Le blog Droit et cinéma : regards croisés

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN ou de la difficulté d’être mère, Lynne Ramsay (Etats-Unis/ Grande-Bretagne, 2011)

    

Aux enfers, Eva serait destinée. Adapté du livre de Lionel Shriver (Etats-Unis, Counterpoint Press, 2003 traduit en français aux éditions Belfond, 2006), We need to talk about Kevin porte à l'écran la souffrance, l'incompréhension et la culpabilité d’une mère dont le fils a commis l’irréparable. Singulière, cette approche peut l'être tant le point de vue abordé est généralement celui des personnes ayant subi l'infraction soit, par ricochet, celui de leurs proches. Ainsi, dans le documentaire Bowling for Columbine de Michael Moore (Etats-Unis/ Canada, 2002) où le point de départ de l'enquête du réalisateur sur l'utilisation des armes à feu aux Etats-Unis est la fusillade du lycée Columbine dans le Colorado en 1999, ou encore dans la fiction Elephant de Gus Van Sant (Etats-Unis, 2003) qui suit le quotidien d’un lycée jusqu’à l’évènement fatidique. Mais celui de la famille des auteurs d'infractions n’est pas pour autant ignoré par le cinéma : pensons par exemple à Poetry (Shi de Lee Changdong, Corée du Sud, 2010) retraçant la quête de justice d’une grand-mère dont le petit-fils a commis un viol et dont la victime s’est suicidée, ou Mother de Bong Joon-ho (Corée du Sud, 2009) où une mère remue ciel et terre pour innocenter son fils. Ces films nous rappellent que les proches de l’auteur subissent également les conséquences de l’acte commis : la honte, la culpabilité, l’opprobre, l'impuissance, l’absence de l’être aimé. Au-delà de l’acte commis qui les lie, s’il y a bien une chose que la famille des victimes et de l’auteur partagent, c’est certainement la souffrance. Mais si l’intérêt et la compassion pour la première apparaissent naturels, il n’en va pas toujours de même pour la seconde. Or, c’est la douleur de la mère d’un meurtrier dont Lionel Shriver a voulu parler et le spectateur le ressent avec violence à travers le personnage d’Eva Khatchadourian incarnée par Tilda Swinton. 

Cette souffrance conduit Eva à une véritable introspection pour comprendre sa part de responsabilité dans le passage à l’acte de son fils. Scènes antérieures et postérieures à l’évènement s’entremêlent, la transformation physique de l’actrice est saisissante. Eva n’aura de cesse d’être confrontée à la douleur violente des mères des victimes de son fils et aux regards ostracisants de ses voisins qui tous la vouent aux Enfers. L'image du sang est omniprésente dès les premières scènes : dans son rêve, au travers de la sauce tomates dans laquelle elle baigne, de la peinture rouge dont sa maison est maculée, du sang – véritable celui-là – versé par son fils, du sien après le coup porté par la mère d’une victime. Et elle n’aura de cesse de poncer, gratter, frotter pour laver ce sang qu’elle a sur les mains. Dans cet environnement hostile, seul l’un des élèves victimes, paralysé, fait exception et semble conscient, avec le spectateur, de la douleur qu’Eva peut aussi ressentir – et ce d’autant plus que Kevin l’a isolée, comme pour la désigner, tuant aussi son père et sa sœur.

Dans sa quête, Eva se remémore les instants passés avec son fils. Dès la naissance, le lien maternel apparaît précaire. L’accouchement se passe dans la douleur et la vue du nouveau né ne semble guère compenser cette épreuve. Aux pleurs succèdent l’apathie et la provocation dès le plus jeune âge. Kevin n’hésite pas à couvrir l’exaspération violente de sa mère pour faire pression sur celle-ci. Il nous invite ainsi à nous replonger dans la criminologie. Kevin est-il le criminel né de Cesare Lombroso (L’Homme criminel, 1876) porteur de stigmates déformatifs anatomiques, physiologiques et psychologiques ? Son milieu, familial notamment, est-il un facteur de son passage à l’acte comme le pensait Enrico Ferri (La sociologie criminelle, 1884) ? Son crime est-il le résultat de la rencontre de divers facteurs anthropologiques et sociologiques ? Dès l’enfance de Kevin, c’est dans une grande solitude qu’Eva s’interroge sur son comportement. Le père est d’un piètre secours, absent ou sourd à ses interpellations. "Il faut qu'on parle de Kevin". Son rôle se réduit à celui d’un papa joueur qui ignore les provocations de son fils et culpabilise son épouse, lui lançant des tendres « Ce n’est qu’un enfant » et « Va chez le psy ». Eva est donc seule face son fils, un fils qu’elle n’aime pas, ce qu’elle ne cache pas et ce dont Kevin a bien conscience - le contraste avec l’attitude d’Eva à l’égard de sa fille le souligne d’autant plus. Le spectateur ne cessera pas de  rechercher tout au long du film le regard d’un enfant (incarné par Jasper Newell), d’un adolescent (interprété par Ezra Miller), d’un frère et il ne le trouvera qu’à deux moments. A l’occasion de la lecture de Robin des bois par sa mère - mais de là lui viendra sa passion pour le tir à l’arc, moyen utilisé pour attaquer ses victimes - et dans la dernière scène du film. Lors de son ultime visite au centre pénitentiaire, Eva rencontre un Kevin marqué par la détention et qui semble pour la première fois avoir besoin de sa mère. Dans son regard alors plein de détresse, le spectateur sent qu’il va enfin répondre à la question du pourquoi, réponse qui permettra à Eva de le quitter dans la lumière. 

Calliope

 

Signalons la parution récente du dernier roman de Lionel Shriver Tout ça pour quoi (So much for that), traduit de l'anglais (Etats-Unis) par M. lévy-Bram, Belfond, 530 p.

Appel à projets pour un concours de courts-métrages organisé par les étudiants du MASERTIC de l'IUT de La Rochelle.  Les délais sont courts mais l'initiative est intéressante. Si vous êtes inspirés, envoyez vos vidéos avant le 30 janvier 2012.

Sélection, récompenses et diffusion publique des meilleures vidéos le mardi 21 février 2012 à l'Université de La Rochelle, Pôle communication, multimédia et réseaux, 44 av. Albert Einstein.

Contact : masertic.cinema@gmail.com

Les cahiers de la justice ... et du cinéma.

Les cahiers de la justice est la revue de l'Ecole Nationale de la Magistrature, co-éditée par cette dernière et Dalloz (http://www.dalloz-revues.fr/revues/Les_cahiers_de_la_justice-47.htm). Le directeur de la publication est le directeur de l'ENM, M. Jean-François Thony. Son directeur scientifique est le magistrat et secrétaire général de l'Association française pour l'histoire de la justice M. Denis Salas. Cette revue existe depuis 2006 ; elle est devenue trimestrielle à partir de 2010. Très régulièrement, les cahiers de la justice publient des études qui évoquent des films ayant pour thème le droit et la justice. Ci-après la liste de ces études, du numéro 4 de la revue (printemps 2009) au dernier numéro (décembre 2011). Bien entendu, nous complèterons la liste au fur et à mesure des publications. Bonne lecture !

- La justice française au cinéma, par Ch. Guéry (n° 4, printemps 2009, p. 181)

- "J'ai laissé mon âme d'artiste envahir mes mains", à propos du film Une justice à visages humains, par D. Salas (n° 4, printemps 2009, p. 201)

- Adam's Rib de Georges Cukor, par F. Gras (2010/1, p. 137)

- Les cas de conscience d'une procureure, à propos de La révélation (film de Hans Christian Schmid, 2010), par D. Salas (2010/4, p. 179)

- Abraham Lincoln : un avocat pour l'histoire (sur Young Mister Lincoln de John Ford), par A. Fabbri et Ch. Guéry (2011/1, p. 159)

- Le Dernier voyage du juge Feng. Film chinois de Liu Jie (2006), par D. Salas (2011/2, p. 141)

- Du savoir en politique - Justice et démocratie en Italie à travers l'oeuvre de Francesco Rosi Cadavres exquis, par X. Daverat (2011/4, p. 159)

- De la mise en récit d'un crime à sa mise en scène : l'affaire Pierre Rivière, par L. Miniato (2011/4, p. 177)

Travail, droit et cinéma (La Rochelle, 2009) : "Du militarisme démocratique ou du danger de laisser la guerre à ceux qui en font le métier", par J.-M. Tixier, maître de conférences en littérature et cinéma à l'Université Montesquieu Bordeaux IV

Suite de la diffusion des IIèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés, avec la communication de Jean-Marie Tixier : "Du militarisme démocratique ou du danger de laisser la guerre à ceux qui en font le métier".

Réal. Ch. Bessaguet, F. Charneau (@ctice, Université de La Rochelle)

TOUTE ADAPTATION EST-ELLE UNE TRAHISON ? TOUTES NOS ENVIES de Philippe Lioret (France, 2010)

  

La question de l’adaptation d’un succès de librairie, récurrente lors d’adaptations cinématographiques, mérite une nouvelle fois d’être posée en présence du dernier film de Philippe Lioret, Toutes nos envies, librement adapté de D'autres vies que la mienne d'Emmanuel Carrère (P.O.L., 2009).

En effet, si le réalisateur  a choisi - dans la densité du récit d'Emmanuel Carrère - de nous faire partager le quotidien de deux juges d'instance lyonnais (Claire et Stéphane), entre audiences et rédaction de jugements, justiciables surendettés tentant d'expliquer seuls à la barre leurs délicates conditions d'existence et avocats des sociétés de crédit sûrs de leur bon droit, vie de famille et problèmes de santé, force est de constater que le film n'est pas à la hauteur du livre dont il s'inspire. La force du récit était de nous faire découvrir d'autres vies que celles de l'écrivain réputé narcissique : Philippe, Jérôme, Delphine et leur petite Juliette emportée par le tsunami de décembre 2004 au Sri Lanka ; Juliette et Etienne, magistrats et amis, tous deux handicapés après un cancer ; Patrice, le mari devenu veuf après le décès de Juliette et leurs trois filles : Emilie, Clara et Diane. Ces rencontres fortuites pour l'écrivain, ces injonctions de récit adressées par Philippe puis Etienne ont amené Emmanuel Carrère - malgré ses préventions - à dépasser ses fêlures héritées de l'enfance (V. Un roman russe, P.O.L., 2006) et à tenir en lisière ses démons (V. L'adversaire, P.O.L., 2000) pour découvrir un monde étranger, fasciné qu'il est depuis longtemps par la justice et, s'ouvrant aux autres, entrer dans une sérénité qui lui était jusqu'alors inconnue.

Nul narcissisme chez Philippe Lioret, son attention aux autres, constante, trouvant à s'exprimer non seulement dans ses précédents films (V. notamment : Welcome, France, 2009) mais également dans Toutes nos envies. Il n'a pas son pareil pour filmer les êtres dans leur vie quotidienne (Claire, Christophe et leurs enfants dans leur nouvelle maison dont le mari - véritable homme au foyer - s'occupe en attendant de retrouver un emploi de chef saucier à la Tour rose, célèbre et fameux restaurant lyonnais), dans l’action (qu'il s'agisse du match de rugby ou de l'escapade baignade sur les lieux de villégiature d'enfance de Claire) ou nous montrer comment le désir de vie peut dépasser la maladie, quand sortie en cachette de l’hôpital, Claire assiste en compagnie de son collègue Stéphane à un match depuis le banc de touche. Mais aussi pour nous dépeindre les relations qui se nouent entre deux êtres qui se découvrent, les confidences épanchées sur l’épaule d’un collègue, le coup de foudre d’amitié qui fait craindre au mari une liaison extraconjugale.

Pour autant, il n'élude pas le combat de ces deux juges d’instance contre les sociétés de crédit, combat mené par Claire dans l’urgence d’une vie qu’elle sait condamnée et le souvenir d’une enfance avec une mère surendettée, car comme le dit son mari « on ne devient pas juge par hasard ». Combat qui lui permet de ranimer la flamme juridique vacillante de son vieux collègue Stéphane, figure du père et de l’ami interprété par Vincent Lindon, qui en retrouvant ses réflexes de maître nageur de Welcome est moins convaincant que dans Pater d’Alain Cavalier (France, 2011). En demandant à Stéphane de l’aider à lire les contrats dont les conditions de prêt sont en taille de police 5 au lieu des 8 requis par l’article R 311-12 du Code de la consommation (http://www.legifrance.gouv.fr/affichCodeArticle.do;jsessionid=60BDEF9D1F999BB40BBB3C916CDC64B0.tpdjo06v_1?idArticle=LEGIARTI000023527579&cidTexte=LEGITEXT000006069565&dateTexte=20111226) puis de prendre en audience le dossier de la jeune femme surendettée dont la fille se trouve dans la même classe que sa propre fille et en lui imposant un covoiturage hebdomadaire vers les rendez-vous au CHU de Valence en cachette du mari, de la grand-mère et de ses enfants, grâce à sa complicité naïve, Claire lui permet de se raccrocher à son combat de jeunesse. 

Si Philippe Lioret capte ces moments magiques où le raisonnement juridique se met en place dans un joyeux enchevêtrement de discussions à bâtons rompus, de contorsions intellectuelles et de cafés bus dans la cuisine, pendant que la famille s’affaire à l’extérieur, il n’échappe pas à un processus de simplification aboutissant à présenter le droit comme édulcoré. Si tous les moments forts du récit d’Emmanuel Carrère sont conservés, ils sont trahis dans leur lettre et dans leur esprit à l’exemple de la première scène d’audience où la juridiction apparaît composée de trois juges (alors que le juge d’instance siège à juge unique : art. L. 222-1 du Code de l’organisation judiciaire http://www.legifrance.gouv.fr/affichCodeArticle.do;jsessionid=FED9D8071424F932B2B5151BF72BEB1E.tpdjo12v_3?idArticle=LEGIARTI000006572125&cidTexte=LEGITEXT000006071164&dateTexte=20111226 ) ; de la requête en suspicion légitime que veut introduire l’avocat de la société de crédits, au motif que la juge d’instance connaît la justiciable surendettée, où si Claire est bien convoquée par le président du tribunal, elle poursuit sa fréquentation en l’installant même chez elle sans sanction ; de la question préjudicielle posée à la Cour de justice de l’Union européenne, où par la plus grande des invraisemblances Stéphane s’y déplace et négocie les dates d’audience avec le greffier en chef, alors même que le film est resté silencieux sur les différentes étapes judiciaires qui se sont déroulées en France. Traquer l’être humain derrière les textes, les procédures certes, mais pas les trahir au motif de ses propres envies. Ce que l’auteur avait réussi à rendre intelligible pour tout un chacun (qu’il soit juriste ou néophyte) est ici galvaudé par le scénariste-réalisateur dans un salmigondis de bons sentiments. A l'instar des paroles du film souvent incompréhensibles, la parole judiciaire y devient inaudible.

Dès lors deux histoires parallèles se déploient, celle qui se déroule sur l’écran, celle encore présente dans nos mémoires de lecteurs de D’autres vies que la mienne, histoires auxquelles se surajoute le récit du stage qu’Emmanuel Carrère avait effectué auprès des juridictions d’instance pour préparer son ouvrage et dont il nous avait entretenus le 4 novembre 2009 à l’Université de La Rochelle : (http://droit-gestion.univ-larochelle.fr/Rencontre-Droit-et-Litterature.html )

 

QUELQUES MESSAGES PERSONNELS, par Pierre Clémenti (S. E. F. Ph. Daudy, 1973, réed. Gallimard, coll. Folio, 2005)

 

Pierre Clémenti est un héros du cinéma libertaire français des années 60-70. Homme sans concessions, acteur exigeant, aperçu dans Le Guépard (France, Italie, 1963) de Luchino Visconti, il se fera notamment connaître du grand public grâce à deux films : Belle de jour (France, Italie, 1967) de Luis Buňuel aux côtés de Catherine Deneuve, et Benjamin ou les mémoires d’un puceau (France, 1968) de Michel Deville. Allure de jeune premier, présence magnétique à l’écran, Clémenti, beau comme Delon, est promis à une belle carrière populaire. Mais, avide d’expériences artistiques et refusant toute facilité, l’acteur tournera vite le dos au succès et préfèrera jouer sous la direction de réalisateurs avant-gardistes, tels Bernardo Bertolucci Partner (Italie, 1968), Pier Paolo Pasolini Porcherie (Italie, 1969) et Philippe Garrel Le Lit de la Vierge (France, 1969).

En juillet 1971, Pierre Clémenti alors en tournage à Rome est arrêté à son domicile par la police italienne pour détention de drogues.  Il restera emprisonné dix-huit mois avant d’être relâché. A la suite de cet épisode, ses apparitions sur le grand écran se feront plus rares jusqu’à sa dernière collaboration avec Joao César Monteiro et le film Le Bassin de J.W. (France, Portugal, 1997). Clémenti mourra des suites d’un cancer du foie à Paris au mois de décembre 1999.

Dans son livre Quelques messages personnels, Clémenti raconte son expérience carcérale et partage ses réflexions sur le métier d’acteur et ses souvenirs sur les grandes rencontres qui ont marquées sa vie. Quelques messages personnels permet tout d’abord au lecteur de se plonger dans le bouillonnement culturel du Paris rive gauche des années 1960, qui favorise l’émergence d’un grand mouvement d’avant-garde théâtrale auquel participe Pierre Clémenti avec d’autres compagnons décidés à briser les codes de la culture bourgeoise telle qu’elle existe à cette époque : « Les mecs de Saint-Germain (…) gardent les yeux ouverts sur le monde et à leur façon aussi ils se battent (…) poètes, illuminés, médecins, prophètes, acteurs, philosophes, architectes (…) ».

Clémenti est également un membre actif de la Bande de la Coupole réunissant son plus fidèle ami Jean-Pierre Kalfon (acteur touche-à-tout), Zouzou (chanteuse yé-yé, actrice et muse), Bulle Ogier (révélée par Rivette dans L’amour fou (France, 1968) ou encore Philippe Garrel (alors jeune réalisateur sous influence de Jean-Luc Godard et du Velvet Underground), véritables figures de la contre-culture et pour lesquels l’art doit être au service du peuple. Une partie de la Bande de la Coupole se retrouvera au générique du film Les Idoles (France, 1967) réalisé par le principal catalyseur de la troupe, Marc’O. Le film, étape clef dans le parcours de Clémenti, est une satire du showbiz, une fable sur la gloire éphémère qui donne la définition suivante de l’idole : « L’idole est l’incarnation en un individu de l’aspiration à la réussite des autres qui n’y parviendront pas ». Les années passées au sein de cette troupe seront parmi les plus intenses de sa vie : « Cinq années de travail collectif, de dépassement, d’initiation et d’invention, une même énergie qui nous nourrissait, une communauté d’hommes et de femmes qui unissent leurs forces pour converger à la même source, qui se donnent tout entiers au groupe, sans se trouver freinés par des considérations de carrière ou de succès personnel ».

Cette dernière expérience détermine Clémenti à rester dans la marge, à ne faire aucun compromis avec l’industrie du cinéma qu’il abhorre et à laquelle il reproche principalement de nier l’art : « J’ai vite compris que l’industrie (…) n’avait pas pour principal objectif de faciliter la recherche, ni de bouleverser les habitudes, de se risquer à l’inédit ». Le cinéma devenu une industrie du divertissement, sans aucune imagination, se contente d’exploiter la même recette du succès « jusqu’à épuisement ».

Quelques messages personnels est également l’occasion pour Clémenti de faire partager son expérience carcérale et de faire part de ses préoccupations, toujours actuelles, sur l’état des prisons et le rôle dévolu au système pénitentiaire. Selon le comédien, la prison, « négation de l’être humain » constitue le symbole de l’Etat répressif : « C’est la société de la trouille et de la matraque ».

Pierre Clémenti fait partager au lecteur le choc carcéral ressenti lors de son entrée dans la prison romaine de Regina Coeli dans laquelle il passera huit mois : « Le commencement, les premiers instants sont les mêmes pour tous.  Le claquement d’une porte, la porte de ta cellule qui se referme sur toi et tu restes là, immobile, glacé mais le cœur fou. D’abord tu as l’esprit vide, impossible d’aligner une pensée derrière l’autre ». Il présente ensuite son lieu de détention comme une « Prison vieille comme la ville, pierres noires et usées par cent générations d’emmurés » que l’on imagine surpeuplé : « Les dix bâtiments de Regina Coeli sont conçus pour abriter mille cinq cents détenus : ils en contiennent plus de trois mille » et vétuste : « c’est la prison du petit peuple de Rome, la maison d’infortune où échouent immanquablement les paumés, les faibles ceux qui ont douze gosses et pas de boulot, ceux qui n’ont pas pu se nourrir des miettes du festin romain », sans compter l’état d’hygiène inquiétant dans lequel vivent les détenus entassés dans des « trous obscurs ». Clémenti sera ensuite transféré à la prison de Rebibbia qui, bien que plus moderne, ne trouvera pas davantage grâce à ses yeux : « On améliore l’enfer, on ne change pas sa fonction ».

L’acteur s’interroge en outre sur les missions du système carcéral qui doit certes protéger la société, assurer la punition du condamné mais aussi favoriser son amendement et permettre sa réinsertion. Or, Clémenti observe que bien loin de permettre la réinsertion des détenus, la prison les brise, les dépersonnalise, les déstructure. Il cite en guise de justification les nombreux suicides qui se produisent en milieu carcéral : « Déjà plus de trente suicides dans les prisons françaises depuis le début de l’année ». Il forme le vœu d’un système punitif porteur de vie, de reconstruction et d’espoir pour tous ceux qui le subissent : selon lui, « La prison ne doit être ni un lieu de condamnation et de répression, mais d’abord un lieu de création ». L’épanouissement culturel des détenus ne devrait plus exclusivement passer par la télévision : regarder la télévision, média insignifiant, ne doit pas être considéré comme un luxe : « La télé parlons en. Loin qu’elle soit l’indispensable ouverture sur le monde, on en a fait la drogue du prisonnier ». Il imagine la prison comme une arche, comme un véritable lieu de création. Le discours peu réaliste de l’auteur, que l’on peut moquer, doit être replacé dans l’héritage de mai 1968 où la société doit être à reconstruire par tous moyens.

L’ouvrage trouve son épilogue avec le procès formé en appel qui permettra au comédien de sortir de prison après dix-huit mois de détention. Pierre Clémenti compare le tribunal, le jour de l’audience, à un théâtre : « où chacun est censé ne pas sortir de son rôle, où la mise en scène ne souffre aucune innovation ». L’aspect théâtral de l’audience est renforcé par la présence de journalistes et d’un public nombreux dans la salle ainsi que par le défilé à la barre des témoins de diverses personnalités du cinéma italien comme Federico Fellini ou Laura Betti qui se sont mobilisés en faveur du comédien français. Le procès lui donne également l’occasion d’exprimer tout son mépris à l’égard les magistrats : « J’ai compris qu’ils étaient morts de rendre la justice, d’en être les instruments ». Il poursuit : « La plus grande douleur c’est de penser qu’ils passent leurs journées à filer des quatre ans, des cinq ans de taule, à expédier des dizaines de mecs en prison, et que le soir, chez eux, ils n’ont pas envie de dégueuler ». Les saillies de Clémenti contre l’institution judiciaire ne sont guère originales dans la mesure où les critiques contre le magistrat sans cœur ont toujours été très répandues dans l’opinion publique. Mais, Pierre Clémenti sans doute emporté par sa révolte se trompe de cible et fait peser à tort sur les juges un mécontentement qui résulte en fait du fonctionnement même de la justice. En revanche, il apprécie les plaidoiries des avocats : « J’admire les avocats d’essayer de ranimer ces zombies, de s’obstiner à leur insuffler un peu de vie, un peu de chaleur, à leur redonner quelque chose d’humain ».

A travers ce court récit, se dessine en creux le portrait d’un acteur idéaliste, contestataire, insoumis et généreux, attachant jusque dans ses excès et ses contradictions nous offrant tout de même une belle leçon de vie : « Etre chaque fois le débutant ouvert à toutes les découvertes, ne pas (se) laisser enfermer dans un style d’habitudes (… ). Pour moi créer c’est faire tout ce que l’on fait comme pour la première fois ».

 Me Alexandre SOLER

Avocat au barreau de Toulouse

CENSURE ET CINEMA, Vèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés (29 et 30 juin 2012) : appel à contributions

Résumé 

La cinquième édition des rencontres « Droit et cinéma : regards croisés », organisées depuis 2008 pendant le Festival international du film de La Rochelle, sera consacrée au thème de la censure dans le septième art. Nous tenterons par une approche interdisciplinaire (juridique, économique, historique, littéraire et cinématographique) d'analyser la censure dans ses multiples formes.

Argumentaire 

La censure consiste, la plupart du temps, en une intervention étatique dans le champ de la production culturelle, à l'instar de la France où le cinéma est une politique publique révélant une activité contrôlée au niveau national par un système de visas, de classifications et de soutiens multiples - à la création, la production, la distribution, la diffusion et la promotion des œuvres cinématographiques - et localement avec l'utilisation des pouvoirs de police par le maire en cas de troubles à l'ordre public sous le contrôle du juge administratif.

Elle peut être exercée, suivant les époques et les pays, sous l’influence d’un parti politique (comme ce fut le cas en URSS sous Staline ou sous Brejnev), d’une religion (en Iran depuis la révolution islamique de 1979) ou de groupes religieux (se livrant à des actions violentes ou saisissant les juridictions), de l'industrie cinématographique elle-même (avec l'adoption par les majors américaines du Code Hays en 1934 amenant les scénaristes, réalisateurs et producteurs à s'autocensurer en  matière de morale et de bonnes mœurs pendant près de 40 ans) ou du marché, empêchant toute production d'un film ou imposant ses vues, comme dans le processus de coproduction mis en place par les chaînes de télévision, voire réduisant à néant ses chances de distribution en salles.

Le colloque envisagé a une dimension plurielle. Il a ainsi pour ambition de retracer l'historique des censures, celles-ci étant concomitantes à la naissance du cinéma, et de dessiner les contours juridiques, économiques et esthétiques des processus de censure dans les cinématographies nationales.

Si les modalités de censure varient d'une époque ou d'un continent à l'autre - la politique culturelle iranienne encourageant la production cinématographique malgré la multiplicité des contrôles institués -, les motifs d’ire pour les censeurs semblent souvent identiques : les institutions, la religion, la violence (physique ou verbale) et le sexe, cet ensemble traduisant l'ordre moral et politique dominant d'une société donnée.

Quelles attitudes adoptent les scénaristes, réalisateurs, producteurs et distributeurs des films objet de polémiques ? Participent-ils de cette entreprise de censure, en acceptant que quelques dialogues soient réécrits, quelques scènes coupées, refusant la projection d'un film sur un territoire ou révélant une inventivité artistique, afin d'en contourner les interdits ?

Le corpus à étudier étant constitué des films traitant de la censure et/ ou objets de toutes les censures – qu'ils soient de fiction ou documentaires -, les communications s’inscriront naturellement dans toute l’histoire cinématographique et s’intéresseront à toutes les cinématographies nationales, sans exclusive.

Les sentiers de la gloire (S. Kubrick, 1957)

Bibliographie indicative

• Raymond DEPARDON, L’être photographe. Entretiens avec Christian Caujolle, Ed. de l’Aube, 2007.
• Agnès DEVICTOR, Politique du cinéma iranien. De l'âyatollâh Khomeyni au président Khâtami, CNRS Ed., 2004.
• Jean-Luc DOUIN, Dictionnaire de la censure au cinéma. Images interdites, PUF, 2001.
• Laurent GARREAU, Archives secrètes du cinéma français 1945-1975, PUF, 2009.
• Martine GODET, « Image et censure dans l'URSS de Brejnev : des contre-exemples », Champs visuels (11) oct. 1998, « L'image empêchée. Du côté de la censure ».
• Marie-Thérèse JOURNOT, Le vocabulaire du cinéma, Nathan, 2002.
• Pascal KAMINA, Droit du cinéma, Lexis Nexis, 2011
• Natacha LAURENT, L'œil du Kremlin. Cinéma et censure en URSS sous Staline (1928-1953), Ed. Privat, 2000.
• Jacques LEFEBVRE, « Les sentiers de la gloire », Cinémaction (103), « 50 films qui ont fait scandale », 2002.
• Myriam TSIKOUNAS, « Le cuirassé Potemkine », Cinémaction (103), « 50 films qui ont fait scandale », 2002.
• Moshe ZIMMERMAN, « De plein gré et avec plaisir. La censure et le cinéma israélien »,  Champs visuels (11) oct. 1998, « L'image empêchée. Du côté de la censure ».

La dernière tentation du Christ (M. Scorsese, 1988)

Cas significatifs

• Interdictions municipales du Pull-over rouge de Michel Drach (France, 1979), de Je vous salue Marie de Jean-Luc Godard ((France, Suisse, 1984), de La dernière tentation du Christ/ The Last Temptation of Christ de Martin Scorses (E.-U, 1988) ou de Roberto Succo de Cédric Kahn (France, 2001).
• Interventions du Conseil d’Etat à l'exemple de Baise-moi de Virginie Despentes et Coralie Trinh-Thi (France, 2000) dont le Conseil d'Etat censura la décision du ministre de la Culture de l'interdire aux moins de 16 ans assorti pourtant d'un avertissement « Ce film, qui enchaîne sans interruption des scènes de sexe d'une cruauté appuyée et des images d'une particulière violence, peut profondément perturber certains des spectateurs » aboutissant à l'adoption du décret du 12 juillet 2001 interdisant le film aux moins de 18 ans, sans pour autant l'inscrire sur les listes prévues aux articles 11 et 12 de la loi n° 75-1278 du 30 décembre 1975 (classement X) ; mais aussi d'Antichrist de Lars Von Trier (France, Italie, Pologne, Danemark, Suède et Allemagne, 2008) dont le visa d'exploitation du ministre de la Culture interdisant le film aux mineurs de moins de 16 ans a été contesté devant le Conseil d'Etat et annulé pour insuffisance de motivation : CE, 25 novembre 2009, Asso. Promouvoir, Asso. Action pour la dignité humaine, req. n° 328677 et 328769, avant une nouvelle décision ministérielle identique sur le fond mais davantage motivée quant à la forme.
• Censure politique à l'exemple du Cuirassé Potemkine de Sergueï Mikhaïlovitch Eisenstein et Grigori Alexandrov, (URSS, 1925) interdit, au motif de sa propagande, pendant un quart de siècle en France, Royaume-Uni, Italie et au Japon ou distribué dans une version abrégée aux Etats-Unis, Pays-Bas, en Finlande et en Suède. V. De même Valéry Giscard d'Estaing, bien qu'ayant financé la production de la première partie de 50,81% de Raymond Depardon du temps où il était candidat, et proclamé la fin de la censure politique une fois devenu président de la République, s'opposa personnellement à la sortie du film pendant près de trente ans. Sur les péripéties de 1974, Une partie de campagne de Raymond DEPARDON (France, 2000).
• Censures morales : l'affiche et le film Baby Doll d’Elia Kazan (E.-U., 1956) furent interdits par les ligues de décence et le cardinal Spellman, la jeune femme en nuisette dans un lit-cage d’enfant suçant son pouce lui permettant d’y voir « une fellation digitale très marquée », cité par Jean-Luc DOUIN, 2001, p. 45.
• Censure pour motif religieux dont Suzanne Simontin ou La religieuse de Jacques Rivette (France, 1966) constitue l'archétype.
• Censure pour motif de violence physique (les films violents et d’horreur par exemple sont censurés à certains égards : les films de Gaspar Noé, tous interdits au moins de 16 ans ; ou bien les films de zombies) ou verbale (classement aux Etats-Unis du film Les Choristes, interdisant le film aux moins de 13 ans en raison de la grossièreté du vocabulaire des adolescents).
• Acceptations ou détournements de la censure : L'Auberge rouge de Claude Autant-Lara vit le scénario de Jean Aurenche réécrit sur quelques phrases prononcées par le moine. De « Qu'est-ce qu'un gendarme... Rien... un grain de poussière (…) Deux grains de poussière... », la censure proposa « Qu'est-ce que c'est, un gendarme, dans l'immense, dans le gigantesque appareil de la société ! Le gendarme, il ne fait qu'arrêter les personnes », proposition acceptée par le producteur (Laurent GARREAU, 2000, p. 102-103). C'est le cas de la scène de l'entonnoir dans Le deuxième souffle de Jean-Pierre MELVILLE qui a été coupée par le réalisateur sur suggestion du président de la commission de contrôle des films cinématographiques. Comme l'absence de demande de visa d'exploitation en France pour Les sentiers de la gloire/ Paths of Glory de Stanley Kubrick (E.-U., 1958) et la décision du même réalisateur du retrait d'Orange mécanique (E.-U., 1958) des écrans anglais à la suite de plusieurs meurtres et d'une violente campagne de presse. 

Baise-moi (V. Despentes, C. Trinh Thi)

Calendrier

Les propositions de communications devront comporter :

• 6 000 signes maximum ;
• le titre de la communication, sa problématique, le corpus filmique ;
• une petite notice biographique du contributeur ;

et être transmises avant le 1er mars 2012 aux adresses des trois organisatrices.

• Magalie Flores-Lonjou, mflores@univ-lr.fr
• Eve Lamendour,  eve.lamendour@univ-lr.fr
• Stéphanie Peltier, stephanie.peltier@univ-lr.fr

La liste des propositions retenues par le comité scientifique sera communiquée le 20 avril 2012.

Le colloque se tiendra à La Rochelle les 29 et 30 juin 2012.

Comité scientifique

• Danièle André, maître de conférences en civilisation et culture populaire nord-américaines, Centre de Recherches en Histoire Internationale et Atlantique (CRHIA), Université de La Rochelle
• Xavier Daverat, professeur de droit privé, Université Montesquieu Bordeaux IV
• Lucile Desmoulins, maître de conférences en sciences de l'information et de la communication, CNAM DICEN EA 4420, Université Paris Est Marne-la-Vallée IFIS
• Lionel Miniato, maître de conférences en droit privé et sciences criminelles au Centre universitaire Jean-François Champollion, Institut de droit privé de l’Université de Toulouse I Capitole.
• Jean-Marie Tixier, maître de conférences en littérature et cinéma, Université Montesquieu Bordeaux IV

Comité d'organisation

• Magalie Flores-Lonjou, maître de conférences en droit public, Université de La Rochelle, CEREGE LR-MOS, mflores@univ-lr.fr
• Eve Lamendour, maître de conférences en sciences de gestion,  Université de La Rochelle, CEREGE LR-MOS, LEMNA,  eve.lamendour@univ-lr.fr
• Stéphanie Peltier, maître de conférences en sciences de gestion, Université de La Rochelle, CEREGE LR-MOS, stephanie.peltier@univ-lr.fr

 

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Pour citer cette annonce

« Censure et cinéma », Appel à contribution, Calenda, publié le mardi 29 novembre 2011, http://calenda.revues.org/nouvelle21896.html

Il est bien joli LE COCHON DE GAZA de Sylvain Estibal (France, Belgique, Allemagne, 2011)

Il est bien joli Le cochon de Gaza qui, remonté des profondeurs de la mer méditerranée grâce au filet providentiel d’un pauvre pêcheur palestinien, empoisonne le quotidien de Jaffa son sauveur.

Il est bien joli Le cochon de Gaza qui, renvoyant dos à dos israéliens, palestiniens, religieux et forces onusiennes, enrichit l’ordinaire de Jaffa grâce au trafic de semence de porc soutirée au moyen  de gants Mapa et force Viagra. Moments d’une intense jubilation ! La caméra de Sylvain Estibal nous conduit des quais appauvris de Gaza au grillage de la colonie israélienne et nous plonge dans les tribulations ubuesques d’un porc impur, hissé au rang de champion reproducteur permettant aux truies juives de mettre bas de petits pourceaux futurs  renifleurs de bombes palestiniennes.

Il est bien joli Le cochon de Gaza qui, équipé de chaussettes rayées bleu et rose lui évitant de souiller de ses pattes impures le sol israélo-palestinien, nous dit toute l’absurdité d’un conflit opposant deux peuples que tout devrait unir. Dans une facture plus classique nous pensons aux excellents documentaires de Simone Bitton, Rachel et Le Mur, ou encore à la très sensible fiction Les citronniers de Eran Ricklis (sur ce films voir nos précédents billets du 6 avril 2010 et 1er juin 2010).

Il y a de la parabole dans ce cochon de Gaza. Et l’on pense à la scène finale où le retour du porc impur et des fugitifs est fêté tel celui du fils prodigue de la Bible. Il y a de la Bible dans Le cochon de Gaza  mais il n’y a pas que cela. Il y a du Buster Keaton, il y a du Jacques Tati, il y a surtout une manière charmante de dire qu’il est toujours loisible de traiter gaiement des sujets graves car, s’il est bien joli, il ne tombe jamais dans la cynique dérision Le cochon de Gaza.

Comment alors ne pas rapprocher le film de Sylvain Estibal de celui de R. Benigni La Vita e Bella  (La Vie est belle, 1998) ou de celui de R. Mihailenu, Train de vie (1998) ? Une occasion de se plonger  ou replonger dans quelques lectures sur le Cinéma et la Shoah (www.cineclubdecaen.com/analyse/livres/cinemaetlashoah.htm).

 

Travail, droit et cinéma (La Rochelle, 2009) : "Filmer le travail, ou les limites de la caméra", par C. Pozzo di Borgo, réalisatrice

Suite de la diffusion des IIèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés,  avec la communication de la réalisatrice C. Pozzo di Borgo : "Filmer le travail, ou les limites de la caméra".

Réal. Ch. Bessaguet, F. Charneau (@ctice, Université de La Rochelle)

CARANCHO ou l’avocat corrompu (Pablo Trapero, Argentine, 2010)

Sirènes incessantes, flashs noir et blanc d’accidents de la route, telle est l’entrée en matière de Carancho. Connue pour l’insécurité routière qui y règne - en témoigne l’annonce du réalisateur : 22 morts par jour, 683 par mois, 8000 par an ou les conseils avisés donnés aux voyageurs par le ministère des Affaires étrangères (http://www.diplomatie.gouv.fr/fr/conseils-aux-voyageurs_909/pays_12191/argentine_12200/index.html)  -, l’Argentine connaît chaque année des milliers de morts sur les routes, Buenos Aires étant particulièrement concernée.

Le réalisateur Pablo Trapero vient dénoncer, sans retenue, cette insécurité et ce qu’elle génère de violence, de corruption et d’exploitation de la souffrance. Suspendu pour des raisons que le spectateur ignore, Sosa est un avocat qui connaît le luxe de ne jamais manquer de clients. A l’affût de victimes d’accidents de la circulation, il n’hésite pas à user de manipulations verbales, de mises en scène aux conséquences imprévues et funestes, les hôpitaux et les axes routiers étant son terrain de chasse. Sosa est un carancho, un charognard qui, à l’image de cet oiseau se nourrissant d’animaux renversés le long des routes, exploite le malheur des hommes pour en faire une seconde fois des victimes, celles de la corruption.

Les premières images laissent cependant le spectateur en eaux troubles sur la véritable nature de cet avocat corrompu. Jouissant d’un certain charme, Sosa - incarné par Ricardo Darin (Dans ses yeux de Juan José Campanella, Espagne/ Argentine, 2009) - est dépeint par un ambulancier comme une sorte “d’assistante sociale” particulièrement actif auprès des assurances dont les indemnisations bénéficieraient à ses clients. Mais rapidement, c’est une société dominée par la corruption qui s’offre aux spectateurs. Notre assistant social travaille ainsi pour une organisation au nom évocateur “la fondation” qui se donne pour mission de récupérer les indemnisations des victimes et surtout de se les approprier avec la collaboration de la police et des hôpitaux. Généralisée et institutionnalisée, la corruption s’insinue partout et avec elle la violence qu’elle engendre - et qui finira par mener Sosa à sa perte -.

Face à cette noirceur - de la réalité dénoncée mais aussi la succession des nuits sans autre lumière que celle des gyrophares et des hôpitaux -, le spectateur est à l’affût de la moindre parcelle de moralité chez notre héros. Et si le décès d’un ami en mal d’argent dont il avait organisé l’accident provoque chez lui un sursaut, ce n’est que pour mieux déclencher une nouvelle escalade. C’est pourtant dans cette atmosphère des plus sombres que notre avocat tombe sous le charme de la jeune et fragile Lujan - interprétée par Martina Gusman -, médecin urgentiste en charge des accidentés. Seule et soumise à un rythme de travail effréné qu’elle supporte grâce à la drogue, elle joue - comme Sosa - en permanence avec les limites. Si cette rencontre donne l’espoir d’un changement, d’une rédemption, elle s’avère incapable d’exfiltrer les deux amoureux de la voie dans laquelle ils se sont engagés, tant leur amour participe de leur déchéance. Leur fragilité et leurs travers les engloutissent peu à peu, dans un enchaînement irrémédiable : aux menaces exercées sur Lujan par la fondation, Sosa répond par le meurtre d’une rare violence d’un de ses sbires pour ensuite administrer à sa bien-aimée la drogue destinée à la calmer. Aucune issue ne semble possible. Et le plan imaginé par Sosa pour prendre la fondation à son propre jeu n’est qu’un pas supplémentaire vers leur décadence, le chemin de ces amants déchus s’achevant là où tout a commencé, sur les routes accidentées de Buenos Aires.

Carancho n’est pas le premier film où Pablo Trapero porte un regard critique sur la société argentine. Déjà dans Leonora (Argentine, 2008) http://www.allocine.fr/film/fichefilm_gen_cfilm=135802.html), il abordait la situation des mères en prison au travers de Julia - à nouveau incarnée avec justesse par Martina Gusman, épouse du réalisateur -, incarcérée dans l’attente de son procès ou dans El Bonaerense (Argentine/ Chili, 2002)  révélant les petits arrangements avec la législation des services de police. Regard critique qui n’est pas sans impact politique puisque ses films ont permis des évolutions de la législation en matière pénitentiaire et de lutte contre la corruption (http://www.lemonde.fr/cinema/article/2011/02/01/les-films-de-pablo-trapero-ont-un-impact-sur-la-societe-en-argentine_1473549_3476.html).

Maeva Bordignon

 

L'espace mythique du cinéma américain par Xavier Daverat, Le Mas d'Azil, salle multimédia, 10-12 novembre 2011

Hors les murailles de La Rochelle, les aventures cinématographico-politiques se poursuivent ...

Programme

Jeudi 10 novembre :

18h : ouverture

19h 30 : apéritif offert par la municipalité du Mas d'Azil

21h : film (DVD) : Jeremiah Johnson de Sydney Pollack, suivi d'une discussion

Vendredi 11 novembre

11h-13h : "S'ensauvager : à propos de Jeremiah Johnson"  - analyse du film

15h-17h30 : Conférence/étude : "Je ne sortirai jamais de ce monde vivant : itinéraires du road movie"

20h : film (DVD) : Point limite zéro (Vanishing point) de Richard Sarafian, suivi d'une discussion

Samedi 12 novembre :

11h-13h : "Le temps de vivre et le temps de mourir : à partir de Vanishing point" - analyse du film

15h-17h30 : Conférence/étude : "Pourquoi les brigands sont-ils bien aimés ?"

20h : Soirée de clotûre : conclusion des journées , présentation du film, projection (à 21h) de La balade sauvage (Badlands) de Terrence Malick, suivi d'une discussion

 

ESCALES DOCUMENTAIRES, La Rochelle, 8-13 novembre 2011

"Pour sa onzième édition, le Festival Escales Documentaires de La Rochelle vous emmène à la rencontre du réalisateur oscarisé pour son film « Un coupable idéal » : Jean-Xavier De Lestrade. En vingt ans, il est devenu une référence incontournable du documentaire.

Reconnu internationalement, il aborde des sujets variés qui traitent de la société, de ses tabous et des dérapages de la mécanique judiciaire. Parallèlement, une thématique abordera le fait divers et son traitement par les auteurs documentaristes".

Consulter le catalogue du Festival 2011

  

Un coupable idéal

 

Parcours meurtrier d'une mère ordinaire. L'affaire Courjault

 

The staircase (Soupçons)

POLISSE de Maïwenn (France, 2011) : Un film, Trois points de vue

Rares sont les films ne présentant aucun intérêt. A cet égard Polisse offre le mérite de retracer, à travers le quotidien de la Brigade de Protection des Mineurs (http://www.infos-police.com/t4012-la-brigade-de-protection-des-mineurs), les enjeux juridiques, sociaux et humains de la maltraitance que la société contemporaine réserve aux enfants.

Et justement c’est dans le parti pris de réalisation que l’on peut ne pas suivre Maïwenn Le Besco (Pardonnez-moi, 2006 ; Le Bal des actrices, 2009).

Aucun aspect de flic mal dans sa peau n’est épargné : dépression, surpression, anorexie, situations personnelles délétères, divorces, interrogatoires ubuesques, jusqu’au suicide final vendu dès les premières images et à propos duquel les deux seules questions reposent sur la double interrogation lancinante : qui et quand ? Etait-ce nécessaire ?

Aucun poncif sur le monde policier n’est épargné : entre le commandant de la brigade, grande gueule (surjoué par Frédéric Pierro), la beurette qui ne supporte pas le machisme des arabes, l’alcoolique ou les alcooliques qui ne s’admettent pas tels, le fort en thème au langage châtié « ostracisé » par des collègues pour lesquels le vocabulaire quotidien se résume à un mélange d’onomatopées et de chapelets d’horreurs, sans oublier bien sûr, le commissaire peu versé sur les misères d’un vain peuple, sur les difficultés de sa brigade et dont les seules interventions consistent à protéger les bourgeois inquiétés. Etait-ce nécessaire ?

Toutes les  hypothèses de maltraitance à enfant : viol, prostitution, actes de pédophilie divers - et diable que l’imagination humaine est sans borne à cet égard -, abandon, sont inventoriées, presque numérotées, par la jeune réalisatrice avec ce que le spectateur peut ressentir comme un brin de complaisance.  Etait-ce nécessaire ?

Enfin, Maïwenn Le Besco s’aime, elle ne nous le laisse pas ignorer. Elle aime son regard sur ses sujets puisqu’elle se filme dans le film ; dans le rôle de la photographe innocente chargée par le ministère de l’Intérieur de réaliser un reportage dans et sur cette brigade. Elle aime l’espace de pureté dont  son regard illumine un monde de brutes ; et nous savons depuis le début que l’hostilité de Joey Starr ne peut que se transformer en torride passion. Elle aime le regard qu’elle porte sur elle-même en témoignent les nombreuse prise de vue la concernant. Etait-ce nécessaire ?

Nous aurions tendance à répondre oui, tant il apparaît que ce film n’est pas un film sur la BPM, instrumentalisée par la réalisatrice ; mais instrumentalisée au service d’une cause  sans doute nécessaire : le règlement de comptes avec  un passé d’enfant battue dont elle ne se cache pas.  Il n’empêche que l’on peut sortir de ce film déçu, déçu de constater que l’on peut passer avec les meilleures intentions du monde à côté d’un vrai sujet.

Occasion de se ruer à l’assaut des rayonnages de sa « dévédéthèque » à la recherche de L.627 (1992) et revoir la manière dont Bertrand Tavernier filmait le quotidien d’une brigade des stups !

 

Attouchements, viols, violences, provocation de mineurs à commettre des infractions... tel est le quotidien de la Brigade de Protection des Mineurs (BPM) dans lequel Polisse plonge le spectateur. Sans aucune retenue, la réalisatrice, à l’image de la photographe qu’elle incarne, observe une équipe d’enquêteurs écorchés et incompris confrontés aux actes les plus intolérables. Polisse est d’abord un témoignage des difficultés rencontrées par les policiers dans leur travail, travail qui finit toujours par envahir la vie privée : dans leurs rapports avec leurs propres enfants, leur corps, leurs relations amoureuses souvent dissolues où une question des plus banale “Et ta journée ?” risque de finir en pugilat pour savoir qui de l’un ou l’autre exerce le métier le plus utile et difficile.

Par son sujet, le film symbolise ensuite l’intérêt politico-médiatique pour le contentieux des infractions sexuelles. Or, il s’inscrit à ce titre dans un contexte juridique marqué par la multiplication des lois relatives aux mineurs. En effet, alors que la justice des mineurs délinquants est en pleine évolution (Voir notamment la loi du 10 août 2011 sur la participation des citoyens au fonctionnement de la justice pénale et le jugement des mineurs), celle des mineurs victimes est aussi l’objet d’une attention constante. Soucieux de la protection des mineurs, le législateur a créé en 1998, à côté des infractions pénales et circonstances aggravantes liées à la minorité, un titre particulier intitulé “De la procédure applicable aux infractions de nature sexuelle et de la protection des mineurs victimes” (art. 706-47 à 706-53 du Code de procédure pénale). Modifiée à plusieurs reprises, cette procédure spécifique octroie au juge et aux policiers des prérogatives concernant tant l’auteur de l’infraction (expertise médicale obligatoire, possibilité d’injonction de soins et d’examen médical pour détecter une maladie sexuellement transmissible, participation à des échanges électroniques lorsque l’infraction est commise via l’internet) que les victimes mineures (faculté d’ordonner une expertise médico-psychologique, information du juge des enfants déjà saisie d’une procédure d’assistance éducative, désignation d’un administrateur ad hoc, enregistrement audiovisuel de son audition, présence obligatoire d’un avocat lorsque le mineur est entendu par le juge d’instruction, présence d’un médecin ou psychologue lors des auditions). Mais cet intérêt favorise aussi le foisonnement de lois dont la cohérence et la portée (normative) sont discutées. Ainsi de la loi du 8 février 2010 tendant à inscrire l'inceste commis sur les mineurs dans le Code pénal et à améliorer la détection et la prise en charge des victimes d'actes incestueux, dont les apports furent plus symboliques que juridiques (V. A. Lepage. JCP. 2010. I. 335. Réflexions sur l’introduction de l’inceste dans le Code pénal), et dont l’une des dispositions vient d’être abrogée par le Conseil Constitutionnel. Saisi d’une question prioritaire de constitutionnalité à propos de l’art. 222-31-1 du Code pénal, celui-ci a considéré que le texte n’était pas assez précis quant aux personnes devant être regardées comme membres de la famille, et ce en violation du principe de légalité criminelle (http://www.conseil-constitutionnel.fr/conseil-constitutionnel/francais/les-decisions/acces-par-date/decisions-depuis-1959/2011/2011-163-qpc/decision-n-2011-163-qpc-du-16-septembre-2011.99681.html).

Sentiment de répulsion, de colère face à un père provocateur revendiquant ses relations avec sa fille et protégé par l’élite politique ; d’incompréhension face à une mère abusive inconsciente de la portée de ses gestes ; d’impuissance face aux pleurs d’un enfant séparé de sa mère faute d’hébergement adéquat mais aussi face à celles d’un homme pris sur le fait et avouant ses actes ; voilà ce que provoquent les infractions sexuelles commises à l’encontre des mineurs. La violence des images et des mots, le spectateur pouvait s’y attendre et d’ailleurs, la réalisatrice ne cache et ne suggère rien. Mais à vouloir tout montrer et tout dire par une succession de scènes toujours plus choquantes, l’on reste avec le sentiment qu’il manque quelque chose. A l’image d’un patchwork, le quotidien de la brigade se mêle à celui de la vie privée de certains enquêteurs mais aucun fil directeur, vision d’ensemble, ne semble émerger (http://www.lemonde.fr/festival-de-cannes/article/2011/04/14/polisse-de-maiwenn_1507849_766360.html). Certes le film se focalise sur les enquêteurs de la BPM mais nous ne saurons rien de leur façon concrète d’enquêter – le spectateur n’assiste en effet qu’aux opérations coup de poing et aux interrogatoires - ni des rapports qu’ils entretiennent avec les magistrats qui exercent pourtant un contrôle sur les enquêtes. La diversité des enquêteurs semble alors répondre à cette volonté de tout montrer. Personne n’est oublié : du policier écorché vif qui s’identifie aux victimes (Fred) à l’enquêtrice anorexique qui ne digère pas son travail (Iris), de la policière homosexuelle à la musulmane expliquant le Coran à un père musulman abusif, du chef d’équipe paternel au supérieur hiérarchique borné, empêtré dans une logique gestionnaire et soumis aux influences des élites politiques.

Si certaines scènes sont poignantes par l’authenticité qu’elles dégagent - tels les cris de cet enfant laissé à la police par sa mère sans abris  - d’autres n’ajoutent rien au film qui aurait gagné à user de plus de subtilité - ainsi du suicide d’Iris qui marque le point final du film. Enfin, certaines scènes sont troublantes tant elles semblent révéler un manque de psychologie des enquêteurs. Ainsi, du grand-père interrogé en présence de sa petite fille sur laquelle il aurait commis des attouchements mais aussi des répliques lancées par les policiers tel que “Soit tu nous dis qui t’exploite, soit tu dis rien et dans un an comme t’es plutôt mignonne, ils te foutent sur le trottoir, tu fais la pute”. Ou plus étonnant encore les interrogatoires des mineurs sans la présence d’un adulte quel qu’il soit (parents, médecin ou administrateur ad hoc). Quant aux acteurs, divers à l’image des personnages qu’ils incarnent, s’il ne fallait en retenir qu’un(e), il s’agirait de Marina Foïs qui réussit le mieux à donner à son personnage, Iris, toute son authenticité douloureuse.

Maeva Bordignon

A en croire les bandes annonces, le dernier film de Maïwenn, Polisse, prix du jury au dernier festival de Cannes, devait nous transporter dans l'univers de la Brigade de Protection des Mineurs et ses combats quotidiens pour la protection de l'enfance.

Oui mais voilà, cette prétendue immersion se révèle, progressivement, n'être qu'une suite d'énumérations de toutes les atrocités qui peuvent être commises envers un mineur. Or, ce que laisse entendre la présentation du film, ce qui nous pousse à en savoir plus et ainsi aller s'asseoir dans la salle obscure, est moins l'attente d'une présentation de toutes les brutalités existantes et commises à l'encontre d'enfants, que l'espoir d'obtenir une réponse quant à la situation de ces victimes et à leur avenir.

Las, cette aspiration n'est pas comblée à l'issue de la projection ; certes, on y voit des enfants, maltraités, abusés, violés ; certes, on y voit  certains interrogatoires d'auteurs présumés, dont on ne parvient cependant pas à savoir si quelque chose doit véritablement leur être reproché.

Et ces enfants victimes, en principe au cœur du sujet du film, paraissent n'être là qu'à titre « d'accessoires » de la vie d'une brigade policière dont les membres semblent autant, voire parfois plus que les enfants, victimes, notamment d'eux-mêmes.

Aucun enseignement significatif ne peut être tiré de ce film ; à moins d'imaginer que certaines personnes n'ont jamais eu connaissance de violences faites aux mineurs, et dans ce cas, ce catalogue quasi-exhaustif de tous les actes abominables envisageables à l'encontre de ces derniers peut être un moyen comme un autre de sensibiliser un tel public non averti. Mais les journaux, notamment télévisés, ne sont pas avares lorsqu'il s'agit d'évoquer ce genre de brutalité, ce qui rend caduque cette hypothèse.

Peut-être peut-on se consoler, pour les plus novices d'entre nous, d'un enrichissement non négligeable de notre vocabulaire, grâce aux verbes d'une effrayante vulgarité qui scandent le film comme un mauvais fond sonore. Piètre satisfaction à dire vrai, et il n'y a plus qu'à se résigner à l'issue de cette projection à la présentation prometteuse mais au contenu plus controversé...

Bérangère Exposito, Etudiante à la Faculté de Droit de la Rochelle

 

UN WEEK-END DANS LES MAISONS CLOSES : « Femmes de la nuit : images de la prostituée au cinéma », stage animé par Alain Bergala les 8 et 9 octobre 2011 à La Rochelle

 Rituel annuel nous permettant de retrouver à l’automne ou en hiver les analyses cinématographico-biographico-littéraires d’Alain Bergala, maître de conférences en cinéma à l’Université Paris III, chargé de cours à la FEMIS, critique, réalisateur et ancien rédacteur en chef des Cahiers du cinéma que nous avions accueilli lors des IIIèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés consacrées à « L’enfant, le droit et le cinéma » en 2010 :

http://droit-gestion.univ-larochelle.fr/Colloque-Droit-et-Cinema-Regards,256.html

Après « Les films testaments », « La jeune fille au cinéma » ou « L’enfance au cinéma », Alain Bergala et Edith Périn, responsable cinéma à La Coursive, ont profité de la sortie de L’Apollonide, Souvenirs de la maison close de Bertrand Bonello (France, 2011) pour nous entretenir de la figure de la prostituée.

 

Tout au long du XXème siècle nombre de cinéastes se sont essayés au genre après que les romanciers (Balzac, Dostoïevski, Flaubert, Zola…), les nouvellistes (Maupassant), les poètes (Baudelaire, Hugo, Rimbaud) et les peintres (Courbet, Toulouse-Lautrec) de la fin du XIXème siècle ont promené leurs plumes et pinceaux dans ces lieux dits de plaisir.

Cette visite cinématographique des maisons closes nous a conduits de La Maison Tellier de Max Ophuls (extrait du Plaisir, France, 1952) à La Viaccia de Mauro Bolognini (Italie, 1961) en passant par Vivre sa vie de Jean-Luc Godard (France, 1962), L’Apollonide, souvenirs de la maison close de Bertrand Bonello et Les femmes de la nuit/ Toru no onnatachi de Kenji Mizoguchi (Japon, 1948).

Du muet - Nana de Renoir (France, 1926) ou Journal d’une fille perdue de Pabst (Allemagne, 1929) - au XXIème siècle, le cinéma a fait sien ce corps féminin livré à la concupiscence masculine, certaines cinématographies nationales s'y consacrant (comme le pan-pan mono, genre national nippon d’après-guerre).

Point de mythologie dans les films projetés, pas de prostituée au grand cœur comme dans les films américains - Autant en emporte le vent/ Gone With the Wind de Victor Fleming (E.-U., 1939), Irma la douce de Billy Wilder (E.-U., 1963) ou Pretty Woman de Garry Marshall (E.-U., 1990) -, ou de personnage pittoresque à la gouaille généreuse comme dans les films français d’après-guerre - Dédée d’Anvers d’Yves Allégret (France, 1948) ou Casque d’or de Jacques Becker (France, 1952) -, mais une analyse politique : la sexualité tarifée comme métaphore du capitalisme, à travers les figures des clients/ possédants et des prostituées/ opprimées. Habituée des salles obscures la prostituée évolue dans un microcosme éloigné de la vie sociale et pourtant révélateur des dysfonctionnements sociaux.

Ainsi Mizoguchi nous révéle la crise économique et morale du Japon d’après-guerre – incarnée par des hommes voleur, menteur, cynique ou dealer - où des jeunes filles sont vendues par leur famille pour apprendre le métier de geisha, ou de prostituée si leurs aptitudes aux arts est moindre, tout en étant soumises toute leur vie à un système de dettes à racheter, sans possibilité de quitter le lieu, contrairement aux Fleurs de Shangaï/ Hai shang hua d’Hou Hsiao Hsien (Chine, 1998). Quant à Bertrand Bonello, il évoque - bien avant la loi Marthe Richard du 13 avril 1946 tendant à la fermeture des maisons de tolérance et au renforcement de la lutte contre le proxénétisme - la dégradation du système des maisons de tolérance et des prostituées victimes de clients (violences, syphilis).

(http://www.lemonde.fr/old-societe/article/2006/04/13/il-y-a-soixante-ans-la-france-fermait-ses-maisons-closes_761129_3226.html)

Pour autant les figures imposées de la prostitution ne sont pas absentes des films étudiés. De la tenancière de maison close, partagée entre l’attitude maternelle de Madame Tellier

ou de la patronne de La Viaccia, et la rentabilité de la petite entreprise L’Apollonide à laquelle Marie-France (excellente Noémie Lvovsky) doit faire face, en passant par la prostituée occasionnelle - Vivre sa vie - ou soumise à un souteneur. Des corps féminins s’exposent sous des habits plus ou moins rutilants, des maquillages, des porte-cigarettes dans des salons cossus destinés à accueillir les bourgeois. Des filles - la prostitution masculine n’étant qu’à peine évoquée au détour d’une conversation, peu de films s’y référant à l’exception de Macadam Cowboy/ Midnight Cowboy de John Schlesinger (E.-U., 1969), American Gigolo de Paul Schrader (E.-U., 1980), My Own Private Idaho de Gus Van Sant (E.-U., 1991) ou J’embrasse pas d’André Téchiné (France, 1991) - oscillant entre solidarité féminine dans les maisons et individualisme de la prostitution parisienne du XXIème siècle sur les boulevards périphériques dans L’Apollonide au risque du délit de racolage passif

 

http://www.legifrance.gouv.fr/affichCodeArticle.do?cidTexte=LEGITEXT000006070719&idArticle=LEGIARTI000006417875&dateTexte=20110830, voire de l’extrême violence dont elles sont capables entre elles dans Les femmes de la nuit. Des hommes à la recherche d’un peu de chaleur humaine (le vieux client de La Viaccia) ou de détente extraconjugale (La Maison Tellier) et leur typologie de filles rousse, brune, blonde, juive, boulotte, mais partout traités comme des personnages secondaires, la plupart sans identité, car dotés de fantasmes convenus comme s’amuse à les exposer Buňuel dans Belle de jour (France/ Italie, 1966).

Seules exceptions : la scène du rêve de la bague, des larmes et de la blessure occasionnée par le client masqué, scène puzzle de L’Apollonide, et l’exposition de la femme qui rit dans un salon XVIIIème où sa monstruosité devient une valeur dans les jeux sexuels en partie ordonnancés par des femmes, comme un écho à La Vénus noire d’Abdellatif Kechiche (France, 2009).

Des lieux clos découpés en différentes zones - un rez-de-chaussée dédié aux commerces, un premier étage de chambres livré au stupre et des étages supérieurs réservés aux femmes domestiquées - évoquant l’usage architectural des temples maçonniques (V. « Willian Pesson, architecte et conseiller de Bertrand Bonello sur L’Apollonide : La maison close est un lieu de l’esprit », Libération 21 septembre 2011, p. III) ou des lieux de culte (V. Dominique Jarassé, Synagogues. Une architecture de l’identité juive, Adam Biro, 2001) dans une verticalité toute cinématographique dont la caméra de Max Ophuls nous enchante tout en maintenant l’extranéité du spectateur : « la caméra se bornant à serpenter autour de ses fenêtres, (…) comme un lierre naturel » pour Jacques Lourcelles, Le Dictionnaire du cinéma. Les films (Bouquins, 2001).

Comment filmer l’activité professionnelle de la prostituée ? En filmant son visage ! La caméra amoureuse de Jean-Luc Godard cadre le visage à la Louise Brooks d’Anna Karina, tout à la fois hommage aux cinémas muet et nordique dont est originaire l’actrice-épouse. En décomposant l’écran en quatre écrans de contrôle de l’activité de la maison (une chambre occupée du 1^er étage, le salon-boudoir au rez-de-chaussée…), la caméra de Bertrand Bonello devient observatrice distanciée sans jamais devenir intrusive ou voyeuse. Les maisons closes apparaissent dès lors comme des espaces théâtralisés/ plateaux de cinéma, dans lesquels les prostituées/ actrices évoluent au gré des fantasmes masculins/ scenarii révélant par un effet de mise en abyme l’art de la mise en scène des grands réalisateurs/ proxénètes.

L'avocat (C. Anger, France, 2011)

Ainsi que l'écrit Christian Guéry : « la malhonnêteté, l’anormalité d’un comportement font de biens meilleurs scénarios. L’avocat banal et qui fait son travail n’intéresse pas vraiment le cinéma. L’honnêteté ne peut être exaltée, elle peut seulement être pratiquée » (Les avocats au cinéma, PUF, coll. questions judiciaires, Préf. F. Saint-Pierre, 2011, p. 213). Le film L'avocat, de Cédric Anger, confirme les propos du magistrat. Le jeune Léo, interprété par Benoît Magimel, vient de prêter serment et intègre un cabinet, à Montpellier, en tant que collaborateur. Son patron se présente comme un « technicien de la procédure » tandis qu'un autre collaborateur est un fiscaliste ne plaidant jamais. Les premiers mois sont ennuyeux pour l’avocat débutant : les clients et les affaires se succèdent, mais rien de bien passionnant. Léo est déçu par la profession qu'il a embrassée même si son épouse, enceinte, l'embrasse tendrement quand il rentre le soir à la maison, alors qu'il est déjà tard… Pourtant, cette situation d'ennui, de routine est certainement celle que rencontre la plupart des avocats, jeunes et moins jeunes. Beaucoup font avec, faute de mieux. Mais Léo ne va pas s'en contenter, tant mieux pour lui (du moins le croit-il dans un premier temps), et surtout tant mieux pour le spectateur, qui va y trouver quelque intérêt.

Un jour, Léo décroche une affaire pénale lui donnant l’occasion de soulever la nullité d’une garde à vue et d’obtenir la relaxe de son client. C'est le début de la gloire, son nom étant mentionné dans la presse locale, les clients les plus fortunés ne manqueraient pas de venir à lui sans coup férir ! Le premier (et le dernier) de ces clients à se manifester est un chef d'entreprise, Paul Vanoni (interprété par Gilbert Melki), à la tête d'une société spécialisée dans le ramassage et le traitement des déchets. Mais Vanoni a d'autres activités, hors-la-loi celles-ci, notamment la contrebande de cigarettes, pour laquelle il est poursuivi mais finalement relaxé grâce aux talents et à l'éloquence de son jeune avocat que l'on voit plaider pour l'occasion.

Vanoni, satisfait de son avocat, va lui proposer de devenir son conseil à temps plein ou presque, pour réaliser une sorte d’audit juridique et l’aider à dissimuler les activités de l’entreprise qui pourraient révéler certaines infractions (relevant de ses activités officielles et officieuses). Et c’est là que les ennuis commencent pour Léo, lequel intègre un milieu – le banditisme – qui n’est pas le sien, le chef d’entreprise et ses « associés » se révélant dangereux et prêts à tout pour écarter de leur route ceux qui auraient l’audace de leur dresser des obstacles, ou ceux qui auraient envie de les trahir. Les évènements se précipitent lorsqu’un agent des Douanes propose précisément à Léo de trahir son « employeur » en lui communiquant des informations destinées à mettre fin aux activités criminelles de ce dernier. Cruel dilemme pour l’avocat (et suspense insoutenable pour nous !). Que doit-il faire ? En fait, Léo n’a pas vraiment le choix, l’agent des Douanes ayant à sa disposition des photos compromettantes… Nous ne dirons rien de la fin du film même si chacun peut la deviner.

Que le cinéma ne nous montre pas le quotidien parfois morne des avocats est une chose, mais nulle obligation comme nombre de films (cf également Commis d’office), de mettre en scène plutôt maladroitement un avocat pris dans une situation pour le moins invraisemblable ! Les films de prétoire américains dont le héros est un avocat ne tombent pas, eux, dans ce travers des films français, lesquels ont décidément du mal à nous montrer la justice et ses acteurs de façon à la fois spectaculaire et crédible. Il y a certes The Devil’s advocate (L’associé du diable, T. Hackord, USA, 1998) qui est plus proche du cinéma fantastique que du documentaire et qui, sans être génial, est plutôt efficace et plaisant à regarder. S’agissant de l’Avocat, c’est tout à fait différent. Comme beaucoup de films français grand public, il semble souffrir d’un manque de moyens et de temps (pour l’écriture du scénario, pour le tournage…), et donc d’un manque d’ambitions véritablement cinématographiques : L’Avocat n’a rien d’original ni de marquant ; il ne fera pas date dans l’histoire du cinéma, ni parmi les films français relatifs à la justice et aux avocats. Il s’agit d’un film mineur à ranger dans la catégorie des films que l’on peut voir sans mal, et plutôt même en priorité, sur un petit écran.

Travail, droit et cinéma (La Rochelle, 2009) : exposé préliminaire par A. de Luget et M. Flores-Lonjou, suite et fin.

Suite et fin de l'exposé préliminaire d'A. de Luget et M. Flores-Lonjou, maîtres de conférences en droit public à l'Université de La Rochelle, des IIèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés de 2009 dont le thème était : Travail, droit et cinéma. La première partie de la communication avait été mise en ligne le 17 juin 2011. Les autres communications suivront dans les semaines à venir.

Réal. Ch. Bessaguet et F. Charneau (@ctice, Université de La Rochelle)

L'enfant, le droit et le cinéma - Rapport de synthèse

Le GIP Mission de recherche Droit et Justice avait apporté son soutien aux recherches menées par Agnès de Luget et Magalie Flores-Lonjou sur le thème de : L'enfant, le droit et le cinéma.

Ces recherches avaient abouti notamment à l'organisation des IIIèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés de La Rochelle (2-3 juillet 2010).

Le rapport de synthèse des travaux peut être consulté sur le site Internet Droit et justice à l'adresse suivante : http://www.gip-recherche-justice.fr/spip.php?article770

AU REVOIR ou les métaphores de la tortue de Mohammad Rasoulof (Iran, 2010)

Noura - admirable Leyla Zareh, toute en retenue décidée - voit son environnement professionnel, familial, social, fissuré comme peut l’être l’aquarium de sa tortue californienne (!)

Elle peine à s’échapper d’Iran comme sa tortue tente en vain d’escalader les bords glissants d’un plateau en plastique qui lui sert de refuge provisoire - plateau dont les inscriptions anglaises traduisent l’aspiration de cette jeune iranienne à la vie occidentale -. Comme la tortue, Noura croit pouvoir fuir mais pour mieux se perdre.

Au revoir : une vie de femme à laquelle la société iranienne ne laisse aucun espace, traversée par l’omniprésence de la puissance masculine dans les démarches les plus intimes ou les demandes administratives kafkaïennes ; l’omniprésence de la corruption ; l’omniprésence de la délation. Une vie qui la conduit à murmurer « lorsque l’on devient étranger dans son propre pays il vaut mieux être étranger à l’étranger ». La révolte de Noura - laquelle se voit interdire d’exercer la profession d’avocat - n’est pas violence, elle est persévérance.

A  l’aide d’une succession de plans fixes presque monochromes qui nous disent sobrement toute la pesanteur d’une société que ceux qui la vivent doivent subir quotidiennement, Mohammad Rasoulof nous distille l’horreur d’une République d’où sont bannis la liberté, le respect de la sphère de l’intime, le choix et l’espérance.

Un film lourd, un film nécessaire, un film courageux réalisé sans autorisation et qui ne plaidera sans doute pas en sa faveur devant ses juges (http://www.lemonde.fr/cinema/article/2011/09/06/au-revoir-dans-l-enfer-cruellement-gris-de-la-republique-islamique_1568390_3476.html), un film pour lequel le réalisateur a reçu  le prix de la mise en scène - Un certain regard - lors de la dernière édition du festival de Cannes.

Lire également sur ce film :

http://blog.cinematheque.fr/

http://www.lemonde.fr/cinema/article/2011/09/21/sept-cineastes-iraniens-arretes_1575377_3476.html

 

Ignorance d'une peine ... UN PROPHETE de Jacques Audiard (France, 2008, 155 min)

Un prophète est un film qui montre l'univers carcéral, sans frein, ni tabou. Jacques Audiard excelle dans ce rôle de critique d'une société qui vise à enfermer des personnes, sans se soucier, une fois mises à l'écart, de leur devenir. Une atmosphère lourde et pesante exsude de ce film, appuyée par la présence d'acteurs, pour la plus part inconnus du grand public. Mimétisme entre les acteurs et les personnages : le jeune Malik El Djebena, frêle condamné de dix-neuf ans, sort caïd de la prison. Tahar Rahim, alias Malik, entre dans le cinéma par une porte inconnue pour en ressortir certainement plein de gloire.

  Jacques Audiard sait manier la fiction et le réel pour traduire toute la pesanteur de la détention. Dicté par un script de pure fiction, Un prophète est ponctué de scènes quotidiennes du milieu carcéral, témoins de la dureté de cet univers. La première demi-heure du film est d'ailleurs consacrée à la découverte de ce monde, pendant laquelle le réalisateur laisse le spectateur seul, dans une atmosphère assourdissante. Peu de dialogues, comme si les images parlaient d'elles-mêmes. On se croirait presque dans un documentaire. Audiard balaie tous les recoins de la prison. L'entretien du délinquant avec son avocat avant l'incarcération (moment d'explication de la procédure), l'arrivée au centre de détention avec la visite médicale et la visite administrative. Ensuite, le détenu rejoint sa cellule, on le voit dans les ateliers effectuant son travail, aller en promenade puis retour à la cellule. On peut retrouver une présentation de ce type dans le film 9 m² réalisé par MM. Jimmy Glasberg et José Cesarini (France, 2005, 94 min) : il s'agit d'une mise en scène de la vie quotidienne de détenus incarcérés à la prison des Beaumettes.

  La gravité des scènes en révèle toute la violence. La visite administrative est l’occasion pour Jacques Audiard de conjuguer l’ignorance du détenu et celle du spectateur, la première révélatrice de la seconde. Un surveillant explique au jeune détenu la vie en détention. On y voit un jeune condamné complètement désarmé face aux questions qu'on lui pose. Il ponctue ces réponses par des « je ne sais pas » déchirants. Il casse les images préconçues, les mythes carcéraux pour laisser à la dureté du quotidien le soin de montrer toute la haine présente dans ce milieu, comme ce fut déjà le cas dans les films de Don Siegel Les révoltés de la cellule 11 (Riot in Cell Block 11, Etats-Unis, 1954, 80 min) et L'évadé d'Alcatraz (Escape from Alcatraz, Etats-Unis, 1979, 112 min).

  Le détenu, seul, ne peut vivre, il doit avoir la protection des caïds de la prison. L’obtention de la protection passe par l’observation d’un rite initiatique. A cette fin, le chef du clan lui somme l'ordre de tuer un détenu. Toute une procédure se met en place pour que le personnage principal accomplisse cette mission. Au moment du meurtre, la scène filmée est troublante et témoigne, à elle seule, de l'esprit du film.

  Malik El Djebena doit tuer un détenu. Il se rend à la cellule de celui-ci sous prétexte d'une livraison de haschich. Lorsqu'il frappe à la porte, le détenu « condamné » le laisse entrer mais le fouille. La méfiance est palpable. Une atmosphère de crainte pèse quotidiennement sur l'esprit de chaque détenu, la question de la confiance ne saurait se poser en milieu carcéral. Ainsi l’arme du crime, une lame de rasoir,  est-elle dissimulée dans la bouche de Malik. Le détenu le fait s'asseoir sur le lit et commence à lui parler. Il le questionne sur ses loisirs, notamment la lecture. C'est un détenu lecteur, or Malik ne sait pas lire. La scène est magnifique. Le détenu va donner à Malik une véritable leçon. Essayer de lui faire comprendre que l'intérêt de la lecture, ou plus généralement de l'éducation, a une vocation de réinsertion (comme la révélait la journée d'étude organisée par la bibliothèque universitaire de La Rochelle sur le thème « Etre étudiant en prison » le 9 novembre 2010 : http://www.canalc2.tv/video.asp?idEvenement=550).

Une formule choc est prononcée par le détenu lecteur : « le but c'est de sortir moins con que lors de l'entrée ». Audiard va jouer avec la caméra pour faire ressortir l'importance de cette scène et le combat perdu d’avance entre deux conceptions de l’univers carcéral. La caméra ne quitte pas Malik. On y voit un garçon désabusé, contraint de tuer un co-détenu pour survivre mais au fond touché par les propos qu'il est en train d'entendre. Le silence de Malik est éloquent, il traduit une prise de conscience de la violence de ce milieu. La beauté de la réinsertion (la préparer) et la dureté de la survie. Juste avant le passage à l'acte, la caméra se rapproche du visage de Malik, d'où perle un filet de sang. A force d'écouter, la lame placée dans sa bouche commence à lui couper l'intérieur. Cette blessure montre la réflexion de Malik (l'attente, l'écoute) face à la survie obligatoire (la saignée). Mais la scène se termine par le l’assassinat du détenu.

Cette scène est au centre du propos du réalisateur. Jacques Audiard rend palpable la schizophrénie du milieu : réinsertion illusoire contre survie  quotidienne. Cette phase est cristallisée au moment de la question des remises de peine et permissions, ces dernières étant prévues à l’article 721 du code pénal :

http://www.legifrance.gouv.fr/affichCodeArticle.doidArticle=LEGIARTI00L0018170904&cidTexte=LEGITEXT000006071154&dateTexte=20101230&oldAction=rechCodeArticle

Malik montre son intérêt à se réinsérer pour obtenir des permissions mais, une fois dehors, il devient le bras armé de son protecteur et se transforme en caïd. Trois aspects sont mis en exergue : la vision légale, la vision soumise, la vision autonome. Le détenu est confronté à ces trois types de situation au cours de sa détention : il doit respecter le cadre légal, se mettre aux ordres d'un clan et tenter de trouver une identité, identité transformée en véritable pugilat par la métamorphose d'un jeune délinquant en bandit confirmé.

  Au-delà d’une vision de la prison, Un prophète utilise la violence du milieu pour faire ressortir la perte d'identité de la personne incarcérée. Même si quelques excès ponctuent le film, il n'en demeure pas moins une base essentielle pour comprendre un univers où l'omerta règne. Cette omerta est d’autant plus significative que le film met face à face deux clans : les corses et les arabes. Et le jeune Malik, arabe d’origine, se trouve protégé par le clan des Corses.

  Un prophète met en relief  l'ignorance de la société au regard du phénomène carcéral, société pourtant composée de citoyens participant au processus d'enfermement. C'est par la loi, norme issue des représentants de la volonté générale, que la prison existe. Sur ce point, les juridictions, tant européennes que nationales conjuguent leurs efforts pour accroître l'humanité dans les prisons. La Cour européenne va lancer le processus de protection en 1984 lorsqu'elle emploie une formule évocatrice : « la justice ne saurait s'arrêter à la porte des prisons » (CEDH, 28 juin 1984, Campbell et Fell c/Royaume-Uni, www.echr.coe.int). Le juge administratif français, quant à lui, considérait toute mesure pénitentiaire comme des mesures d'ordre intérieur relevant exclusivement de la vie intérieure de l'administration dans laquelle il n'avait pas à s'immiscer. Devant l'injonction de la Cour européenne, le Conseil d'Etat va a modifié sa position (CE, A, 17 février 1995, Hardouin) pour vérifier aujourd'hui qu'une mesure pénitentiaire ne méconnaît pas les droits fondamentaux des personnes incarcérées (CE, A, 14 décembre 2008, Planchenault et Boussouar, www.conseil-etat.fr). Afin de vérifier que ces prescriptions juridictionnelles sont suivies, la loi n° 2007-1545 du 30 octobre 2007 a institué un contrôleur général des lieux de privation de liberté (www.cglpl.fr). Toutes ces questions ont été détaillées au cours du colloque des 3 et 4 avril 2009 organisé à la Faculté de droit de La Rochelle sur le thème du « Droit des détenus : sécurité ou réinsertion ? » (les communications sont consultables dans l'ouvrage : A. DEFLOU Dir., Le droit des détenus : Sécurité ou réinsertion ?, Paris : Dalloz, 2010, coll. Thèmes et commentaires, 165 p.).

Pour ce faire, de nombreuses associations participent de ce devoir de connaissance. En témoigne les Journées nationales prison organisées en novembre de chaque année par le Groupe national de concertation prison. Il s'agit d'une association regroupant plusieurs associations intervenant en détention comme l'Association nationale des visiteurs de prison, la Ligue des droits de l'Homme, les Aumôneries catholiques et musulmanes, l'Action des chrétiens pour l'abolition de la torture, le Groupement étudiant national d'enseignement aux personnes incarcérées et Synapse.

  Participant à l’ouverture du milieu carcéral envers la société civile, Un prophète se place dans la continuité du travail associatif. La prison s’ouvre petit à petit. Les barreaux ne sont pas des murs, et la lumière doit passer entre eux.

Arnaud DEFLOU

Doctorant en droit public, ATER à l'Université de La Rochelle

  

Nous avons lu pour vous … LES AVOCATS AU CINEMA (PUF, 2011) de Christian Guéry

Les avocats ont la réputation d’être de bons (ou mauvais) acteurs, assumant pleinement leur rôle au cours du procès pour convaincre les juges du bien-fondé de la demande ou de la défense de leurs clients. De l’avocat/comédien à l’avocat au cinéma, il n’y a donc qu’un pas que le magistrat Christian Guéry a franchi pour le plus grand plaisir du lecteur cinéphile et/ou juriste.

Son ouvrage Les avocats au cinéma (dont nous avions signalé la parution dans un billet du 27 février 2011), préfacé par l’avocat Maître François Saint-Pierre, et qui paraît aux éditions PUF dans l’excellente collection « Questions judiciaires » (dirigé par notre collègue Frédéric Debove ) nous parle de façon équilibrée et passionnante - et comme son titre l’indique - à la fois de la profession d’avocat et de son traitement cinématographique, l’étude étant centrée presque exclusivement sur les cinémas américain et français.

L’auteur, qui est juge d’instruction, a une connaissance très pointue des deux justices - américaine et française  - qu’il confronte par l’entremise des deux cinémas et des différentes figures d’avocats qui y sont représentées. En sept chapitres, Christian Guéry nous parle des films qui donnent à voir le rôle de l’avocat dans le procès (essentiellement pénal), des rapports qu’il entretient avec ses clients (et donc aussi avec l’argent), de ses rapports avec le juge, de ses obligations déontologiques … Au fil des lignes, on s’aperçoit que le juge Guéry aime les avocats, qu’il a une connaissance aigüe de la profession et de ceux qui l’exercent, et qu’il les considère avec respect, en tant qu’ils assurent la mise en oeuvre des droits de la défense, sans lesquels la justice n’aurait de justice que le nom.

L’auteur démontre une culture cinématographique encyclopédique, une multitude de films, et de séries TV, étant cités ; le tout agrémenté d’un appareil scientifique et d’une culture juridique qui fait de ce livre un outil indispensable pour celui qui s’intéresse au cinéma, au droit et à la justice. Ce livre donne véritablement envie de voir (ou de revoir) les films de Cayatte, Clouzot, Costa-Gavras, Decoin, Ford, Hitchcock, Lang, Lumet, Pollack, Preminger, et de bien d’autres réalisateurs encore … Ne manquent que deux films à l’appel, et pour cause, puisque ces films sont sortis trop tardivement pour que Christian Guéry puisse les évoquer : L’avocat  (C. Anger, France, 2011) et La défense Lincoln (B. Furman, USA, 2011), adapté du roman éponyme de l'écrivain américain Michaël Connelly (Seuil, coll. Policiers, 2006).

A juste titre, l’auteur déplore que le cinéma français ne porte pas autant d’intérêt à la justice que le cinéma américain et lorsque, tel est le cas, que le cinéma français ne montre pas une image fidèle de la justice française, en plagiant la justice - et le cinéma - américains. Il est vrai que la procédure accusatoire est plus « spectaculaire » que la procédure inquisitoire, laquelle ne se prête pas aisément aux « films de prétoire ». C’est la raison pour laquelle, sans doute, le cinéma français préfère traiter de la justice à travers le film documentaire (v. par ex. les films de Raymond Depardon), plutôt que par le biais de la fiction.

Une chose est certaine en tout cas : qu’il s’agisse du cinéma américain ou du cinéma français, la plupart des films dont le personnage principal est un avocat ne nous décrivent pas le travail ordinaire et ingrat d’un avocat moyen. Tous les avocats au cinéma doivent faire face à des situations exceptionnelles, des injustices à combattre, des erreurs judiciaires à éviter, certains apparaissent comme indignes d’exercer la profession, tandis que d’autres sont de véritables héros … Comme le dit Christian Guéry à la fin du livre (p. 213) : « la malhonnêteté, l’anormalité d’un comportement font de biens meilleurs scénarios. L’avocat banal et qui fait son travail n’intéresse pas vraiment le cinéma. L’honnêteté ne peut être exaltée, elle peut seulement être pratiquée ».

Raimu dans Les inconnus dans la maison (H. Decoin, scén. de H.-G. Clouzot, d'après Simenon, France, 1942)

Charles Vanel dans La vérité (H.-G. Clouzot, France/Italie, 1960)

James Stewart dans Anatomy of a murder (Autopsie d'un meurtre, O. Preminger, Etats-Unis, 1959)

Paul Newman dans The verdict (Le verdict, S. Lumet, Etats-Unis, 1982)

Sommaire de l’ouvrage

Introduction

Chapitre I : L’avocat et l’enquête

Chapitre II : L’avocat et son client

Chapitre III : L’avocat et l’argent

Chapitre IV : L’avocat et ses juges

Chapitre V : L’avocat à l’audience

Chapitre VI : L’avocat et la morale

Chapitre VII : L’avocat, ce héros

Conclusion

Filmographie (films cités dans l’ouvrage)

Bibliographie (ouvrages cités)

Index des notions

Index des séries

Index des noms propres

Post scriptum

1) La couverture du livre de Christian Guéry est tirée du film de Claude Autant-Lara En cas de malheur (France, Italie, 1958), adapté d'un roman de Simenon.

2) Christian Guéry était l'invité de l'émission d'Antoine Garapon Le bien commun sur France culture le 30 juillet 2011 à 13 h. 30.

3) Liste, non exhaustive, de films à voir :

- Anatomy of a murder (Autopsie d'un meurtre), Otto Preminger, 1959

- L'avocat de la terreur, Barbet Schroeder, 2007

- Erin Brockovich, Steven Soderbegh, 2000

- The firm (La firme), Sydney Pollack, 1992

- Guilty as sin (L'avocat du diable), Sydney Lumet, 1993

- Les inconnus dans la maison, Henri Decoin, 1942

- Murder on a sunday morning (Un coupable idéal), Jean-Xavier de Lestrade, 2003

- The verdict (Le verdict), Sydney Lumet, 1983

- La vérité, Henri-Georges Clouzot, 1960

- Young Mister Lincoln (Vers sa destinée), John Ford, 1939

4) D'autres ouvrages de la collection "Questions judiciaires" (PUF)

- Les grands procès, D. Amson, J.-G. Moore, Ch. Amson, préf. J. Vergès, 2007

- Justice et littérature, J. Vergès, 2011

*

Le blog Droit et cinéma : regards croisés part en vacances. A très bientôt.

COMMIS d'OFFICE (Réal. Hannelore Cayre, France, 2009)

Le film Commis d'office, d'Hannelore Cayre, est l'adaptation cinématographique de son roman éponyme paru en 2004 (Ed.  Métailié). Hannelore Cayre, avant d'être écrivain et cinéaste, a été avocat inscrit au barreau de Paris, et le film, au commencement, s'en ressent positivement. Personne d'autre qu'un avocat, me semble-t-il, n'aurait pu saisir comme elle le fait les difficultés pour un avocat pénaliste d'exercer son métier, son sacerdoce ... L'avocat incarné par le formidable Roschdy Zem, Maître Antoine Lahoud, a tout l'air de l'avocat brillant, docteur en droit, passionné par le pénal, mais qui a manifestement du mal à en vivre, qui semble désabusé, et qui subit la pauvreté à la fois de ses clients, de  ses dossiers et de la justice. L'avocat commis d'office par son Bâtonnier croule sous les affaires de "peu d'intérêt", lesquels dossiers s'enchainent à la vitesse grand V sans que l'avocat n'ait vraiment le temps de préparer la défense, les audiences se terminent à des heures indécentes ... Bref, mis à part quelques ténors du barreau, qui se comptent sur les doigts d'une main, et qui ramassent l'essentiel des dossiers juteux dont parle la presse, la masse des avocats, les "soutiers du pénal" comme la réalisatrice les appelle en leur rendant hommage au générique, font ce qu'ils peuvent avec ce qu'ils ont, c'est-à-dire pas grand chose et presque rien.

Le film aurait pu être une réussite s'il s'était contenté de nous décrire le quotidien de cet avocat  pénaliste de la quarantaine, en voulant toucher au plus près la vérité de la profession et de la vie au Palais. Certes, il aurait bien fallu imaginer une histoire, car Hannelore Cayre n'a pas voulu faire un film documentaire, mais sans aller jusqu'à imaginer un scénario totalement invraisembable, ce qui nous est malheureusement proposé dans Commis d'office. Maître Lahoud est en effet recruté par un grand avocat pénaliste, à la réputation sulfureuse, soi-disant pour ses qualités de plaideur repérées lors d'une audience, en réalité parce qu'il ressemble à un client de son futur patron, lequel envisage de se servir de Lahoud pour faire évader ledit client de la prison, moyennant une somme d'argent importante qui permettra à Lahoud d'envisager l'avenir de façon plus positive ... Le plan est le suivant : au parloir, l'avocat et le détenu s'échangent leurs vêtements, et à la fin de l'entretien, ni vu ni connu, le premier va en cellule, le second sort libre.  Je ne dis pas qu'il n'existe pas, dans l'histoire, d'avocats qui ont "basculé de l'autre côté", mais de là à ce que cela puisse se passer comme l'imagine Hannelore Cayre ... Car même si la réalité, dit-on, dépasse souvent la fiction, on a quand même du mal à croire à cette histoire, ce d'autant que le début du film, on l'a dit, est très convaicant par ce qu'il nous montre du fonctionnement de la justice (le tournage des scènes de prétoire au Palais de justice de Paris y aidant) Le choc pour le spectateur est donc brutal lorsqu'on vient lui servir ce scénario abracadabrantesque.

De surcroît, à ce scénario peu crédible, s'ajoutent une mise en scène proche de l'amateurisme, où les scènes, toutes plus pénibles les unes que les autres, s'enchainent  sans aucun répit pour le spectateur (je pense notamment à la scène du restaurant lorsque R. Zem est recruté, et la façon dont la réalisatrice fait manger, se gouinfrer, son "patron" : scène pathétique qui démontre une direction d'acteurs en dessous de la moyenne). Manifestement, le fim a dû être tourné très vite, faute de moyens suffisants. Sans parler de la façon caricaturale dont sont montrés quelques personnages du film, à commencer par "l'avocat vieille France membre du Conseil de l'Ordre" qui, évidemment, est très méchant et  n'aime pas Antoine Lahoud, le gentil (sans parler non plus de la musique du film qui n'arrange pas les choses ...).

En définitive, même si Commis d'office ne mérite pas d'être vu pour ses qualités cinématographiques, il mérite de l'être parce qu'aucun cinéaste français (de fiction) contemporain, à ma connaissance, ne s'était jusqu'à présent intéressé de près à ce thème de la justice pénale, avec pour personnage principal un avocat dont la situation, au contraire du scénario rocambolesque, est très proche de la réalité. C'est tout le mérite d'Hannelore Cayre, et il est dommage que ce beau projet ait été un peu gâché par les insuffisances de son film.

La bande-annonce

Compte-rendu des IVèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés (Le vote à l'écran) sur le blog Sine lege

Notre ami Jean-Baptiste Thierry, maître de conférences en droit privé et sciences criminelles à l'Université de Nancy, publie sur son blog Sine lege un compte-rendu des IVèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés dont le thème était Le vote à l'écran.

Pour lire le compte-rendu, publié en deux parties les  15 et 19 juillet 2011, il suffit tout simplement de se rendre sur le blog à l'adresse suivante : http://sinelege.hypotheses.org/

D'ici quelques semaines, les vidéos des communications seront mises en ligne sur notre blog, en attendant la publication à venir dans la revue Politeia.

RIDEAU SUR LE XXXIXème FESTIVAL INTERNATIONAL DU FILM DE LA ROCHELLE (du 1er au 10 juillet 2011)

Les éditions se suivent et ne se ressemblent pas : après la très belle rétrospective Kazan, un petit crû autour de David Lean ?

Les éditions se suivent et ne se ressemblent pas : après la (re)découverte l’an passé d’un auteur prolifique, à la fois metteur en scène de théâtre et réalisateur de films, c’est à une ballade cinématographique autour des scénarios de Jean-Claude Carrière, de l’émouvant Buster Keaton, des réalisations de David Lean et d’auteurs plus ou moins connus que nous nous sommes livrés (les canadiens Denis Côté et Ryan Redford, les norvégiens Erik Løchen et Joachim Trier, le tchadien Mahamat-Saleh Haroun).

Les éditions se suivent et ne se ressemblent pas : après le choc de la découverte des Visiteurs de Kazan nous projetant dès 1971 dans l’après-guerre du Vietnam, aucun film ne nous a procuré une émotion aussi intense. Lassitude du cinéphile après quelques dizaines de films visionnés ? Non le 7^ème art est divers et peu d’opus méritent le qualificatif de chef d’œuvre.

Les éditions se suivent et ne se ressemblent pas : après une rétrospective 2010 oscillant entre les œuvres du débutant appliqué des studios hollywoodiens jusqu’à celles du réalisateur sûr de sa maîtrise, la (re)découverte des réalisations de David Lean ne pouvait souffrir la comparaison, même s’il faut lui reconnaître un talent dans le choix des images et des cadrages - retrouvant le lyrisme de Ford dans son eastern Lawrence d’Arabie/ Lawrence of Arabia (Royaume-Uni, 1962) - ; le sens du récit dans les fresques historiques projetées sur grand écran, notamment Le pont de la rivière Kwaï (Royaume-Uni, 1957) où une opposition se fait jour entre le colonel Nicholson et le chef du camp japonais autour du sort qui doit être réservé aux prisonniers de guerre dans le cadre des Conventions de Genève ; le parti pris féminin dans Vacances à Venise/ Summertime (Royaume-Uni, 1955) et La fille de Ryan/ Ryan’s Daughter (Royaume-Uni, 1970).   

 
Les éditions se suivent et ne se ressemblent pas : alors quel bilan ?

 
Une rencontre avec Juan Carlos Rulfo, cinéaste de l’écoute comme l’avait révélé l’avant-première de son documentaire Los que se quedan (Mexique, 2008) et confirmé la projection d’En el hoyo (Mexique, 2006), la projection un peu chaotique à l’image de cette interminable guerre du Liban dans Le Faussaire de Volker Schlöndorff (Allemagne/ France, 1980), la traversée sous le soleil de l’Atlantique pour découvrir à la médiathèque l’exposition « Jean-Claude Carrière, un hétéroculturel à La Rochelle » et son passionnant entretien avec Jacques Chancel, le visionnage de Khodorkovsky de Cyril Tuschi (Allemagne, 2011) n’apportant que peu d’éclaircissements sur la personnalité du célèbre magnat russe opposant emprisonné de Vladimir Poutine, la découverte de Portier de nuit/ Il Portiere di notte de Liliana Cavani (Italie, 1974) dont la polémique semble rétrospectivement un peu vaine, le plaisir de revoir un film historique avec Danton d’Andrej Wajda (France/ Pologne, 1983) dont les costumes ne sont que l’enveloppe charnelle des troubles politiques et des joutes oratoires Danton/ Robespierre Lech Walesa/ le général Jaruzelski, et la poursuite du compagnonnage avec l’œuvre singulière de Bruno Dumont dans Hors Satan (France, 2011)…

Les éditions se suivent et ne se ressemblent pas : après la très belle rétrospective Kazan et un petit crû autour de David Lean, une belle aventure de cinéma en 2012 ?

Le vote à l'écran (IVèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés, La Rochelle) : J - 2 ...

PROGRAMME DES IV^èmes RENCONTRES DROIT ET CINEMA : REGARDS CROISES

Le vote à l’écran

La Rochelle 2 et 3 juillet 2011

Pôle Communication, multimédia et réseaux 44, Avenue Albert Einstein

Entrée libre

Renseignements au : 05 46 45 83 89 / 06 78 51 21 07     http://lesmistons.typepad.com

Samedi 2 juillet 2011

10h15 : Accueil des participants

10h45 : Allocutions de bienvenue

11h15 : Sous la présidence de Jean Tulard, membre de l’Institut

I. De la conquête du vote …      

● Voter la mort du roi

Nathalie Goedert, Maître de conférences en histoire du droit à l’Université Paris Sud 11

● Vote et légitimité dans L’homme qui tua Liberty Valance / The Man who shot Liberty Valance, de John Ford (Etats-Unis, 1962)

Jacques Viguier, Professeur de droit public à l’Université de Toulouse I Capitole

● The Man who shot Liberty Valance (John Ford, 1962) - The Adjustement Bureau (George Nolfi, 2010) : de la construction de la démocratie à l’illusion démocratique

Serge Sur, Professeur de droit public à l’Université Panthéon-Assas Paris II

Discussion

14h45 : Sous la présidence d’Eve Lamendour, maître de conférences en sciences de gestion, Université de La Rochelle

● Un sujet qui n’intéresse personne : Iron Jawed Angels de Katja von Garnier (Etats-Unis, 2004) retraçant le combat des Américaines pour l’obtention du droit de vote en 1920

Brigitte Bastiat, Docteur en sciences de l’information et de la communication, Professeur certifié d’anglais à l’Université de La Rochelle

● Show devant ! La représentation du rituel de la campagne électorale comme révélateur d’une spectacularisation du politique 

Philippe Fache, Docteur en science politique, Université Paris 13 Villetaneuse et Mathias Waelli, Docteur en sociologie, IDM/ EHESP

Discussion

17h15 : Film au Dragon 1 : Quelque chose d'organique de Bertrand Bonello (France, Canada, 1998)

Dimanche 3 juillet 2011

II … Au contournement du vote 

 

10h : Sous la présidence de Jean Tulard, membre de l’Institut

● Scorsese’s (political) Gangs of New York : le vote selon Tammamy Hall ou la corruption de l’idéal démocratique américain

Lionel Larré et Christophe Chambost, Maîtres de conférences en civilisation américaine à l’Université Michel de Montaigne Bordeaux 3

● Campagnes de France

Magalie Flores-Lonjou, Maître de conférences en droit public à l’Université de La Rochelle

● Erreur électorale en faveur de la démocratie (ou quand le cinéma détourne les votes et investit le citoyen du pouvoir décisionnel)

Danièle André, Maître de conférences en  langues, littératures et civilisations des pays anglophones (spécialité civilisation américaine, études culturelles-cultures populaires) à l’Université de La Rochelle, CRHIA

Discussion

14h : Sous la présidence de Serge Sur, Professeur de droit public à l’Université Panthéon-Assas Paris II

● License to kill … ou la mort de plein droit

Philippe Morice, Docteur en lettres et arts, Chargé de cours à l’Université Jean Moulin Lyon III, à l’Université de Provence Aix-Marseille I, à l’INA-Sup de Bry sur Marne, peintre et premier assistant-réalisateur pour le cinéma et la télévision

● Légitimité de l’élu et du non-élu : à propos de The Dark knight de Christopher Nolan (Etats-Unis, 2008)

Jean-Baptiste Thierry, Maître de conférences en droit privé à l’Université de Nancy, Institut François Gény

Discussion

16h : Sous la présidence de Marie-France Verdier, maître de conférences en droit public à l’Université Montesquieu Bordeaux IV   

● Rapport de synthèse

Xavier Daverat, Professeur de droit privé à l’Université Montesquieu Bordeaux IV

19h45 : Film à l’Olympia 1 : L'esprit s'amuse de David Lean (R.-U., 1945)

 

Le vote à l’écran (IVèmes rencontres Droit et cinéma : regards croisés) : une histoire d’affiches

 Le partenariat avec les étudiants du Master 2 Patrimoine, Multimédia et Tourisme de l’Université de La Rochelle dirigé par Mickaël Augeron nous a permis cette année encore de recevoir plusieurs propositions d’affiches originales parmi lesquelles nous avons opéré un choix délicat.

Si l’affiche ci-dessus, proposée par Hélène Devreese, Roxane Rande, Marie-Clémence André et Marie-Laure Barreau, a été finalement sélectionnée par le comité d’organisation de ces IVèmes rencontres Droit et cinéma, plusieurs auraient mérité d’être retenues :