uns ou des autres, et avec une interprète merveilleuse en la personne d’Hannah Schygulla.

-          Sacco et Vanzetti/Sacco e Vanzetti de Giulano Montaldo (France/Italie, 1971) qui m’a rappelé non sans nostalgie que la capacité d’indignation dans les années soixante-dix était sûrement moins émoussée qu’aujourd’hui.

Et je me rends compte que j’ai oublié de citer Le Faussaire/Die Fälschung de Volker Schlöndorff (All./France, 1980), Katka pomme reinette/Katka Bumajny ranet de Fridrikh Ermler et Edouard Joganson (URSS, 1926), La Maison de la Rue Troubnaïa/Dom na trubnoï de Boris Barnet (URSS, 1927), Gente de bien de Franco Lolli (France/Colombie, 2014), Jauja de Lisandro Alonso (Danemark/ Arg./France, Mexique/E.-U./All./P.-B., 2014), Amore Carne de Pippo Delbono (Italie/Suisse, 2011), Seconds. L’Opération diabolique/Seconds de John Frankenheimer (E.-U., 1966) et même On connaît la chanson d’Alain Resnais (France, 1997), tant pis, place à la quarante-troisième édition !

Claude Braud

Professeur d’anglais au CIEL

Université de La Rochelle

Retour sur images (1ère partie)

Des raretés, des découvertes, quelques nouveautés et une immense rétrospective, mon bilan de la 42^ème édition du FIFLR est largement positif.

Une ouverture coup de poing sur le film de Céline Sciamma, Bande de Filles (France, 2014), donnait le ton de cette décade de cinéma, bien ancré dans son époque puisqu’elle s’est conclue par les deux films magistraux de Tony Gatlif et d’Abderrahmane Sissako, Géronimo (France, 2014) en écho à Bande de Filles et Timbuktu (France/Mauritanie, 2014) amère réflexion d’une aveuglante beauté sur la folie des hommes.

Au rayon des raretés, j’évoquerais d’abord quelques-uns des six films soviétiques que j’ai eu le plaisir de découvrir ou redécouvrir pour l’un d’entre eux, mais aussi d’entendre grâce au piano évocateur de Jacques Cambra.

La magnifique copie restaurée du Cuirassé Potemkine/Bronenosets Potiomkine (URSS, 1925) m’a permis de remettre de l’ordre et de la lumière dans les souvenirs lointains que j’avais du film de Sergueï Eisenstein, la montée en tension, les escaliers d’Odessa et l’étendard rouge sang. Moins grandiose, mais très efficace, Un Débris de l’empire/L’homme qui a perdu la mamoire/Oblomi imperii de Friedrich Ermler (URSS, 1929) conte la surprenante histoire d’un combattant de la première guerre mondiale, qui, commotionné au cours d’un bombardement, perd la mémoire. Il va la recouvrer une dizaine d’années plus tard en pleine mise en œuvre du premier plan quinquennal ; le passage de la Russie tsariste à l’Union soviétique est un choc à peine moins rude que le traumatisme du combat. A travers le destin individuel du sergent amnésique, Ermler retrace en accéléré les réalisations les plus spectaculaires de la jeune république soviétique et brosse un portrait de ses acteurs aux idéaux révolutionnaires intacts.

Je mentionnerais encore deux autres films, tous deux d’Abram Room. Le premier, Le Fantôme qui ne revient pas/Prividenie, kotoroe ne vozvrachtchaetsa (URSS, 1929), est une étonnante fable basée sur un récit d’Henri Barbusse, Le Rendez-vous qui n’a pas eu lieu. C’est l’histoire d’un chef révolutionnaire José Real, emprisonné à vie dans un pays d’Amérique Latine. Room évoque l’univers carcéral et la lutte des classes dans une aventure aux confins du fantastique, car il entremêle rêves et fantasmes à la réalité des paysages de pénitencier, de puits de pétrole et de désert aride, mais son propos reste animé par l’idéal révolutionnaire. En effet, le fantôme José, à qui on accorde une permission pour revoir sa femme et son fils, n’échappera au policier chargé de l’abattre que pour conduire la grève des travailleurs du complexe pétrolier. Le second film d’Abram Room estTrois dans un sous-sol/Tretya Metchanskaya (URSS, 1927) : il évoque la crise du logement à Moscou à travers l’histoire de l’ingénieur Volodia et son épouse Ludmila. Le contraste entre le sous-sol encombré que partagent Volodia et Ludmila et le spectacle offert sur le toit de l’opéra de Moscou en construction est saisissant. Volodia s’épanouit à l’extérieur et s’étiole à l’intérieur tandis que Ludmila s’épuise dans les tâches ménagères. Cette dernière devient rapidement un élément du décor pour Volodia qui la regarde avec un certain dégoût. L’arrivée de Kolia Vogel, l’ami typographe de Volodia dans cet espace confiné, va bousculer l’ordre des choses. En quête de logement, Kolia est heureux de trouver un foyer et accepte volontiers le sofa proposé par Volodia. Il entreprend bientôt de séduire Ludmila et quitte son sofa pour le lit conjugal, Volodia, dépité, abandonne le sous-sol. Kolia et Ludmila recueilleront toutefois Volodia, transi de froid pour lui offrir le sofa désormais vacant (le titre anglais du film était d’ailleurs Bed and Sofa). Mais au lieu de poursuivre dans la veine du vaudeville bourgeois auquel cette trame fait penser, Room s’emploie au contraire à brocarder l’égoïsme des deux hommes, en particulier au moment où ils rechignent à endosser une paternité problématique. Le film se termine à la clinique où l’on découvre Ludmila, décidée à se faire avorter. Elle réalise alors sa situation et refuse de se résigner, préférant partir et garder l’enfant : « Il ne m’arrivera rien, je travaillerai ! »

Au rang des raretés, en ce qui me concerne, figure aussi l’excellent Scènes de chasse en Bavière/Jagdfzenen aus Niderbayern de Peter Fleischmann (All., 1969). L’impression de sérénité bucolique qui se dégage de ce village pittoresque où les gens vivent en harmonie est très vite dissipée. Cette société rurale de la Bavière catholique va être le théâtre d’un fait divers tragique à travers lequel Peter Fleischmann va dénoncer l’intolérance et le racisme qui conduisent quasiment au lynchage d’un des protagonistes. Dans ce microcosme où les autorités politiques et religieuses font régner l’ordre, où chaque personnage joue le rôle que lui assigne sa position sociale, y compris l’idiot du village, le coureur de jupons ou la fille facile. C’est l’autre qui va détruire l’harmonie et causer le désordre. L’autre, c’est l’étranger, ici le travailleur turc. Peter Fleischmann laisse d’abord penser que les ouvriers agricoles turcs présents dans le village, mais mis à l’écart, car parlant une autre langue et pratiquant une autre religion, vont être les boucs émissaires. En réalité, l’autre, c’est plutôt l’ennemi de l’intérieur, en l’occurrence le mécanicien Abram, il apparaît au cours du film à son retour de la ville. On comprend qu’il est allé en prison pour une affaire de mœurs et son homosexualité supposée en fait le souffre-douleur de la communauté, rejeté par tous, y compris par sa mère. Accusé d’avoir abusé d’un jeune garçon, il s’enfuit mais commet un meurtre irréparable et devient le gibier de ces scènes de chasse. La scène du dépeçage du porc par les villageois annonçait d’une certaine manière le sacrifice d’Abram. En choisissant le prénom Abram, Peter Fleischmann souligne ainsi la persécution et le génocide des juifs dans l’Allemagne nazie, indiquant au passage que si les victimes ont pu changer, l’intolérance demeure.

Deux des découvertes majeures dans la programmation sont, pour moi, le documentaire Le Cousin Jules de Dominique Benicheti (France, 1973) et Australia, le film de Jean-Jacques Andrien (Belg., 1988). Sans rapport apparent, ces deux films évoquent pourtant la même inéluctable dissolution d’un monde ancien. Les gestes quotidiens du vieux forgeron Jules Guitteaux font écho à ceux des ouvriers lainiers de Wallonie, les deux cinéastes montrent l’irréversible glissement dans l’oubli d’un savoir-faire et d’un mode de vie du XIXème siècle encore présents en France et en Belgique dans les années 1950/1960. La disparition et l’absence marquent tant le pays de Herve (recréé) de 1955 de Jean-Jacques Andrien que la Bourgogne (réelle) de 1968 de Dominique Benicheti. La précision et la lenteur de Jules qui forge des pentures de volets ou façonne des gonds sur son enclume, les silences de son épouse Félicie, qui disparaîtra pendant le tournage, annoncent la mort d’une France rurale où le quotidien se réglait sur le pas des chevaux et le temps se mesurait aux couleurs changeantes des paysages, merveilleusement mis en lumière par Pierre-William Glenn. Mais Dominique Bernicheti ne propose en aucun cas la vision d’un monde idyllique, la rusticité des conditions de vie de Jules et Félicie n’incite guère à la nostalgie. Dans une moindre mesure, Jean-Jacques Andrien illustre un propos comparable dans une autre de ses œuvres, le documentaire Il a plu sur le grand paysage (Belg., 2012). Avec une réelle empathie, il interroge les fermiers du Pays de Herve qui luttent souvent avec l’énergie du désespoir contre l’engloutissement de leur mode de vie et contre l’agriculture normalisée. Le ballet des tracteurs et des tonnes à lisier inondant les terres d’un lait désormais sans valeur répond aux larmes du fermier qui a conscience qu’ils sont les derniers représentants d’une certaine société rurale dont les valeurs sont aujourd’hui surannées.

Parmi les nouveautés, outre les trois films mentionnés dans l’introduction avec une mention particulière pour la bande son de Géronimo, je voudrais citer Winter Sleep/Kis Uykusu de Nuri Bilge Ceylan (France/All./Turquie, 2014) et surtout ce formidable film de Benedikt Erlingson, Des chevaux et des hommess/Hross i oss (Islande, 2013).

A l’instar des touristes japonais en vacances en Anatolie, je serais tout disposé à passer quelques jours à l’hôtel Othello malgré le caractère un peu bougon de son propriétaire. Ni les dialogues foisonnants auxquels Nuri Bilge Ceylan nous a peu habitués, ni les tensions entre les personnages ou leur violence rentrée, n’empêchent le spectateur de se laisser envelopper par la torpeur de l’hiver et la neige qui recouvre doucement le paysage hivernal. A l’environnement quelque peu ouaté de la montagne anatolienne s’opposent la furie et l’énergie des islandais et de leurs chevaux. Il est difficile de sortir indemne de ce film où les hommes et les chevaux refusent les entraves et sont prêts à payer de leur vie cette soif de liberté. Benedikt Erlingson nous entraîne dans un maelström d’images où un cavalier fait la course en haute mer avec un chalutier avant de mourir empoisonné par l’alcool frelaté qu’il engloutit à son retour à terre, où les victimes d’un crime d’honneur sont un étalon et une jument, où les femmes dament le pion aux hommes et domptent les chevaux.

A suivre…

Claude Braud

Professeur d’anglais au CIEL

Université de La Rochelle

Festival du film éco-citoyen, écran vert, 5ème éd., 24-28 septembre 2014, La Rochelle

Programme complet : http://www.festivalecranvert.fr/

LE CINEMA A LA RADIO : FLORILEGE

Eté aux après-midi étouffantes, automne au soleil trop rare, langueur de l’hiver et des fêtes de fin d’année, pluies de printemps recouvrant de brume les fins de semaines, temps suspendu, période propice aux lectures d’autobiographies de réalisateurs ou d‘acteurs, aux visionnages de DVD stockés depuis trop longtemps comme autant de conserves aux saveurs diverses (un zeste de vieux films français, une pincée de films asiatiques, quelques cuillères de films d’outre-Atlantique…), piles de journaux et magazines entassés depuis des semaines en attente d’un œil attentif, mais aussi réécoute d’émissions de radio autour du cinéma. Car si la télévision ne sert guère le 7^ème art, se contentant de jouer la carte promotionnelle de la sortie de films pour l’essentiel français, la radio se délecte des films de tous genres et nationalités.  

Dans ce florilège subjectif, forcément subjectif, la doyenne des émissions – le Masque et la plume - nous permet de partager les enthousiasmes et emportements des critiques, mais aussi de repérer la pépite asiatique ou sud-américaine qui avait échappé aux programmateurs de nos salles préférées ou à nos yeux de cinéphile. Bien-sûr chacun d’entre eux a ses cinéastes de prédilection, ses détestations récurrentes, mais l’écoute de l’émission le dimanche soir, sous la subtile férule de Jérôme Garcin, permet tout à la fois de clore le week-end passé dans les salles obscures et de préparer le suivant muni de conseils avisés.

http://www.franceinter.fr/emission-le-masque-et-la-plume

Entre le petit déjeuner et le marché du samedi matin, un tour de piste des sorties de la semaine nous est offert par Christine Masson et Laurent Delmas dans On aura tout vu. Il y a de l’énergie, de la passion, des envies de cinéma qui nous incitent à découvrir un film pour ses acteurs, un documentaire pour son personnage central, une fiction pour son tout jeune réalisateur encore inconnu…

http://www.franceinter.fr/emission-on-aura-tout-vu

L’après-midi il faut trancher : la sieste ou un entretien au long cours autour d’un film, d’un réalisateur, d’un acteur ou d’un technicien ? C’est Projection privée animée de main de maître es 7^ème art par Michel Ciment. Souvent podcastée, elle n’en est que plus délicieuse, car l’on peut revenir à loisir sur le parcours d’un cinéaste après avoir vu une exposition ou une rétrospective qui lui étaient consacrées. Tables-rondes avec des historiens du cinéma, discussions à bâtons rompus entre journalistes européens à l’occasion des festivals de Berlin, Cannes et Venise permettent d’entrapercevoir des œuvres dont il faudra guetter le bref passage en salle, afin de goûter les expériences de cinéma décrites avec force détails par les spécialistes.

http://www.franceculture.fr/emission-projection-privee-0

Tandis que Vincent Josse rejoint dans son Atelier un artiste multiforme, comédien de théâtre et de cinéma, cinéaste-photographe… la soirée nous conduit vers les salles de projection.

http://www.franceinter.fr/emission-latelier

Se réveiller en douceur avec Ciné débat permet de bien débuter le dimanche. Les deux chroniqueurs ne partagent pas toujours le même avis sur les films, mais leurs dissonances sont autant de pense-bêtes cinématographiques pour la journée.

http://www.franceinter.fr/emission-cine-debat-0

Si les samedis et dimanches sont riches en émissions, le reste de la semaine n’est pas dépourvu de saveur, entre quelques occurrences cinématographiques matinales de La Fabrique de l’histoire animée avec talent par Emmanuel Laurentin, http://www.franceculture.fr/emission-la-fabrique-de-l-histoire-0

les passionnantes interviews de Kathleen Evin où des réalisateurs viennent régulièrement présenter en soirée leur dernier opus dans son Humeur vagabonde

http://www.franceinter.fr/emission-lhumeur-vagabonde

et les invités du nocturne Hors champ où Laure Adler reçoit de temps à autre des réalisateurs, racontant leurs parcours, rencontres et créations.

http://www.franceculture.fr/emission-hors-champs-0

Malheureusement disparue des ondes hertziennes Pendant les travaux le cinéma reste ouvert, l’émission de Jean-Baptiste Thoret et Stéphane Bou,nous livrait une histoire du cinéma, des genres cinématographiques et une étude poussée de l’œuvre des cinéastes au travers de questions soumises à leurs invités : Lars Von Trier a-t-il ou non le génie du mal ? Les films de Sidney Lumet sont-ils du côté de la morale ou de la loi ? Comment le cinéma italien a-t-il rendu compte des années de plomb ? A quoi reconnaît-on un film japonais ? Et si ce n’étaient pas les meilleurs intervieweurs, leur fougue, le ton pop rock et érudit de l’émission était un vibrant hommage au cinéma étatsunien des années 1970. A réécouter sans modération, un crayon à la main et les oreilles à l’affût de la bande son…

http://www.franceinter.fr/emission-pendant-les-travaux-le-cinema-reste-ouvert-0

Magie des voix, extraits filmiques rendus visibles par le seul imaginaire sonore : là où la télévision affadit, la radio embellit le cinéma.

Enregistrement audiovisuel du colloque "Frontière(s) au cinéma"

 

L'enregistrement audiovisuel des VIIèmes rencontres Droit et cinéma des 27 et 28 juin 2014, dont le thème était "Frontière(s) au cinéma", vient d'être mis en ligne sur le site de l'Université de La Rochelle : http://portail-video.univ-lr.fr/Frontiere-s-au-cinema-VIIe

"Les représentations du juge au cinéma", Colloque, Bruxelles, 13-14 mars 2015, appel à contributions

Colloque international

Arrêts sur images. Les représentations du juge au cinéma

Organisé par le Centre de droit public et le Centre de droit international de la Faculté de
droit de l’Université libre de Bruxelles (ULB)
Dans le cadre de l’Action de recherche concertée (ARC) : « Le juge. Un acteur en mutation »

Les 13 et 14 mars 2015

  "Le procès de Viviane Amsalem", (S. et R. Elkabetz, France, Allemagne, Israël, 2014)

Depuis peu, les juristes mais aussi les théoriciens et philosophes du droit ont commencé à
s’intéresser au cinéma et aux représentations du droit et de la justice qu’il véhicule. Ce
mouvement est certes plus développé dans le monde anglo-saxon, au sein duquel on le
désigne souvent au moyen de l’appellation « Law & Films », mais des initiatives allant dans
cette direction ont également pris place, ces dernières années, dans les cultures de droit
continental et en particulier dans le monde francophone. Cependant, la figure du « juge »
au cinéma n’a pas encore été vraiment étudiée de façon directe et spécifique, alors qu’elle
est incontournable au sein de notre pensée et de notre expérience du droit et de la justice, et qu’elle a en outre régulièrement retenu l’attention des cinéastes.

Parce que cette figure est au coeur de l’Action de Recherche Concertée Le juge, un acteur en
mutation (2010-2015), le Centre de droit international et le Centre de droit public de
l’Université Libre de Bruxelles ont décidé de consacrer le colloque final du projet aux
représentations du juge au cinéma. Intitulé Arrêts sur images, ce colloque international
consacrera deux journées complètes à la réflexion sur la figure du juge – considérée au
sens large (juge professionnel, juge non professionnel, jury, etc.) –, telle qu’elle est
représentée au cinéma, non seulement dans le genre spécifique que l’on nomme « film de
procès », mais aussi en explorant d’autres domaines cinématographiques.

Ce colloque sera divisé en quatre ateliers qui auront pour thèmes :

Atelier 1 : Le juge face au pouvoir.
Quelles articulations est-il possible de concevoir et de mettre en scène au cinéma
entre ce qu’on appelle communément le « pouvoir judiciaire » et d’autres types de
pouvoirs, politique, médiatique, social ou économique ? Bien des configurations
semblent envisageables entre les deux situations extrêmes que sont, d’une part,
l’autonomie totale du judiciaire et, d’autre part, son instrumentalisation par les
autres pouvoirs. La force du septième art réside sans doute dans sa capacité à
explorer ces zones grises que l’on nomme « rapport de forces », « influence
réciproque », « confusion des genres », etc.

Atelier 2 : L’erreur judiciaire à l’écran.
Pour des raisons bien compréhensibles, les juristes peinent à élaborer une
« théorie » de l’erreur judiciaire. Qu’ont à nous montrer les cinéastes sur ce thème ?
Où se situe la force heuristique des expériences qu’ils nous font vivre dans les
nombreux films qui relatent de telles erreurs (ou prétendues erreurs), films qui
naviguent bien souvent entre réflexion et émotion, entre raison et passion ?

Atelier 3 : Juger le pluralisme juridique.
Bien que l’État revendique un monopole dans l’édiction de normes à caractère
juridique, il cohabite avec divers ordres qui génèrent, eux aussi, des normes
considérées comme obligatoires par leurs destinataires (Églises, syndicats, ordres
sportifs, familles, « loi du milieu », etc.). Comment le cinéma parvient-il à rendre
compte du passage à la limite entre ces différents ordres qui se côtoient, et parfois
s’affrontent, au sein de nos sociétés ? Comment appréhende-t-il les interactions
entre ces divers systèmes normatifs hétérogènes ? Quelle vision se font les
cinéastes du rôle du juge dans un tel contexte d’incertitude normative ?

Atelier 4 : Le juge comme acteur : quand la caméra entre au tribunal.
Ce dernier atelier sera consacré non au « juge personnage » – incarné par un acteur
–, mais au « juge réel », qui est de plus en plus souvent filmé au tribunal, alors qu’il
est plongé dans l’action. Cet atelier permettra ainsi d’interroger le double sens du
mot acteur – celui qui agit et celui qui joue un rôle –, ainsi que les implications de
cette polysémie dès lors que l’on considère le rôle du juge, en particulier. On se
tournera en conséquence vers d’autres genres cinématographiques ou télévisuels,
qui vont du documentaire aux émissions de téléréalité. Parmi les nombreuses
interrogations qui pourront être ici mobilisées, mentionnons la question de savoir
dans quelle mesure ces procédés se veulent « réalistes » ou, au contraire, assument
l’impact qu’ils produisent inévitablement sur la réalité, ou encore celle du devenir
de la justice, en tant qu’institution, dès lors que l’aspect formel du procès est
gommé au profit de sa dimension spectaculaire.

À la fin de ces deux journées, en lieu et place des habituelles « conclusions », une table
ronde sera organisée qui donnera la parole à des professionnels du cinéma afin de leur
permettre, de façon assez inédite, de dialoguer avec des juristes, qu’ils soient théoriciens
ou praticiens. L’interrogation placée au centre de cette table ronde finale sera celle du sens
et de la légitimité du recours au cinéma pour éclairer les débats juridiques contemporains :
en se tournant vers le cinéma, le juriste ne risque-t-il pas, en effet, de l’instrumentaliser et
de dénaturer la composante esthétique qui lui est essentielle (à supposer que le cinéma ne
soit pas appréhendé, ce qu’il peut être également, comme un pur divertissement) ?

Ce colloque s’inscrira en outre dans le prolongement des autres composantes du projet
« Arrêts sur images » (http://www.arcdroit.ulb.ac.be/Arrets_sur_images_-
_Sommaire.html), à savoir :
1/ le ciné-club : un cycle de projections/débats est actuellement en cours à la
Faculté de droit de l’ULB, qui propose à la communauté universitaire et au public
en général un certain nombre d’oeuvres cinématographiques et les soumet à
l’analyse de conférenciers invités en raison de leur expertise ;
2/ le site internet : des analyses de films sont publiées sur une interface spécifique
consacrée aux représentations du juge au cinéma, alimentée par des billets
réguliers, rédigés par des auteurs issus d’horizons divers.

1. Les propositions d’exposés et de contributions sont centrées sur la figure du juge,
considérée au sens large, et ne traitent pas à titre principal d’un autre objet ;

2. Elles s’insèrent explicitement et naturellement dans l’un des quatre ateliers définis
ci-dessus (Atelier 1 : Le juge face au pouvoir ; Atelier 2 : L’erreur judiciaire à l’écran ;
Atelier 3 : Juger le pluralisme juridique ; Atelier 4 : Le juge comme acteur : quand la
caméra entre au tribunal) ;

3. Elles anticipent un exposé de trente minutes, qui intègre des extraits de films, étant
entendu que le temps de parole consacré au extraits (en ce compris la
contextualisation par l’orateur des extraits choisis par rapport au film dont ils sont
issus) ne pourra pas représenter plus d’un tiers de la durée totale de la présentation ;

4. L’orateur accepte de participer activement aux séminaires préparatoires qui se
tiendront à l’ULB avant le colloque (durant la première quinzaine de décembre 2014),
séminaires qui sont destinés à insuffler une certaine cohérence à l’ensemble de
l’événement scientifique (les organisateurs prendront en charge les frais afférents aux
déplacements des orateurs qui résident hors du territoire belge).

Les propositions d’exposés (qui ne dépasseront pas 5000 signes, espaces non compris),
accompagnées d’une bibliographie et d’une filmographie (d’une page maximum) devront
parvenir aux organisateurs pour le 15 septembre 2014. Elles peuvent être envoyées à l’adresse suivante : webmaster.droit@ulb.ac.be

Les organisateurs, après avoir soumis les propositions reçues au Comité scientifique de
l’événement, informeront les postulants le 15 octobre 2014, au plus tard, de la décision prise. Les organisateurs prendront à leur charge les frais de déplacement sur la base d’un trajet en
classe économique au tarif le plus avantageux, les nuits d’hôtel sur la base d’une chambre
« single » pendant toute la période du colloque et les repas prévus au programme. Les
réservations seront faites directement par les organisateurs. Aucun remboursement
supplémentaire (taxis, restaurants, etc.) ne sera octroyé, ni aucun per diem. Ces conditions
s’appliquent également aux séminaires préparatoires.

Bill Viola, sculpteur de temps - Paris, Grand-Palais, 5 mars-21 juillet 2014

C’est une gageure d’essayer de rendre compte de l’exposition Bill Viola au Grand Palais tant l’œuvre est riche, complexe et dans la mesure où il ne s’agit pas d'imiter les critiques d’art ni d’essayer de décrire tout ce que l’on peut voir et expérimenter au cours de ce parcours assez inhabituel.

L’artiste est né le 25 janvier 1951 à New-York mais, comme il le dit, son véritable acte de naissance, c’est l’avènement de la vidéo : « je suis né en même temps que la vidéo » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux- Grand Palais, 2014, p.17).

 C’est en 1969 qu’il découvre ce médium au centre des étudiants de l’université de Syracuse dans l’état de New-York où il était parti étudier la peinture et la musique électronique. C’est là qu'en 1970 il rencontre Nam Jun Paik, coréen émigré aux Etats-Unis, qui a inventé ce nouveau médium qu'est l’art vidéo pour « s'attaquer à la télévision » (Ibid., p. 32).

Bill Viola va s’emparer de cet outil et aura recours à tous les moyens mis à sa disposition par les nouvelles technologies rendant compte, d’une certaine façon, de l’histoire de l’évolution de la vidéo.

L’œuvre de Bill Viola est le fruit d’une triple contingence : un accident de la vie, une nouveauté technologique (comme avait pu l'être l’invention du tube de peinture qui avait permis aux impressionnistes de sortir de leur atelier) et la rencontre avec Nam Jun Paik.

L'exposition évoque toutes ses séries de 1977 à aujourd’hui et montre l’étendue des supports utilisés : sculptures, bandes vidéos destinées à la télévision, installations, projections, écrans plasma, écrans flottants en tissu transparent, pièces sonores. Elle s’ouvre sur une phrase du penseur Soufi Ibn Arabi : « Si tu t’engages dans le voyage tu y arriveras ». A quoi et où s’engage-t-on lorsqu'on pénètre en ce lieu ?

D’emblée on est frappé par une atmosphère inhabituelle : le visiteur est plongé dans l’obscurité et déambule dans différentes salles obscures où se profilent des ombres, où les corps des visiteurs se frôlent ou se cognent les uns aux autres. On essaie de trouver une place, on s'appuie contre une paroi, on s'assoit ou on s'allonge par terre. Nul doute que nous allons participer à une expérience particulière, à une performance dont nous sommes le spectateur mais aussi, dans une certaine mesure, l’acteur : « C’est comme un voyage, voyage qui n’est pas une réponse mais une question ».

Les œuvres surgissent comme des fresques sur des écrans, sur des murs. On s’installe, on attend - car l’expérience du temps fait partie intégrante de l’exposition : il faut presque 7 heures pour en voir l’intégralité - et on est soudain immergé, submergé par les images.

Jérôme Neutre, commissaire de l’exposition, explique qu’il a conçu le parcours en trois chapitres : « Le premier concerne l’introspection, depuis les débuts, quand Bill Viola était son propre modèle : question de vie et de mort, jusqu’aux rêves et aux cauchemars. Le deuxième évoque le dialogue entre le moi et l’univers, depuis le film dans le désert : Chott el-Djerid, a portrait in light and heath, 1979, (bande vidéo en couleur avec son). Le troisième questionne la transcendance et la transfiguration ».

L’artiste nous invite à « partir en quête d’une signification et d’une spiritualité… Je pense que le mystère est probablement l’aspect le plus important de mon travail. Le mystère est le moment où vous ouvrez une porte et où vous la refermez, et vous ne savez pas où vous allez. Vous êtes perdu. Etre perdu est une des choses les plus importantes » (J-P. Fargier, Film Bill Viola, Expérience de l’infini, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux - Grand palais, 2014).

Effectivement nous sommes perdus dans l’espace et le temps, entre attente et disparition.

Bill Viola, créateur de vidéos, artiste de son temps, s’inscrit  également dans l’histoire de l’art : certains tableaux sont des dialogues avec des œuvres de grands maîtres de l’art classique auxquelles il donne chair par la mise en scène des corps, le travail sur les émotions extrêmes, la naissance, la mort, le passage, la continuité que la lenteur du mouvement met en scène (Catherine’s room de 2001, polyptique vidéo sur cinq écrans plats ; The sleep of the reason de 1998, installation vidéo sonore en continu ; The quintet of astonishe de 2000, rétro-projection vidéo en couleurs)

L’eau

   L’exposition s’ouvre et se clôt dans l’eau. Dans la première salle nous sommes en présence d’une vidéo de 1977-1979 : The reflecting pool, dans la dernière de sept écrans plasma montrant sept personnages immergés : The dreamers datant de 2013.

L’artiste nous livre l’origine de ce thème de l'eau et de ses variations. Il s’agit d’une expérience contingente, un accident, un début de noyade qui a provoqué une sorte de ravissement, un traumatisme « positif » (Ibid) : « J’ai failli me noyer à 6 ans, ça a changé ma vie, c’est l’expérience la plus importante de ma vie, expérience émotionnelle très forte. Je n’ai pas eu peur, mon père (lapsus)... oncle a plongé, sinon je serais resté là, j’étais très heureux, c’est une expérience très positive, pas effrayante du tout, c’est un traumatisme, mais positif, je me croyais au paradis ou pas loin. Depuis je suis toujours revenu à cela dans mon travail, c’était un monde nouveau. Je suis resté fasciné par le monde que j’ai découvert en me noyant. Toute ma vie j’ai été fasciné par l’eau ».

A «Thème et variations», Bill Viola préfèrerait sans doute le terme de flux, car nous dit-il : « Dans l’univers il n’y a pas une seule vitesse de vie, tout est flux. C’est pour moi l’un des grands sujets sur lequel nous devons travailler, il faut libérer notre nature intuitive que nous avons verrouillée » (Catalogue de l’exposition, p 29).

 Le flux, c’est également ce qu’évoque Pascal Dusapin à propos de sa création musicale : « la forme s’établit au moment même où son créateur choisit d’en arrêter le flux et de le continuer en créant un enchevêtrement nouveau » (Une musique en train de se faire. Librairie du XXI siècle, Seuil, 2009, p. 17) et « composer n’est pas démontrer, c’est inventer des pulsions et des flux » (ibid, p. 109).

L’eau, c’est donc ce bassin The reflecting pool où se reflètent des corps en marche mais - inquiétante étrangeté - il n'y a personne sur les bords. Soudain un homme plonge et se trouve arrêté, suspendu dans l’espace et le temps pour s’évanouir quelques minutes plus tard.

L'eau : c’est également un déluge quasi biblique dans Going forth by day, installation audio et vidéo de cycles d’images projetées en cinq parties. Qu'y voit-on ? Une maison blanche, des passants dont le pas s’accélère progressivement créant chez le spectateur le sentiment d’une urgence, d’une catastrophe imminente et soudain le surgissement par la porte ouverte d'un flot d'eau qui emporte hommes et objets et humains, fait exploser les fenêtres, submerge et envahit tout, immense noyade, destruction totale, apocalypse. Cette œuvre a été réalisée après les évènements du 11 septembre 2001 à New-York et pourrait en constituer une évocation.

L’eau c’est aussi ce « chef d’œuvre vidéolyrique » selon l’expression de Thomas Jean : Tristan’s ascension, The sound of of a mountain under a waterfall de 2005. Dans une des séquences conçues pour l’opéra de WagnerTristan et Isolde mis en scène par Peters Sellars figure une stèle, un corps étendu, voilé en plan fixe. On attend, une goutte d’eau quitte le sol, s’élève puis une autre quelque temps plus tard et la pluie monte, de plus en plus violente, en trombe d’eau - cascade ascendante qui gronde - et le corps de Tristan se soulève entraîné par l’eau en furie et s'élève jusqu’à disparaître. La pluie se calme, s’arrête, tout redevient immobile et silencieux. Il ne reste que la dalle vide qui luit sur le sol mouillé.

« Sculpter le temps »

    C’est la définition que donne Bill Viola de son art dans une note de son Journal en 1989 : « Le temps est la matière première du film et de la vidéo. La mécanique peut en être des caméras, de la pellicule, des cassettes, ce que l’on travaille c’est du temps. On crée des évènements qui vont se déplier, sur une sorte de support rigide qui est incarné dans une cassette ou de la pellicule, et cela constitue l’expérience d’un déroulement » (Reasons for Knocking at an Empty House, Writtings 1973-1994, traduction de J. Neutre, Cambridge, MIT Press, 1995, p. 253).

Sculpter le temps est une expression surprenante. Sculpter c’est donner forme, relief, ôter pour faire apparaitre une néo-forme à partie de l’informe. Comment peut-on sculpter le temps ? Grâce à l’outil vidéo : alors qu’il regarde un match de football à la télévision, Bill Viola découvre le ralenti. Il va exploiter cette possibilité pour en faire un élément majeur de son œuvre et une réflexion sur le temps. Grâce à une technologie de plus en plus performante il peut filmer jusqu’à 300 images par seconde, ce qui lui permet ensuite de procéder à des ralentis extrêmes (ce que ne permet pas le cinéma à 18 images par seconde) : « Le ralenti est toujours important, je finis toujours par y recourir, j’ai trouvé que le monde bougeait trop vite. Je me suis concentré sur ce point : entrer à l’intérieur du temps, comprendre ce qui s’y passe. La majorité de mes œuvres se réfère à l’idée de malléabilité du temps. On peut l’étirer encore et encore ou le compresser » (J.-P. Fargier, Film Bill Viola,Expérience de l’infini, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux Grand-Palais, 2014) «  Quand on filme au ralenti, les émotions continuent de la maintenir en mouvement » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, Paris, Editions de la Réunion des musées nationaux- Grand Palais, 2014, p. 29).

Il s’agit donc d’utiliser cette possibilité que donne le ralenti pour réinscrire le spectateur dans l’expérience du temps à une époque où la vitesse a pris le pas sur les évènements de la vie, ce qui fait dire à Paul Virilio que nous sommes arrivés à un terme : « Désormais on n’accélèrera plus. Désormais l’histoire aura atteint sa vitesse limite. C’est une question à laquelle je n’ai pas de réponse. Ce que je sais c’est que cet accident général, l’emboutissement du mur du temps est un évènement qui va nous faire ralentir, nous faire régresser, revenir en arrière» (Cybermonde la politique du pire, Conversations pour demain, Paris,  Editions Textuel, 2010, p 52).

Et Bill Viola a le projet « de créer une œuvre d’art qui doit être vue avec le cœur. Observer une chose longtemps et inviter le spectateur à regarder cette chose longtemps, c’est la seule façon de découvrir l’essence d’un objet ou d’une scène » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, op. cit., p. 26). Arrêter le temps est rendu possible grâce à ce nouvel outil qu'est la vidéo.

Le son

   S’il se définit comme sculpteur de temps, il me semble que l’on peut avancer que Bill Viola est également un sculpteur de son : il n’a pas manqué d’utiliser tous les moyens mis à sa disposition par ce nouveau média, la vidéo, en particulier le son, pour en produire les effets les plus inattendus.

« L’idée du son a une place énorme, elle structure tout pour moi, j’ai conçu beaucoup d’œuvres à partir du son, j’ai travaillé sur des projets nécessitant une très forte puissance sonore, c’est ce qui m’intéressait le plus à mes débuts, cette intensité du son que l’on pouvait modeler comme une sculpture, parce que le son rebondit sur les surfaces qu’il percute. Quand vous frappez dans vos mains, vous pouvez ralentir le son, vous l’entendez rebondir sur les murs jusqu’à envahir tout l’espace et finalement disparaître. La vidéo n’est pas seulement une machine pour l’image, c’est aussi une machine pour le son. C’était le point clef à cette époque, que le son soit marié avec l’image. C’est ce qui m’a amené à réaliser que les sens de l’être humain sont tous connectés » (J.-P. Fargier, Film Bill Viola, Expérience de l’infini, op. cit.).

Bill Viola souhaite « donner toute la place à l’inconscient » (ibid). C’est évidemment une formule qui touche les psychanalystes. Et, rejoignant Freud et Lacan dans cette formule dorénavant devenue célèbre : « En sa matière, l’artiste précède toujours le psychanalyste », il nous explique : « Je ne savais pas ce que j’étais en train de faire. La façon dont on peut voir les choses et ne pas vraiment les voir, avec la lumière intérieure, celle des émotions et des sentiments » (ibid).

« La caméra est un œil ouvert qui permet de réapprendre à voir et la vidéo, en particulier lorsque l’on filme dans le noir, voit ce que l’œil ne voit pas. Et ça a apporté le direct. Le paysage est le lien entre notre moi extérieur et notre moi intérieur » (ibid).

« L’objet dont on parle n’est pas le tableau accroché au mur; ce n’est pas la sculpture dans le coin d’une salle, ce n’est pas la vidéo sur l’écran plasma, c’est le risque que l’on prend, ce que l’on met dans l’acte de création, ce que l’on sacrifie de soi pour atteindre cette profondeur » (B. Viola, Catalogue de l’exposition, op. cit., p. 39).

Gérard Seyeux, psychanalyste

Frontière(s) au cinéma : programme et résumés des interventions

Plus que quelques jours avant les VIIemes Rencontres Droit et cinéma de La Rochelle. Voici le programme et les résumés des interventions (L'ensemble est également accessible ici).

Grande nouveauté : le colloque sera retransmis en direct!

 

"Frontière(s) au cinéma" : une histoire d'affiches (VIIèmes rencontres Droit et cinéma, 27 et 28 juin 2014)

Les affiches présentées sont des créations des étudiants du Master 2 e-tourisme et ingénierie culturelle des patrimoines dirigé par M. Mickaël Augeron de l'Univeristé de La Rochelle.

 

L'AFFICHE DU COLLOQUE

 

LES AUTRES AFFICHES

"Frontière(s) au cinéma", VIIèmes rencontres Droit et cinéma, 27 et 28 juin 2014, Université de La Rochelle

FRONTIERE(S) AU CINEMA

VIIèmes rencontres Droit et cinéma

Vendredi 27 juin 2014

8h45 : Accueil des participants

9h15 : Allocutions de bienvenue

Mathias Tranchant, vice-président conseil d‘administration, Université de La Rochelle, vice-président du CUE Limousin Poitou-Charentes

Pascale Garcia, vice-présidente commission recherche, Université de La Rochelle

Catherine Benguigui, vice-présidente à la culture, à la vie sportive et associative, Université de La Rochelle

André Giudicelli, professeur de droit privé et sciences criminelles, doyen de la faculté de droit, de sciences politique et de gestion, Université de La Rochelle

Jeanne Lallement et Sylvain Dejean, codirecteurs du CEREGE LR-MOS, Université de La Rochelle

Laurent Vidal, professeur d'histoire contemporaine, directeur-adjoint du CRHIA-La Rochelle, Université de La Rochelle

9h30 : Frontière(s) au cinéma. Propos introductifs par Christophe Bonnotte, maître de conférences en droit public, OMIJ-IAJ, Vice-président délégué en charge de l’attractivité des campus, Université de Limoges, Estelle Epinoux maître de conférences en études irlandaises, département d’études anglophones, EHIC, Université de Limoges et Magalie Flores-Lonjou, maître de conférences en droit public,CEREGE LR-MOS, Université de La Rochelle

 

I. Les frontières du passé

10h Sous la présidence de Jacques Bouineau, professeur d’histoire du droit, directeur du CEIR, Université de La Rochelle

- Une frontière invisible dans l’empire colonial français : Pépé le moko et la représentation de la casbah d’Alger par Nathalie Goedert, maître de conférences en histoire du droit, Université Paris-Sud, OMIJ-IAJ et Ninon Maillard, maître de conférences en histoire du droit, Laboratoire Droit et changement social, Université de Nantes

- Cinéma, nationalisme et politique de l’Etat au Sri Lanka : de l’internationalisation vers l’indigénisation par Vilasnee Tampoe Hautin, maître de conférences agrégée d’anglais, Université de La Réunion

Débat

Pause

II. Les frontières : d’un pays l’autre…

1. Frontières et territoires perdus

11h15 Sous la présidence d’Andrea Grunert, enseignante en études cinématographiques, Université protestante des sciences appliquées de Bochum

- La représentation des frontières dans les films d’action : la fin des territoires ? par Olivier Corten, professeur, directeur du Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international, Université Libre de Bruxelles

- The Outlaw at Sea: An Inquiry into Cinematic Depictions of Pirates and Piracy par Timothy Delaune, professeur assistant en science politique, Université de Suny Cortland

Débat

12h15 = Déjeuner

1^èRe table ronde : Frontières et immigration clandestine

14h-15h15 Animée par Michel Massé, professeur émérite de droit privé et sciences criminelles, EPRED, Université de Poitiers

Avec :

- Yves Gounin, conseiller d’Etat, délégué aux relations internationales du Conseil d’ Etat 

- Frédérique Devaux, maître de conférences en cinéma, ASTRAM, Université Aix-Marseille

- Gloria Paganini, maître de conférences en études italiennes, Université de Nantes

Débat

Pause

2^nde table ronde : Frontières et conflits 

15h45-17h15 Animée par Nathalie Martinière, professeure de littérature anglaise, département d’études anglophones, EHIC, Université de Limoges

Avec :

- Pierre Dairon, professeur assistant de français, Kenyon Collège, Ohio

- François Dubuisson, professeur  de droit, Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international, Université libre de Bruxelles

- Sébastien Jounel, docteur en cinéma qualifié CNU, chargé de cours, Université Michel Montaigne Bordeaux III 

- Anne Lagerwall, professeure-assistante de droit, Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international, Université libre de Bruxelles

- Marie Pascal, doctorante en littérature québécoise et cinéma, Université de Toronto

Débat

Pause

17h45 Carte blanche à…

Débat

Samedi 28 juin 2014

                   Les frontières : d’un pays l’autre… (suite)

2. Regards du cinéma étatsunien

9h Sous la présidence de Danièle André, maître de conférences en langues, littératures et civilisations des pays anglophones, CHRIA, Université de La Rochelle

- Les frontières du droit à l’épreuve des films de mafias par Nicolas Thirion, professeur ordinaire de droit, Université de Liège et David Pasteger, assistant en droit, Université de liège, avocat au barreau de Liège

- Norme, identité et réalité. S'affranchir des frontières dans le cinéma des Wachowski par Pierre-Anne Forcadet, docteur en histoire du droit qualifié CNU, ATER Université d’Angers 

Débat

Pause

10h15Sous la présidence d’Annabel Audureau, docteur en littérature comparée, PRAG Université de La Rochelle

- Les frontières ne meurent  jamais : James Bond à la croisée des mondes par Damien Bruneau, agrégé de géographie, professeur en collège

- La frontière dans les blockbusters hollywoodiens post-11 septembre 2001 : à la recherche de nouvelles frontières par Sébastien Candelon, doctorant en cinéma, Université Paris 3

Débat

Pause

3. Cinémas des marges

- 11h30 Sous la présidence de Catherine Marie, professeur de droit privé et sciences criminelles, assesseur recherche, CEJEP, Université de La Rochelle, co-directrice de l’école doctorale Droit et science politique Pierre Couvrat

- Usages discursifs de la frontière générique dans le cinéma : autour de Dr. Strangelove, Rosemary’s Baby et Kaboompar Chloé Delaporte, docteure en sociologie, post-doctorat au Labex ICCA, IRCAV, chargée d’enseignement Université Sorbonne Nouvelle Paris 3

- Entre le conflit politique et la démarcation symbolique : l’imaginaire de la frontière dans El Camino d’Ishtar Yasin par Sergio Coto-Rivel, doctorant études ibériques, Université Bordeaux 3, ATER en Espagnol, Université de Nantes

Débat

12h30 = déjeuner

1^ère table ronde : La frontière Etats-Unis/Mexique

14h-15h15 Animée par Xavier Daverat, professeur de droit privé, IRDAP, Université de Bordeaux

- Avec :

- Massimo Olivero, doctorant et chargé de cours Université Paris 3

- Pablo Gomez, doctorant en études anglaises et cinématographiques, Université de Saragosse

- Valerio Coladonato, docteur en cinéma, Université La Sapienza

Débat

Pause

III. Les frontières du cinéma

15h45 Sous la présidence de Françoise Thibaut, professeur des universités, correspondant de l’Institut

- Sharing the Intimacy of an Unspeakable Frontier: Tate Taylor’s The Help (2011) par Emmanuelle Andres, maître de conférences en anglais, CRHIA, Université de La Rochelle et Suzette Tanis-Plant, docteur en anglais, Université Montpellier 3

- Le cinéma de Tim Burton : aux frontières des genres cinématographiques par Florence Chéron, doctorante en esthétique, sciences et technologies du cinéma et de l'audiovisuel, ATER Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis

Débat

Pause

2^nde table ronde : Frontières et regards de cinéastes

17h-18h30 Animée par Gilles Menegaldo, professeur émérite en littérature américaine et études cinématographiques, FORELL, Université de Poitiers

- Antoine Buchet, magistrat en disponibilité, membre du service juridique de la Commission européenne

- Louis Daubresse, doctorant en cinéma, chargé de cours, Université Paris 3

- Marion Poirson-Dechonne, maître de conférences en cinéma, RIRRA, Université PAUL Valéry Montpellier 3

- Despina Sinou, docteur en droit public, enseignant-chercheur, CEJEP, Université de La Rochelle

- Immi Tallgren, post-doctorante à l’institut Erik Castrén pour le droit international et droits de l’homme, Université d’Helsinki, chercheuse associée auprès du séminaire interdisciplinaire d’études juridiques, Université Saint-Louis, Bruxelles

Débat

19h : Fin des travaux

FILMS VOYOUS

La programmation TV réserve parfois de bonnes surprises : LIMITLESS a récemment été programmé par deux fois !

LIMITLESS de Neil Burger (Etats-Unis, 2011) avec Bradley Cooper et Robert de Niro se revoit avec un délice jubilatoire. Je l’adore : avec toute l’apparence de la bonne pâte bien pensante, il est pervers, décalé, insolent, ce n’est pas un très bon film, mais réalisé avec d’assez petits moyens, et pourvu d’effets spéciaux assez primitifs, il a tout de même rapporté pas mal de dollars.

Il est surtout parfaitement PEDAGOGIQUE et tombe à merveille sous nos yeux français, au moment où l’on est prêt à fourbir des armes pour une énième discussion sur nos désuets systèmes de formation. L’intrigue démarre avec un quasi SDF en chambre, un type inhibé, sale, vaguement imbibé, largué par l’inspiration (il veut écrire) et sa copine, pour terminer avec un super trader futur sénateur doré sur tranche dans son complet trois pièces Schifonelli (mieux qu’Hugo Boss). Entre les deux, on nous apprend comment se droguer intelligemment, à tuer proprement, à tricher, à se débarrasser de tout et de tous ceux qui gênent. Mentalement assez proche d’American Psycho de Marye Harron (E-U., Canada, 2000), c’est moins glauque parce que cela reste parodique : c’est tellement invraisemblable que ça en devient rigolo. On est également prévenu contre toutes les mauvaises fréquentations qu’entraine cette illicite consommation prohibée par la bien pensante société bourgeoise. On marche tout de même, parce que c’est très bien joué : Abbie Comish en joli ange salvateur est parfaite, et le truand harcelant venu de l’Est barbare est plus vrai que nature, avec sa panoplie de lames. Robert de Niro n’a que quatre scènes épisodiques, mais il y est somptueux (il a d’ailleurs en partie financé le film, lequel, sans lui, n’aurait pas vu le jour). Le retournement final, cette ultime scène sur le trottoir est délectable : parfaitement perverse, on y ressent toute la jubilation des supercamés qui se croient invincibles (« vous deviendriez mon esclave »…et la moue contrariée de de Niro… Ah ! quelle admirable seconde de cinoche !).

En salle en France, le film a fait un semi bide, pour devenir ensuite une jolie aventure pour patates de canapé. Il s’inscrit dans la mouvance de Very bad trip de Todd Phillips (E.-U., All., 2009), ou bien encore de American bluff de David O. Russel (E.-U., 2013)toujours avec Bradley Cooper, ou encore de No pain, no gain de Michael Bay (E.-U., 2013).

Autre bide en France, mais absolument hilarant : 7 PSYCHOPATHES de Martin McDonagh (G.-B., 2012) : il a dû rester une seule semaine en salles. On le sait les Amerloques sont experts en vulgarité, en violence gratuite, en hémoglobine, en grossièretés et arnaques vulgaires. Ils idolâtrent les armes à feu, tirent à vue sur tout ce qui bouge. Toutes choses qui n’entreront jamais (allez savoir ?) Quai Conti. J’adore ce film totalement déjanté, qui dérape dans l’irréel mystique, le pur irresponsable, l’impunité glorieuse. La fin, où des flics dépassés, sur une route de semi désert, se désintéressent complètement des cadavres, les bras en croix, qui gisent sur l’asphalte surchauffée, est une grande leçon d’insouciance.

Il s’agit d’une histoire simple : un scénariste (Colin Farrell) en panne d’inspiration (encore un !) doit rendre sa copie sur un projet où il est question de 7 psychopathes ; son copain, lui, est voleur de chiens dans les quartiers pour riches, et vit des récompenses. Il est associé à un honorable retraité qui n’est autre que Christopher Walken (génial). Ce copain (Sam Rockwell) propose de le brancher sur quelques dingos qui pourraient l’aider à retrouver une plume alerte. Et nous voila partis pour une tournée de fous, d’autant qu’un des propriétaires de chiens volés n’est autre qu’un dangereux psychopathe (Un Woody Harrelson délirant). Il y a aussi Tom Waits et ses lapins blancs, qui, avec sa copine, rectifie les méchants tortionnaires avec une efficacité proche de la robotique : il est le vengeur des faibles… et il aime les lapins. C’est mon préféré. Tout cela se termine dans la confusion la plus totale, une immoralité rafraichissante. Je vous passe les intrigues annexes et les pièces rapportées éphémères, vouées à une vie aussi courte qu’intéressante, surtout sur la fin. Bref, c’est un film qui a fait un bide formidable en France : trop américain sans doute, mais qui défoule bien après huit heures passées avec des collègues particulièrement bouchés.

Enfin, tout mon cœur s’enflamme pour JASON BOURNE, dans son effarante trilogie – La Mémoire dans la peau/The Bourne Identity de Doug Liman (E.-U.,Rép. Tchèque, 2002), La Mort dans la peau/The Bourne Supremacy de Paul Greengrass (E.-U., 2004) et La Vengeance dans la peau/The Bourne Ultimatum de Paul Greengrass (E.-U., All., 2007) - (oublier les pseudos suites ratées). Ce mec là – même reformaté en presque surhomme – surprend tout de même un peu : mange jamais, dort jamais, fait jamais pipi, ressuscite sans cesse, frais comme une rose. Il a du fric tout le temps, des papiers toujours en règle, connait tous les codes barres, tous les plans de toutes les villes, toutes les langues vivantes et mortes. Bref, il est increvable : œil d’acier, muscles de titane, estomac en tungstène, tripes jamais nouées. Ce qui émerveille surtout : il passe toutes les frontières avec des armes que personne ne détecte jamais, ou bien (comme il n’y a jamais aucune explication sur ce mystère), il repère tout de suite le marchand d’armes le plus proche de l’aéroport, qui lui délivre tout ce qu’il veut avec le sourire comme une poule vous vend du parfum Hermès dans un duty free. Il a toujours des vêtements propres et secs, même après plusieurs heures dans l’eau ou caché dans une décharge. Comment fait-il ? Il ouvre toutes les voitures (Forest Whitaker aussi dans Ghost Dog), toutes les serrures, aucun coffre ne lui résiste.

Il semble baiser normalement, entre deux cauchemars, mais les préliminaires sont ils suffisants ou bien se jette-t- il sur sa proie tel un néandertalien ? En fait, on aimerait plutôt être sa mère c’est un peu ce que fait la bonne femme de Langley, d’autant que c’est Matt Damon, qui a déjà mal tourné en Monsieur Ripley, pour lui dire d’arrêter, de se moucher et d’aller jouer au parc.

Voilà, devant une pléthorique distribution de printemps, globalement assez consternante (sauf pour d’obscures productions de pays lointains), on peut toujours se raccrocher aux branches de l’impertinent divertissement.

Françoise Thibaut, correspondant de l’Institut

P. S. J’ai trois fils : l’ainé est un surdoué de la finance, un des rois de Wall Street, sans doute shooté mais ça lui réussit car il sait s’y prendre et n’est jamais tombé dans les pommes. Le second est un écrivain à succès dans le style gore ; son dernier opus a été vendu à plus de 3 millions d’exemplaires. Le plus jeune est un gentil garçon qui bosse dans le renseignement - je crois - je sais pas bien ce qu’il fait mais il parle neuf langues et n’oublie jamais mon anniversaire.

ECHOS CANNOIS - "La chambre bleue" et "The homesman".

   Le festival de Cannes n’est pas seulement retransmis sur tous nos petits et moyens écrans, il est également et partiellement programmé sur nos grands. Ce sont ainsi La chambre bleue de Mathieu Amalric (France, 2014) et The Homesman de Tommy Lee Jones (E.-U., 2014) qui ont été découverts. Retrouver deux excellents acteurs par ailleurs réalisateurs est toujours un plaisir, mais il fut de courte durée, leur dernier opus n’égalant pas leur précédent.

Si Mathieu Amalric et sa compagne coscénariste Stéphanie Cléau ont réussi à transposer de nos jours l’atmosphère d’une petite ville de province des années 1960 chère à Simenon dans une bourgade des environs de Poitiers, si le réalisateur a réussi à rendre l’égarement physique et mental qui saisit l’amant une fois lancé dans cette course éperdue des retrouvailles corporelles, s’il filme toujours amoureusement le corps des femmes (Esther/Stéphanie Cléau en version cinématographique de L’origine du monde de Courbet), comme il avait si bien su le faire dans Tournée (France, 2010) avec ses strip-teaseuses New Burlesque, s’il joue entre les lieux clos – celui de la chambre bleue des après-midi soustraites à la chaleur de l’été, aux activités professionnelles et aux conjoints, celui du cabinet du juge d’instruction aux multiples interrogatoires et confrontations, celui de la belle maison contemporaine de Julien et sa petite famille – en les filmant au format 1.33 « qui enserre les corps comme les pressions sociales, amoureuses ou policières les contraignent » comme l’écrit Jean-Michel Frodon http://blog.slate.fr/projection-publique/, le puzzle que nous assemblons peu à peu jusqu’au dénouement judiciaire nous laisse seulement une agréable impression. Tout sonne juste dans les plans, de la moiteur des corps jusqu’aux questions sans cesse répétées par le juge instructeur ou le psy (Blutch) ou du déroulé du procès en cour d’assises, et pourtant nous restons spectateurs. Est-ce la passion entre Esther et Julien qui fait défaut à l’écran ? http://www.franceinter.fr/emission-cine-debat-la-chambre-bleue-et-ligne-deau

Est-ce notre trop grande attente vis-à-vis de Mathieu Amalric dont chaque présence cinématographique est guettée et rarement déçue, qu’il s’agisse (pour les plus récentes) du personnage de Georges Devereux, ethnologue et psychanalyste français, spécialiste des cultures amérindiennes dans Jimmy P. Psychothérapie d'un Indien des Plaines d’Arnaud Desplechin(France, E.-U., 2013) ou du double jeune de Roman Polanski dans La Vénus à la fourrure (France, 2013) ? Autant son personnage de producteur en perdition nous le rendait attachant dans Tournée, autant son jeu est ici répétitif, à côté des deux actrices Léa Drucker et Stéphanie Cléau qui s’imposent sans effet. Est-ce le rôle dont il aurait dû confier l’interprétation à un autre, comme cela fut parfois conseillé à Woody Allen longtemps adepte de la triple casquette de scénariste-réalisateur-acteur ?

 

Un même sentiment mitigé se dégage du visionnage de The Homesman. Et pourtant étaient réunis tous les ingrédients pour un cocktail réussi : Hilary Swank, Tommy Lee Jones, Meryl Streep et James Spader pour les principaux acteurs ; des plans superbes d'une nature sauvage rythmés par les saisons ; des évocations-hommages aux maîtres du western - La prisonnière du désert/The Searchers de John Ford (E.-U., 1956) dès les premières minutes, La rivière rouge/Red River d’Howard Hawks (E.-U., 1948) pour la traversée fluviale, Les moissons du ciel/Days of Heaven de Terrence Malick (E.-U., 1978) pour cet improbable hôtel surgi de nulle part – et une histoire terrible située en 1855.

Mary Bee Cuddy (Hilary Swank), pionnière en quête d’un mari, cultivant seule ses terres du Nebraska, est chargée par sa communauté de ramener dans l’Iowa trois jeunes femmes atteintes de démence dans ces lieux inhospitaliers. Le retour à la civilisation de l’Est pour ces trois femmes et pour Mary Bee Cuddy - dont elle est issue et dont tout son être porte trace avec son goût des belles tenues, sa table bien mise, son amour de la musique… - s’accomplit avec l’aide de George Briggs (Tommy Lee Jones), un déserteur bon à rien, mais devenu homme à tout faire de cette maîtresse femme.

Déception d'autant plus grande que tous les codes du western étaient à la fois présents et réinterprétés. Présents la sauvagerie de l'Ouest rendant la vie difficile pour les êtres, rendus à leurs instincts les plus primaires, les nourrissons emportés par la diphtérie, et les femmes incapables de survivre dans un tel environnement. Présents les indiens et les animaux (loups), réduits à leur seule dangerosité, car s'attaquant dans un même mouvement au convoi et aux sépultures. Présente l’opposition entre un ouest de la barbarie, territoires sans droit ni présence étatique, et un Est cultivé et doté d'une monnaie officielle dans le cadre d'un État fédéral.

Mais également réinterprétés les codes du western, avec cette omniprésence féminine dans un genre dont elles font habituellement défaut, qu'il s'agisse de la pionnière forte et déterminée, de la femme du pasteur pleine de compassion, ou des trois jeunes mères devenues folles. De même réinterprétés les codes du western avec un franchissement de frontière mais inversé, puisqu'il s'agit de retrouver l'Est civilisé et non de conquérir de nouveaux territoires. Et pourtant cette quête - un retour dans l’Est idéalisé de sa jeunesse pour Mary Bee Cuddy, le salaire de 300 dollars pour l'acheminement du convoi pour George Briggs le rapatrieur et un traitement approprié pour les trois femmes à la santé mentale déficiente - va s'avérer une épreuve. L'hospitalité espérée par ces pionniers, jadis tentés par un Ouest plein de promesses, n’a pas lieu. Ils sont rejetés de l'autre côté de la frontière (physique ou mentale) par un Est WASP (White Anglo-Saxon Protestant) qui a oublié d'être solidaire avec les siens, renvoyant à la sauvagerie ses propres enfants. Rejetés de l'autre côté de la frontière (physique ou mentale) Mary Bee Cuddy, finalement rattrapée par le désespoir, et George Briggs, bourru solitaire au cœur tendre...

Autant son premier opus Trois enterrements/The Three Burials of Melquiades Estrada (E.-U., 2005), western contemporain, nous avait séduit par son récit déconstruit, sa capacité à rendre visible la complexité historique, juridique et politique de la frontière étatsuno-mexicaine dans un même hommage à Sam Peckinpah et son Apportez-moi la tête d'Alfredo Garcia/Bring Me The Head of Alfredo Garcia (E.-U./Mexique, 1974) et à Cormac McCarthy - dont Tommy Lee Jones est à la fois l'ami et l'interprète par le truchement des frères Coen dans No Country for Old Men(E.-U., 2007) - autant l’Eastern nous laisse de l’autre côté de la rive…

 

"AUTOUR DE LA REPRESENTATION DE LA FRONTIERE : MIGRATIONS ET CONQUETE DE NOUVEAUX TERRITOIRES", Université de Limoges (OMIJ), Mercredi 21 mai 2014

 

Dans le cadre du programme de recherche « Frontière (s) au cinéma »

avec le soutien du Conseil régional du Limousin et avec la participation de la Chaire d’excellence « Gestion du conflit et de l’après-conflit »

L’OMIJ (Université de Limoges) organise une journée d’études

AUTOUR DE LA REPRESENTATION DE LA FRONTIERE :

MIGRATIONS ET CONQUETE DE NOUVEAUX TERRITOIRES.

MERCREDI 21 MAI,

Salle de visio-conférences, présidence de l’Université, 33 rue François Mitterrand, Limoges

Matin : Etat de la recherche, Aspects méthodologiques

9h — Accueil des intervenants

9h15-9h30 — Ninon Maillard (Université de Nantes), Travailler sur l’image et la représentation du droit : quelques mots sur Grimaj et Imaj.

9h30-10h — Nathalie Goedert (Université Paris-sud), Axes pour la recherche en analyse juridique de l’image filmée

10h-10h30 — Christophe Lamoureux, (Université de Nantes), La sociologie du cinéma, genèse et état des lieux.

Pause

10h45-11h30 — Asal Bagheri-Griffaton et Sylvie Périneau (Université de Limoges), Sémiologie, méthodes et Ecoles

11h30 -12h — échanges, questions, débats

Pause déjeuner

Après-midi : Analyse de l’image en pratique

14h — Reprise des travaux

14h-17h30 — Regards croisés autour du film Le Havre de Aki Kaurismaki.

Séquences choisies et analyses successives puis croisées d’Asal Bagheri-Griffaton, Stéphane Boiron, Christophe Bonnotte, Christophe Lamoureux, Ninon Maillard et Sylvie Périneau.

Téhéran : projections d'une ville, Cité de l'architecture et du patrimoine, Paris, 16-24 mai 2014

Téhéran : Projections d’une ville

Dynamiques urbaines et sociétés civiles

 

CINEMA / TABLES RONDES / CONFERENCES / DEBATS

 

 

Cette manifestation est un lieu de rencontre de la recherche scientifique et de la création artistique. Elle a pour ambition de mieux faire découvrir une capitale de 13 millions d’habitants, tout en l’inscrivant dans les problématiques actuelles des grandes métropoles  du monde.

 

A travers un cycle de projections, de conférences et de tables rondes, ces journées sur Téhéran permettront de découvrir le processus de la démocratisation de la société iranienne « par le bas », en œuvre depuis les années 1960 jusqu’aujourd’hui. Comment sous la peau de la ville la démocratie se fabrique, s’expérimente, se heurte et avance.

 

Ce projet se focalisera sur plusieurs thèmes urbains regardés par les cinéastes du réel dont l’habitat et la crise urbaine à Téhéran, les répliques de la société civile face à l’urbanisme autoritaire et la place particulière des femmes dans l’espace public.

 

Lors de ces journées, un accent particulier sera mis sur le rôle des documentaristes en tant que témoins conscients mais aussi en tant qu’acteurs engagés de changements dans une société en pleine mutation.

 

 

Ces rencontres se déroulent en quatre après-midis

 

Vendredi 16 mai de 14h30 à 20h: En quête d’habitat: Les tragédies quotidiennes d’une ville en transformation : regards de trois documentaristes sur trois décennies à Téhéran -

 

Samedi 17 mai de 14h30 à 18h:Téhéran des femmes: L’Espace public en Iran : Quelle place pour les femmes ? Les femmes dans le processus de transformation de l’espace public à Téhéran.

 

Vendredi 23 mai de 14h30 à 20h:Transformations urbaines, patrimoine informel et sociétés civiles : Téhéran et les villes du Moyen Orient.   

 

Samedi 24 mai e 14h30 à 19h30: Cinéastes et artistes contemporains :perceptions de Téhéran. La ville exprimée par les cinéastes et artistes iraniens depuis les années 1950 à aujourd’hui.

 

Pour connaître le détail du programme rendez-vous sur le site du musée :
 http://www.citechaillot.fr/fr/auditorium/conferences_et_debats/cycle_teheran/

Entrée libre mais réservation obligatoire sur le site :
http://www.citechaillot.fr/fr/auditorium/conferences_et_debats/cycle_teheran/25529-teheran_projections_dune_ville.html

Et voici un lien sur Facebook pour l'actualisation des informations:
https://www.facebook.com/events/1438404689734802/

Rencontres avec A. Grunert et R. Delambre autour du numéro de CinémAction "De la pauvreté", Paris, 7 mai

La librairie du Cinéma du Panthéon vous proposent de rencontrer :

Andrea Grunert et

Raymond Delambre,

mercredi 7 mai à 19h
autour du numéro de Cinémaction coordonné par Andrea Grunert

De la pauvreté
Éditions Charles CORLET

Alors que vous pouvez découvrir le film de Wang Bing sur l’écran du cinéma du Panthéon http://www.whynotproductions.fr/pantheon/# , Andrea Grunert et Raymond Delambre s’entretiendront plus particulièrement sur le cinéaste chinois. Comment Wang Bing déplaça Joris Ivens de son piédestal constitue un chapitre du volume De la pauvreté suivi par un entretien, tous deux écrits et menés par le spécialiste wangbingien Raymond Delambre.
Plus généralement, les auteurs diront l’importance du discours et le positionnement du cinéma sur la pauvreté à notre époque secouée par des transformations sociales et économiques profondes. Que révèle la représentation des pauvres d’une société ou d’une époque ? Quel rôle est attribué aux pauvres ?
Est-ce que le cinéma des dernières années est marqué par un « retour du social » ?

Andrea Grunert est docteure en études cinématographiques et enseigne à l’Université Protestante des Sciences Appliquées de Bochum en Allemagne. Elle a soutenu sa thèse de doctorat sur les films de Clint Eastwood à l’Université de Paris X. Ses domaines de recherche sont le cinéma américain, britannique et irlandais. Elle poursuit actuellement ses travaux sur le réalisateur anglais Alan Clarke et la représentation filmique de la minorité des Irish Travellers. Elle est la coordinatrice de Le corps filmé (2006) et de L’écran des frontières (2010), parus dans la collection CinémAction aux Éditions Corlet.

Raymond Delambre est conservateur en chef, diplômé de sciences politiques, enseignant en sciences de l’information, ancien chef de la Mission action régionale au ministère de la Culture. Dramaturge (lauréat de Fondation franco-japonaise Sasakawa et de l’aide à la création octroyée par le ministère de la culture), auteur de nombreuses études sur les arts visuels et membre de comités scientifiques. Collaborateur de CinémAction, Monde chinois, Nouvelle Asie (géopolitique) il est l’auteur de Ombres électriques : les cinémas chinois (avec des chapitres et entretiens sur & avec Wang Bing), Le cinéma sur les cimaises (cinéma plasticien) édités par Cerf-Corlet.
http://www.cine-droit.u-psud.fr/?page_id=675

La Librairie du Cinéma du Panthéon
[Le Thé des écrivains - Ciné Reflet]

15, rue Victor-Cousin 75005 Paris - RER B "Luxembourg", Métro Ligne 10 "Cluny – La Sorbonne"

Ouvert du lundi au vendredi de 13h à 20h et le samedi de 11h à 20h tél. : 01 40 46 02 72

 - Entretien avec Andrea Grunert : http://www.dailymotion.com/video/x1cf4ze_regard-252-cinemaction-n-149-de-la-pauvrete-rlhd-tv_shortfilms

- A propos du livre de Raymond Delambre : Le cinéma sur les cimaises : http://aphg-languedoc.blogspot.fr/2013/10/chronique-dalbert-montagne-raymond.html

- A propos de Wang Bing : http://www.centrepompidou.fr/cpv/ressource.action?param.id=FR_R-eec9f71b4a2b7606766d498fff13f5&param.idSource=FR_E-eec9f71b4a2b7606766d498fff13f5

Programme provisoire du colloque "Frontière(s) au cinéma", VIIèmes rencontres Droit et cinéma, La Rochelle, 27-28 juin 2014

Avec le concours financier du PRES Limousin Poitou-Charentes

 

FRONTIERE(S) AU CINEMA

                                              VIIèmes rencontres Droit et cinéma

Programme provisoire

Vendredi 27 juin 2014

8H45 : Accueil des participants

9h : Allocutions de bienvenue

9h15 : Frontière(s) au cinéma. Propos introductifs

 

I. Les frontières du passé

9h45 Sous la présidence de…

- Une frontière invisible dans l’empire colonial français : Pépé le moko et la représentation de la casbah d’Alger par Nathalie Goedert, maître de conférences en histoire du droit, Université Paris-Sud, OMIJ-IAJ et Ninon Maillard, maître de conférences en histoire du droit, Université de Nantes, Laboratoire Droit et changement social

- Cinéma italien et émigration en France après la deuxième guerre mondiale par Giuilia Fassio, PhD Sciences anthropologique, Université Turin et Histoire, Université Grenoble, post-doctorat Université Turin

- Cinéma, nationalisme et politique de l’Etat au Sri Lanka : de l’internationalisation vers l’indigénisation par Vilasnee Tampoe Hautin, maître de conférences agrégée d’anglais, Université de La Réunion

Débat

Pause

 

II. Les frontières : d’un pays l’autre…

1. Frontières et territoires perdus

11h15 Sous la présidence de…

- Moving east like there is no end. Roadmovies of the former GDR par Marius Böttcher, diplômé en média design et media culture, Bauhaus Université de Weimar, cinéaste doctorant (sous réserve)

- La représentation des frontières dans les films d’action : la fin des territoires ? par Olivier Corten, professeur, Université Libre de Bruxelles, directeur du Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international

- The Outlaw at Sea: An Inquiry into Cinematic Depictions of Pirates and Piracy par Timothy Delaune, assistant professorde science politique, Université de Suny Cortland

Débat

12h30 = Déjeuner

1^ère table ronde : Frontières et immigration clandestine

14h-15h15 Animée par…

Avec :

- Yves Gounin, conseiller d’Etat, délégué aux relations internationales du Conseil d’ Etat 

- Frédérique Devaux, maître de conférences en cinéma, Université Aix-Marseille, ASTRAM EA 4673

- Gloria Paganini, maître de conférences en études italiennes, Université de Nantes

Débat

Pause

2^nde table ronde : Frontières et conflits 

15h45-17h15 Animée par…

Avec :

- Pierre Dairon, professeur assistant de français, Kenyon Collège, Ohio

- François Dubuisson, professeur  de droit, Université libre de Bruxelles, Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international

- Sébastien Jounel, docteur en cinéma qualifié CNU, chargé de cours, Université Michel Montaigne Bordeaux III 

- Anne Lagerwall, professeure-assistante de droit, Université libre de Bruxelles, Centre de droit international et de sociologie appliquée au droit international

- Marie Pascal, doctorante en littérature québécoise et cinéma, Université de Toronto

Débat

Pause

17h45 Carte blanche à…

Débat

 

Samedi 28 juin 2014

                   Les frontières : d’un pays l’autre… (suite)

2. Regards du cinéma étatsunien

9h Sous la présidence de…

- Les frontières du droit à l’épreuve des films de mafias par Nicolas Thirion, professeur ordinaire de droit, Université de Liège et David Pasteger, assistant en droit, Université de liège, avocat au barreau de Liège

- Usages discursifs de la frontière générique dans le cinéma étatsunien : autour de Dr. Strangelove, Rosemary’s Baby et Kaboompar Chloé Delaporte, docteure en sociologie, post-doctorat au Labex ICCA, chargé d’enseignement Université

- Norme, identité et réalité. Le cinéma des Wachowski, un cinéma de frontières par Pierre-Anne Forcadet, docteur en histoire du droit qualifié CNU, ATER Université d’Angers 

Débat

Pause

10h30  Sous la présidence de…

- Les frontières ne meurent jamais : James Bond à la croisée des mondes par Damien Bruneau, agrégé de géographie, professeur en collège (sous réserve)

- La frontière dans les blockbusters hollywoodiens post-11 septembre 2001 : à la recherche de nouvelles frontières par Sébastien Candelon, doctorant en cinéma, Université Paris 3

Débat

Pause

3. Regards des cinémas d’Amérique du sud

- 11h45 Sous la présidence de…

- Représenter la frontière dans la cinématographie mexicaine : le cas de La jaula de oro de Diego Quemada Diez par Paola Garcia, maître de conférences en civilisation latino-américaine, Université d’Avignon

- Entre le conflit politique et la démarcation symbolique : l’imaginaire de la frontière dans deux films costaricains par Sergio Coto-Rivel, doctorant études ibériques, Université Bordeaux 3, ATER en Espagnol, Université de Nantes

Débat

12h45 = déjeuner

1^ère table ronde : La frontière Etats-Unis/Mexique

14h-15h15 Animée par

- Avec :

- Massimo Olivero, doctorant et chargé de cours Université Paris 3

- Pablo Gomez, doctorant en études anglaises et cinématographiques, Université de Saragosse

- Valerio Coladonato, docteur en cinéma, Université La Sapienza

Débat

Pause

 

III. Les frontières du cinéma

15h45 Sous la présidence de…

- Sharing the Intimacy of an Unspeakable Frontier: Tate Taylor’s The Help (2011) par Emmanuelle Andres, maître de conférences en anglais, Université de La Rochelle et Suzette Tanis-Pliant, docteur en anglais, Université Montpellier 3

- Les droits civiques des hommes et des robots. Humanité et inhumanité de l'usage des machines dans I­-Robot et Äkta Människorpar Nathanael Wadbled, doctorant sciences information et communication, Université de Lorraine et muséologie, Université Québec Montréal (sous réserve)

- Le cinéma de Tim Burton : aux frontières des genres cinématographiques par Florence Chéron, doctorante en cinéma, ATER Université Paris 8

Débat

Pause

2^nde table ronde : Frontières et regards de cinéastes

17h15-18h45 Animée par…

- Antoine Buchet, magistrat, Commission européenne, DG chargée de la justice 

- Louis Daubresse, doctorant en cinéma, chargé de cours, Université Paris 3

- Marion Poirson-Dechonne, maître de conférences en cinéma, Université Montpellier 3 

- Despina Sinou, docteur en droit public, enseignant-chercheur Université de La Rochelle

- Immi Tallgren, post-doctorante à l’institut Erik Castrén pour le droit international et droits de l’homme, Université d’Helsinki, chercheuse associée auprès du Séminaire interdisciplinaire d’études juridiques, Université Saint-Louis, Bruxelles

Débat

19h : Fin des travaux

SYNTHESE DE LA JOURNEE D’ETUDE DU 25 OCTOBRE 2013 ORGANISEE DANS LE CADRE DU PRES LIMOUSIN-POITOU-CHARENTES « FRONTIERE(S) AU CINEMA »

La synthèse de cette journée est également accessible sur http://www.imaj.hypotheses.org.

L'ensemble des activités organisées dans le cadre du PRES Limousin-Poitou-Charentes est accessible sur la page dédiée à ce projet.

 

Territoires, conflits et frontières

« Analyse juridique de l’image : jalons pour une méthodologie »

25 octobre 2013

Université de Limoges

 

Porteurs du projet : Christophe Bonnotte, Nathalie Goedert, Ninon Maillard

Groupe de travail : Asal Bagheri, Stéphane Boiron, Christophe Lamoureux, Sylvie Périneau, Pascal Plas, Clarisse Siméant, Pascal Texier

Avec la participation de : Estelle Espinoux, Xavier Perrot, Virginie Saint-James, Julien Théra.

 

Si l’iconologie juridique existe depuis longtemps, l’analyse juridique de l’image animée est plus rare, voire inexistante. Le projet vise dans un premier temps à former un groupe de travail pérenne pour établir progressivement une méthode d’analyse autour de concepts partagés, sinon communs. Il s’agit de mettre en place une équipe qui pourrait, à moyen terme, se réunir régulièrement sous la forme d’un séminaire afin de produire des travaux en analyse juridique de l’image. L’objectif est de saisir, à travers l’image, le droit et sa représentation. Le matériau peut être divers : images fixes, images animées, films d’animation, documentaire, images d’archives… La pluridisciplinarité du groupe a vocation à fournir à l’équipe une diversité d’angles de vue : sémiologique, sociologique, historique et juridique. A travers les contributions des différents spécialistes, les méthodes d’examen de l’image, les concepts servant l’analyse, les logiques sous-tendant le raisonnement, les interprétations proposées permettent à tous d’appréhender l’image projetée au prisme d’une grille de lecture spécifique et à chaque fois éclairante.

 

Première journée de travail :

Le groupe se réunit autour d’un thème particulier, à savoir « la frontière ». Chacun se présente avec un support imagé au choix et propose son analyse. La succession des interventions démontre à la fois l’intérêt de travailler ensemble mais aussi la disparité des angles de vue, des pistes exploitées, du vocabulaire, des méthodes et ipso facto des conclusions produites. Au fur et à mesure de la journée, des recoupements s’opèrent et des « ponts » entre les spécialités se construisent. Autour d’une préoccupation commune (la frontière) et d’un support commun (l’image), les analyses spécifiques à chaque discipline se révèlent complémentaires pour appréhender l’image dans sa globalité et pour lui donner sens.

La sémiotique suppose un examen très précis des images, de leur montage, de leur cadre, de leur enchaînement, du fond comme de la forme. Les nombreux extraits proposés par Sylvie Périneau sont à chaque fois littéralement disséqués : l’approche sémiotique permet de se saisir du travail de l’image et de déconstruire l’objet pour mieux en reconstruire le sens. Le vocabulaire utilisé est spécialisé sans être inutilisable par d’autres disciplines : ainsi la diégèse. Suite à la contribution de S. Périneau, un échange autour de la « grammaire » prouve que certains outils emportent, ou non, l’adhésion des spécialistes. Christophe Lamoureux fait une remarque d’importance : le maître d’œuvre du film, celui qui précisément opère ce travail d’image est un artiste et un acteur social. Par là-même, il faut aussi contextualiser le travail de l’image qui ne saurait se réduire à un examen clinique et logique, dépouillé de toute considération de contexte.

Pascal Texier propose une rétrospective de ce qui s’est fait en iconologie juridique avant de montrer ce que le juriste peut tirer de l’examen des images, ici fixes. Là encore, la méthode d’analyse s’appuie sur une série, sur un corpus. Des informations précieuses sur le droit, sur les institutions découlent de l’examen systématique des images médiévales (sceaux, miniatures mais aussi tableaux, tympans ou chapiteaux d’église…). La compréhension du sens des images n’est qu’une première étape : l’analyse produit ensuite de la connaissance sur les procédures, les évolutions institutionnelles et même la chronologie. L’image n’est pas illustration, elle est source première de savoir.

Stéphane Boiron projette des photographies de Land Art au groupe de travail. La question de la recherche du sens est ici primordiale car l’image est porteuse d’un message. Le lieu, l’auteur, la date renseignent sur l’intention première de l’artiste. L’étude des images artistiques dans une démarche politique est intéressante : elle rappelle que l’image peut être vecteur d’un propos. Ici, l’œuvre artistique matérialise le concept de frontière. L’art peut donc faire visualiser, concrétiser, donner à voir l’immatériel, l’insaisissable, l’invisible.

L’intervention de Pascal Plas autour des images des procès internationaux établit la nécessité de réunir des chercheurs capables d’analyser ces images juridiques. L’exemple de Nuremberg est édifiant : 2h de film diffusé sur 40 heures produites alors que le procès a duré plusieurs mois. La vérité peut-elle provenir d’images lorsque l’image est fausse ? La récolte des images en cours va nécessiter un classement, une indexation et à moyen terme une analyse. Pascal Texier et Christophe Lamoureux réagissent sur cette image de procès, notamment aux Etats-Unis. Le premier pour souligner que l’image du procès ne peut se comprendre qu’au regard de la procédure, le second pour insister sur le statut culturel de l’image et sur sa place particulière dans la construction de la mémoire. L’ensemble de ces échanges permet d’établir que l’analyse de l’image est nécessaire au regard de la place que celle-ci prend dans le domaine de la preuve par exemple, et que cette analyse doit être globale : juridique, sociologique, sémiologique.

Christophe Lamoureux a choisi un film de fiction (Heaven’s gate de Michael Cimino) pour démontrer que le matériau cinématographique est précieux, voire irremplaçable, pour le sociologue. Il souligne un point fondamental : l’image cinématographique n’est pas seule en cause, il faut aussi considérer sa réception pour appréhender sa valeur sociologique. Le film, proposé et visionné, devient un matériau ayant valeur de donnée ethnographique. Le film doit ainsi être considéré dans sa réalisation, dans son scénario, dans son genre, dans son époque, dans sa réception pour être pleinement signifiant d’un point de vue sociologique. Alors même que le film n’ambitionne pas de présenter une vérité historique, il est porteur d’une autre vérité qui lui échappe et que seule l’analyse, ici sociologique, peut révéler.

Asal Bagheri expose sa méthode de travail et ses outils d’analyse. A l’appui de deux films autour du thème proposé, elle explique la recherche d’indices convergents qui constitue l’analyse systémique, préalable à l’analyse interprétative. Ce modèle en deux temps permet de travailler l’image comme un texte à partir des signes linguistique ou iconique dont A. Bagheri propose une typologie (iconique, scénique, technique, sonore).

A l’issue de ces échanges, il est apparu que l’approche pluridisciplinaire pouvait préciser le concept de frontière par le recours à ses représentations :

La journée a commencé par la contribution toute conceptuelle de Clarisse Siméant qui vise à définir juridiquement la frontière dans une dimension historique. Avant d’être une ligne, la frontière a été un front, une limite de zone d’autorité ou d’influence ou encore les confins du monde.

L’objet possède une haute teneur symbolique puisque la frontière définit dans une certaine mesure le rapport à l’autre, souvent construit à partir d’une limite territoriale.

La frontière est conçue comme point de contact avant de prendre le dessin d’une ligne de démarcation, qui sépare. Ainsi, la notion de frontière est déjà polymorphe puisqu’elle sépare et rapproche.

La frontière évoque aussi les limites de l’autorité : on ébauche avec elle un espace politique. Cette conception triomphe au moment de la Révolution française dont on connaît le goût pour la ligne droite et le compas : découpage territorial en département et théorie des frontières naturelles.

En droit international, la frontière permet de désigner les points extrêmes de deux ordres juridiques (Virginie Saint-James).

La frontière dessine un périmètre englobant : elle protège mais enferme aussi.

Symboliquement, le franchissement de la frontière est plus important que la frontière elle-même. C’est d’ailleurs souvent à l’occasion de son franchissement que la frontière est évoquée au cinéma (Sylvie Périneau évoque les postes frontières, la douane, les contrôle divers et les moyens de locomotion employés pour passer les frontières qui représentent cette dernière à l’écran…)

Elle donne lieu à un imaginaire fort qui incite au mouvement : dépasser la frontière, repousser les limites, transgresser aussi…

La frontière accompagne souvent une idéologie conquérante, notamment à l’occasion de l’expansion sans fin des empires (romains, napoléoniens…)

 

Au-delà du thème examiné, ce sont surtout les questions de méthodologie qui ont occupé les débats :

 

- Sur la pertinence d’une séparation entre image fixe et image animée : nos échanges ont fait la démonstration que nous pouvions évoquer ensemble ces deux dimensions iconographiques (Xavier Perrot a rappelé en introduction de la journée d’étude que les frises du Parthénon constituent le premier film script de l’histoire). Des méthodes spécifiques peuvent être dégagées mais les grandes lignes du traitement des images et surtout les résultats attendus de l’analyse restent communs.

 

- La question du langage est vite devenue centrale :

Chaque discipline a son langage ; le cinéma a son langage ; les images ont un langage : sémiologue, sociologue et juriste décryptent l’image tout en codant leurs analyses par un vocabulaire spécialisé. Il faut trouver un langage commun ou trouver des connexions entre les vocables, voire établir un langage spécifique pour l’analyse juridique de l’image.

Les sémioticiens évoquent une démarche indicielle (les indices signifient) qui permet de reconstruire une grammaire, toutefois différente de celle de la langue.

 

- Le débat porte aussi sur la question du sens  

Toute image doit-elle faire sens ? N’outrepasse t-on pas notre rôle en reconstruisant arbitrairement avec nos outils disciplinaires, le sens voire le message de l’image ?

Comment trouver l’équilibre entre l’analyse qui éclaire un concept sans préjuger du sens initial de l’œuvre ?

L’analyse juridique de l’image se démarque de la compréhension de l’image. Elle dépasse les intentions premières de la création de l’image pour, à l’appui d’une contextualisation et d’une déconstruction, offrir des éléments de connaissance sur un concept, une institution, une technique juridique, un événement historique. Dans certains cas, l’analyse de l’image conduit à des conclusions différentes de celles de l’historiographie commune.

 

L’image doit être envisagée tant dans sa production que dans sa réception. Il est nécessaire de distinguer entre l’image produite et l’image reçue car on ne doit pas présupposer que le langage du créateur  et le regard du récepteur ne font qu’un. Le sens voulu par le créateur ne sera pas forcément le sens perçu par le récepteur.

L’image utilisée à fin de preuve ne constitue pas automatiquement une image de la vérité. Seule une analyse que l’on pourrait qualifier de scientifique peut tendre à déterminer le sens de l’image, sa teneur véritable. L’image du procès, produite lors du procès ou issue de l’enregistrement de ce dernier, nécessite une analyse approfondie pour révéler sa part de vérité. Elle ne constitue pas, en elle-même, la vérité. De même, le cinéma peut relayer des idées fausses : il participe à la réécriture de l’histoire, voire à son écriture : il revisite les mythes, voire les fonde. Il est l’un des éléments de construction d’une culture sociale et juridique.

 

L’identification traditionnelle de la nature des images entre documentaire et fiction s’avère insuffisante. Il y a parfois plus de réalité dans la fiction (Christophe Lamoureux le souligne pour Heaven’s gate : ce film traduit une réalité sociologique mieux que l’expert ne peut le faire), et plus de composition, de reconstruction dans le documentaire ou la production d’images d’archives (Pascal Plas l’a démontré au sujet du procès de Nuremberg).

Il faut prendre au sérieux la médiation esthétique du cinéma (Sylvie Périneau a souligné que le cinéma est un langage) qui est en soi, un matériau social signifiant. La mise en forme de l’image, dès lors qu’elle est contextualisée, a autant de sens que le fond.

 

- La nécessité du corpus 

Asal Bagheri et Pascal Texier ont souligné l’importance de travailler sur un corpus et non sur des objets isolés : Comment définir ce corpus, surtout quand il s’agit de cinéma. Plus largement et  plus long terme, comment identifier, indexer un corpus, classer les films ?

 

 

La journée d’étude s’est terminée sur une discussion autour de la suite à donner aux rencontres du groupe. Il s’est avéré nécessaire de préciser les objectifs scientifiques de la démarche : qu’est-ce qu’une analyse juridique de l’image, qu’est-ce que l’analyse d’une image juridique, dans quelle mesure est-ce novateur et utile ? Il est urgent de dresser un état de la recherche, de préciser les termes employés (représentation, iconologie, iconographie, analyse juridique) et d’adapter les méthodes d’analyse de l’image afin d’une part de trouver une application spécifique aux images du droit (iconologie juridique) et d’autre part, de donner naissance à une analyse juridique des images.