Le blog Droit et cinéma

SYNTHESE DE LA JOURNEE D’ETUDE DU 25 OCTOBRE 2013 ORGANISEE DANS LE CADRE DU PRES LIMOUSIN-POITOU-CHARENTES « FRONTIERE(S) AU CINEMA »

La synthèse de cette journée est également accessible sur http://www.imaj.hypotheses.org.

L'ensemble des activités organisées dans le cadre du PRES Limousin-Poitou-Charentes est accessible sur la page dédiée à ce projet.

 

Territoires, conflits et frontières

« Analyse juridique de l’image : jalons pour une méthodologie »

25 octobre 2013

Université de Limoges

 

Porteurs du projet : Christophe Bonnotte, Nathalie Goedert, Ninon Maillard

Groupe de travail : Asal Bagheri, Stéphane Boiron, Christophe Lamoureux, Sylvie Périneau, Pascal Plas, Clarisse Siméant, Pascal Texier

Avec la participation de : Estelle Espinoux, Xavier Perrot, Virginie Saint-James, Julien Théra.

 

Si l’iconologie juridique existe depuis longtemps, l’analyse juridique de l’image animée est plus rare, voire inexistante. Le projet vise dans un premier temps à former un groupe de travail pérenne pour établir progressivement une méthode d’analyse autour de concepts partagés, sinon communs. Il s’agit de mettre en place une équipe qui pourrait, à moyen terme, se réunir régulièrement sous la forme d’un séminaire afin de produire des travaux en analyse juridique de l’image. L’objectif est de saisir, à travers l’image, le droit et sa représentation. Le matériau peut être divers : images fixes, images animées, films d’animation, documentaire, images d’archives… La pluridisciplinarité du groupe a vocation à fournir à l’équipe une diversité d’angles de vue : sémiologique, sociologique, historique et juridique. A travers les contributions des différents spécialistes, les méthodes d’examen de l’image, les concepts servant l’analyse, les logiques sous-tendant le raisonnement, les interprétations proposées permettent à tous d’appréhender l’image projetée au prisme d’une grille de lecture spécifique et à chaque fois éclairante.

 

Première journée de travail :

Le groupe se réunit autour d’un thème particulier, à savoir « la frontière ». Chacun se présente avec un support imagé au choix et propose son analyse. La succession des interventions démontre à la fois l’intérêt de travailler ensemble mais aussi la disparité des angles de vue, des pistes exploitées, du vocabulaire, des méthodes et ipso facto des conclusions produites. Au fur et à mesure de la journée, des recoupements s’opèrent et des « ponts » entre les spécialités se construisent. Autour d’une préoccupation commune (la frontière) et d’un support commun (l’image), les analyses spécifiques à chaque discipline se révèlent complémentaires pour appréhender l’image dans sa globalité et pour lui donner sens.

La sémiotique suppose un examen très précis des images, de leur montage, de leur cadre, de leur enchaînement, du fond comme de la forme. Les nombreux extraits proposés par Sylvie Périneau sont à chaque fois littéralement disséqués : l’approche sémiotique permet de se saisir du travail de l’image et de déconstruire l’objet pour mieux en reconstruire le sens. Le vocabulaire utilisé est spécialisé sans être inutilisable par d’autres disciplines : ainsi la diégèse. Suite à la contribution de S. Périneau, un échange autour de la « grammaire » prouve que certains outils emportent, ou non, l’adhésion des spécialistes. Christophe Lamoureux fait une remarque d’importance : le maître d’œuvre du film, celui qui précisément opère ce travail d’image est un artiste et un acteur social. Par là-même, il faut aussi contextualiser le travail de l’image qui ne saurait se réduire à un examen clinique et logique, dépouillé de toute considération de contexte.

Pascal Texier propose une rétrospective de ce qui s’est fait en iconologie juridique avant de montrer ce que le juriste peut tirer de l’examen des images, ici fixes. Là encore, la méthode d’analyse s’appuie sur une série, sur un corpus. Des informations précieuses sur le droit, sur les institutions découlent de l’examen systématique des images médiévales (sceaux, miniatures mais aussi tableaux, tympans ou chapiteaux d’église…). La compréhension du sens des images n’est qu’une première étape : l’analyse produit ensuite de la connaissance sur les procédures, les évolutions institutionnelles et même la chronologie. L’image n’est pas illustration, elle est source première de savoir.

Stéphane Boiron projette des photographies de Land Art au groupe de travail. La question de la recherche du sens est ici primordiale car l’image est porteuse d’un message. Le lieu, l’auteur, la date renseignent sur l’intention première de l’artiste. L’étude des images artistiques dans une démarche politique est intéressante : elle rappelle que l’image peut être vecteur d’un propos. Ici, l’œuvre artistique matérialise le concept de frontière. L’art peut donc faire visualiser, concrétiser, donner à voir l’immatériel, l’insaisissable, l’invisible.

L’intervention de Pascal Plas autour des images des procès internationaux établit la nécessité de réunir des chercheurs capables d’analyser ces images juridiques. L’exemple de Nuremberg est édifiant : 2h de film diffusé sur 40 heures produites alors que le procès a duré plusieurs mois. La vérité peut-elle provenir d’images lorsque l’image est fausse ? La récolte des images en cours va nécessiter un classement, une indexation et à moyen terme une analyse. Pascal Texier et Christophe Lamoureux réagissent sur cette image de procès, notamment aux Etats-Unis. Le premier pour souligner que l’image du procès ne peut se comprendre qu’au regard de la procédure, le second pour insister sur le statut culturel de l’image et sur sa place particulière dans la construction de la mémoire. L’ensemble de ces échanges permet d’établir que l’analyse de l’image est nécessaire au regard de la place que celle-ci prend dans le domaine de la preuve par exemple, et que cette analyse doit être globale : juridique, sociologique, sémiologique.

Christophe Lamoureux a choisi un film de fiction (Heaven’s gate de Michael Cimino) pour démontrer que le matériau cinématographique est précieux, voire irremplaçable, pour le sociologue. Il souligne un point fondamental : l’image cinématographique n’est pas seule en cause, il faut aussi considérer sa réception pour appréhender sa valeur sociologique. Le film, proposé et visionné, devient un matériau ayant valeur de donnée ethnographique. Le film doit ainsi être considéré dans sa réalisation, dans son scénario, dans son genre, dans son époque, dans sa réception pour être pleinement signifiant d’un point de vue sociologique. Alors même que le film n’ambitionne pas de présenter une vérité historique, il est porteur d’une autre vérité qui lui échappe et que seule l’analyse, ici sociologique, peut révéler.

Asal Bagheri expose sa méthode de travail et ses outils d’analyse. A l’appui de deux films autour du thème proposé, elle explique la recherche d’indices convergents qui constitue l’analyse systémique, préalable à l’analyse interprétative. Ce modèle en deux temps permet de travailler l’image comme un texte à partir des signes linguistique ou iconique dont A. Bagheri propose une typologie (iconique, scénique, technique, sonore).

A l’issue de ces échanges, il est apparu que l’approche pluridisciplinaire pouvait préciser le concept de frontière par le recours à ses représentations :

La journée a commencé par la contribution toute conceptuelle de Clarisse Siméant qui vise à définir juridiquement la frontière dans une dimension historique. Avant d’être une ligne, la frontière a été un front, une limite de zone d’autorité ou d’influence ou encore les confins du monde.

L’objet possède une haute teneur symbolique puisque la frontière définit dans une certaine mesure le rapport à l’autre, souvent construit à partir d’une limite territoriale.

La frontière est conçue comme point de contact avant de prendre le dessin d’une ligne de démarcation, qui sépare. Ainsi, la notion de frontière est déjà polymorphe puisqu’elle sépare et rapproche.

La frontière évoque aussi les limites de l’autorité : on ébauche avec elle un espace politique. Cette conception triomphe au moment de la Révolution française dont on connaît le goût pour la ligne droite et le compas : découpage territorial en département et théorie des frontières naturelles.

En droit international, la frontière permet de désigner les points extrêmes de deux ordres juridiques (Virginie Saint-James).

La frontière dessine un périmètre englobant : elle protège mais enferme aussi.

Symboliquement, le franchissement de la frontière est plus important que la frontière elle-même. C’est d’ailleurs souvent à l’occasion de son franchissement que la frontière est évoquée au cinéma (Sylvie Périneau évoque les postes frontières, la douane, les contrôle divers et les moyens de locomotion employés pour passer les frontières qui représentent cette dernière à l’écran…)

Elle donne lieu à un imaginaire fort qui incite au mouvement : dépasser la frontière, repousser les limites, transgresser aussi…

La frontière accompagne souvent une idéologie conquérante, notamment à l’occasion de l’expansion sans fin des empires (romains, napoléoniens…)

 

Au-delà du thème examiné, ce sont surtout les questions de méthodologie qui ont occupé les débats :

 

- Sur la pertinence d’une séparation entre image fixe et image animée : nos échanges ont fait la démonstration que nous pouvions évoquer ensemble ces deux dimensions iconographiques (Xavier Perrot a rappelé en introduction de la journée d’étude que les frises du Parthénon constituent le premier film script de l’histoire). Des méthodes spécifiques peuvent être dégagées mais les grandes lignes du traitement des images et surtout les résultats attendus de l’analyse restent communs.

 

- La question du langage est vite devenue centrale :

Chaque discipline a son langage ; le cinéma a son langage ; les images ont un langage : sémiologue, sociologue et juriste décryptent l’image tout en codant leurs analyses par un vocabulaire spécialisé. Il faut trouver un langage commun ou trouver des connexions entre les vocables, voire établir un langage spécifique pour l’analyse juridique de l’image.

Les sémioticiens évoquent une démarche indicielle (les indices signifient) qui permet de reconstruire une grammaire, toutefois différente de celle de la langue.

 

- Le débat porte aussi sur la question du sens  

Toute image doit-elle faire sens ? N’outrepasse t-on pas notre rôle en reconstruisant arbitrairement avec nos outils disciplinaires, le sens voire le message de l’image ?

Comment trouver l’équilibre entre l’analyse qui éclaire un concept sans préjuger du sens initial de l’œuvre ?

L’analyse juridique de l’image se démarque de la compréhension de l’image. Elle dépasse les intentions premières de la création de l’image pour, à l’appui d’une contextualisation et d’une déconstruction, offrir des éléments de connaissance sur un concept, une institution, une technique juridique, un événement historique. Dans certains cas, l’analyse de l’image conduit à des conclusions différentes de celles de l’historiographie commune.

 

L’image doit être envisagée tant dans sa production que dans sa réception. Il est nécessaire de distinguer entre l’image produite et l’image reçue car on ne doit pas présupposer que le langage du créateur  et le regard du récepteur ne font qu’un. Le sens voulu par le créateur ne sera pas forcément le sens perçu par le récepteur.

L’image utilisée à fin de preuve ne constitue pas automatiquement une image de la vérité. Seule une analyse que l’on pourrait qualifier de scientifique peut tendre à déterminer le sens de l’image, sa teneur véritable. L’image du procès, produite lors du procès ou issue de l’enregistrement de ce dernier, nécessite une analyse approfondie pour révéler sa part de vérité. Elle ne constitue pas, en elle-même, la vérité. De même, le cinéma peut relayer des idées fausses : il participe à la réécriture de l’histoire, voire à son écriture : il revisite les mythes, voire les fonde. Il est l’un des éléments de construction d’une culture sociale et juridique.

 

L’identification traditionnelle de la nature des images entre documentaire et fiction s’avère insuffisante. Il y a parfois plus de réalité dans la fiction (Christophe Lamoureux le souligne pour Heaven’s gate : ce film traduit une réalité sociologique mieux que l’expert ne peut le faire), et plus de composition, de reconstruction dans le documentaire ou la production d’images d’archives (Pascal Plas l’a démontré au sujet du procès de Nuremberg).

Il faut prendre au sérieux la médiation esthétique du cinéma (Sylvie Périneau a souligné que le cinéma est un langage) qui est en soi, un matériau social signifiant. La mise en forme de l’image, dès lors qu’elle est contextualisée, a autant de sens que le fond.

 

- La nécessité du corpus 

Asal Bagheri et Pascal Texier ont souligné l’importance de travailler sur un corpus et non sur des objets isolés : Comment définir ce corpus, surtout quand il s’agit de cinéma. Plus largement et  plus long terme, comment identifier, indexer un corpus, classer les films ?

 

 

La journée d’étude s’est terminée sur une discussion autour de la suite à donner aux rencontres du groupe. Il s’est avéré nécessaire de préciser les objectifs scientifiques de la démarche : qu’est-ce qu’une analyse juridique de l’image, qu’est-ce que l’analyse d’une image juridique, dans quelle mesure est-ce novateur et utile ? Il est urgent de dresser un état de la recherche, de préciser les termes employés (représentation, iconologie, iconographie, analyse juridique) et d’adapter les méthodes d’analyse de l’image afin d’une part de trouver une application spécifique aux images du droit (iconologie juridique) et d’autre part, de donner naissance à une analyse juridique des images.

"Culture et concurrence. Quel cadre juridique pour l'action publique ?", colloque du GRDPE, Grenoble, 17-18 avril 2014

Le droit de la concurrence constitue une des sources du droit de la culture dont l'influence n'a cessé de croître ces dernières décennies. Il conditionne l'action publique dans le secteur culturel et constitue une composante incontournable des politiques publiques menées dans les domaines de l'audiovisuel, de l’édition, du cinéma, ainsi que dans la gestion des services publics culturels (musées, théâtres, festivals, etc.).

L'Autorité de la concurrence a d'ailleurs développé ces dernières années une activité intense afin de préciser le cadre juridique des interventions des personnes publiques.

Pourtant, les études d'ensemble spécifiquement consacrées à la rencontre entre ces deux univers sont rares. Certes, de très nombreux commentaires ou articles analysent de façon parcellaire et dispersée le sujet mais sans que ne se dégage une vision d'ensemble de l'application du droit de la concurrence aux interventions publiques dans l'économie de la culture.

La problématique du colloque vise donc à porter un regard général sur les mutations du droit de la culture depuis l’émergence du droit public de la concurrence.

Entrée libre

Inscriptions en ligne sur : crj.upmf-grenoble.fr

Pour plus d'informations, contacter :
Le CRJ sur crj@upmf-grenoble.fr
ou au 04 76 82 58 14

Programme complet :

http://www.upmf-grenoble.fr/actualites/toute-l-actualite/colloque-du-grdpe-culture-et-concurrence-quel-cadre-juridique-pour-l-action-publique--201026.htm

ESPRIT JAPONAIS - JAPONESE SPIRIT

   Certes, il y a les spécialistes ! Mais gambadons tout de même avec l’innocence de l’extase et de l’à peu près romantique : une forte culture nippone et des centaines d’heures passées dans d’obscures salles, odorantes parfois d’effluves félines ou sushiteuses, ne suffisent pas toujours à saisir l’essence de l’imaginaire de l’archipel aux 1000 cratères, aux marées dévorantes, aux forêts profondes abritant tigres et rōnins urbains en mal de camping et cyclistes casqués.

Le cinéma japonais a été à la fois tardif et pionnier sur le grand écran de la cinématographie mondiale. Inévitablement tardif, de par l’histoire des relations et des technologies (n’y revenons pas), et pionnier car il fut sans doute le premier des cinémas asiatiques à être montré et à séduire les occidentaux : ce fut l’époque de Rashômon du magique Kurozawa (Japon, 1950) avec le magnifique Toshiro Mifuné de L’Ile nue/Hadaka no shima(que déteste Jean Tulard) de Kaneto Shindô (Japon, 1960). Après, la production nippone, pour se faire une place dans la (vulgaire) distribution dominée par les (grossiers) américains joua la provoc avec des Ninjas, des sabres, des violences d’Easterns lointains et des Empires des sens/Ai no corrida de Nagisa Oshima (Japon, France, 1976) et de la Passion/Manji de Yasuzo Masumura (Japon, 1964) qui révélèrent une fesse asiatique attirante, voluptueuse et moins intello que le Kamasutra.

Depuis, la production japonaise s’est considérablement développée, élargie, diversifiée, mais surtout elle est revenue très souvent vers les bases de la mentalité, des usages et des modes de vie japonais : cet ineffable mélange de tradition, de modernité, de rêverie intérieure et de brutalité sociale. Même à demi fou, enfermé dans son building de verre, au bord du karôshi, l’employé bancaire de Tokyo converse avec les dieux, les facétieux kamis des parkings ou des toilettes publiques, songe à la déesse de la mer, à celle des forêts de Niigata, se remémore le dernier tsunami, le tremblement de terre de 1923, imagine la distinguée dame Toda maîtresse de la maison de geishas, voit voler les deux sabres de Miyamoto Musashi, se récite, coincé dans l’infernal métro, le Traité des cinq roues/Go rin no sho de Musashi. Les petits enfants n’omettent jamais de s’incliner pour saluer les grandes personnes, se lèvent comme des ressorts à l’arrivée de leur maîtresse, doivent, afin d’endurcir leur corps et leur pensée, tremper deux fois l’an dans les eaux glacées de la mer intérieure, songent à la fête des cerisiers et à celle des défunts où ils iront disperser les cendres de leur grand-mère et celles de leur chat, tous deux décédés dans l’année…

Tout cela transparait dans les productions récentes, si sobrement attachées au ressenti, sans pathos, avec finesse et sobriété. Un mélange mouvant - tel le monde des saules - de respect, de magie et d’élégance. Tout est dans la manière, même si l’on transmet le pire.

Il y eut ces derniers mois Tel père, tel fils/Soshite Chichi ni Naru d’Hirokazu Kore-Eda (Japon, 2013), lequel explore la complexité de la paternité, les rives de l’amour, l’étendue de l’attachement familial. Plein de non-dits, tout est cependant exprimé, dans le contexte très urbain et moderne d’une société en proie au risque de l’effritement de sa tradition la plus solide, celle de la révérencielle famille. Dans le même registre, mais envisagé non pas du point de vue du père, mais de celui du fils adulte, il y a le superbe, sublime Departures/Okuribito de Yojiro Takita (Japon, 2008), histoire douce et cruelle de ce jeune homme qui retourne vers ses origines après l’échec de ses ambitions premières : il rencontre la mort avec ce maître des rites funéraires, mais sublimée, apprivoisée, et le souvenir de son propre père qu’il voulait gommer mais qui reste incontournable. Plein d’humour et de respect, soutenu par sa très jeune femme, elle aussi pleine de dignité, le héros malchanceux devient un professionnel élégant et respecté parce que la compassion et le respect restent les bases de tout rapport social, de tout jeu mental avec la vie et la mort.

Il y a aussi ce lien très fort avec le ciel, les nuages voyageurs, la nature, qu’il faut respecter et protéger : cette scène très belle dans la véranda du vieil homme, pleine de plantes et de graines, où il explique et se dévoile, enseigne le repas jubilatoire à son élève, lui transmet en quelque sorte son entreprise sans aucune préoccupation financière : il y a cela aussi dans l’élégance et le respect : le désintéressement, la non préoccupation financière… si loin du culte du Dow Johns et du Nikkei.

Dans ce registre de proximité, mon préféré reste Gou-Gou datte neko de aru (Gugu le chat) réalisé par Isshin Inudô, avec Koizumi Kyôko (Japon, 2008). Il s’agit de l’histoire vraie d’une très grande créatrice de mangas, installée dans un des multiples villages qui forment l’interminable banlieue de l’énorme Tokyo : elle travaille dans son appartement-atelier, entourée de ses jeunes stagiaires et élèves. Un jour son vieux chat adoré, nommé Saba, meurt (fort discrètement, comme la politesse le commande). Yumiko est inconsolable, sombre dans la déprime. Alors sa jeune équipe décide, avec ruse, de lui offrir un jeune chaton : ce sera le facétieux Gugu, plein de vie et de rigolade, qui disparaît un beau jour en vadrouille : tout le quartier se met à le chercher. Cela a l’air un peu gâteux mais on découvre là, la vie intime des villages du grand Tokyo, dotés de jardins délicieux, de friches incertaines, de magasins inattendus, de ces restos de nouilles tellement conviviaux découverts naguère (1985) dans l’inégalable Tampopo de Juzo Itami. Et puis une jeunesse foisonnante, ces jeunes gens à lunettes et vestes à carreaux, ces gamines délurées vêtues de jupons en dentelles et de parkas bariolées avec une imagination qu’envierait JP Gaultier ! Bref, Gugu facétieux chaton gris est retrouvé et le nouveau manga de Yumiko est couronné… Tout le Japon connaît ce film délicieux, symbole d’une immodérée passion pour les matous, tout comme dans le plus récent et populiste Chat noir Lucy (Japon,2012) de Tôru Kamei avec Muga Tsukajii. Là aussi, la banlieue, mais plus modeste, constellée de minuscules bicoques plus ou moins branlantes, séparées par d’aventureux jardinets où, l’on cuisine en plein air sur le traditionnel ibashi. Le héros solitaire, pas très beau, un peu trop gros et naïf a bien du mal à joindre les deux bouts : il est fortune lector, - astrologue et chiromancien - mais peu doué et le client se fait rare. Son destin change le jour où il recueille une chatte de rue d’un beau noir lustré et ses chatons : il a l’idée de mettre leur corbeille dans sa vitrine, et de ce jour tout change pour le malchanceux : la chatte est sensée avoir un don de magie et les prédictions tombent juste. Il y a là tout l’univers mental du nippon, peuplé de kamis versatiles, de chats dotés de magie, de hasards qui n’en sont pas, cela dans des vies totalement ordinaires et parfois désespérantes.

J’aime aussi beaucoup, présenté avec succès au festival de Toronto en 2012, Tenshi meisatsu/Tenshi the samourai astronomer de Yojiro Takita (Japon, 2012) : sa beauté fracassante conte la vie du lettré Yasui Santetsu, noble samouraï qui s’adonnait aux mathématiques vers 1650, et créa le calendrier japonais, enfin détaché de celui imposé par la Chine, devenu faux : c’est - en parallèle - la même aventure intellectuelle qu’en Europe à peu près à la même époque. Le film est d’une grande élégance, souvent plein d’humour, avec Adi Miyasaki et Junichi Okadai, une forte symbolique, puisque la paix imposée par les Tokugawa obligea les samouraï à poser les armes de guerre pour des combats plus intellectuels ou simulés en code guerrier quasi artistique.

Ah ! Et puis il faut bien parler de l’animation !Les écoles de mangas ont imposé un style visuel novateur, vif et parlant, menant tout droit au cinématographe (écriture qui bouge) : mon adoration personnelle va toujours au sublime Tombeau des lucioles/Hotaru No Haka d’Isao Takahata (Japon, 1988) : je pleure toujours comme un saule, même au bout de vingt fois : le malheur et l’injustice poétisés, le magique mêlé au quotidien le plus révoltant, dans un graphisme épuré. C’est bizarrement à rapprocher - dans le cacophonique hasard des créations - du beau et déroutant livre de Stéphane Audeguy La théorie des nuages, où le héros, le couturier Akira Kumo, menteur invétéré, fut un enfant rescapé d’Hiroshima.

Notre admiration pour Hayao Miyazaki doit être sans bornes : depuis la fin des années 70 il nous a enchantés avec Nausicaä de la vallée du vent/Kaze no tani no Naushika (Japon, 1984), Mon voisin Totoro/Tonari no Totoro(Japon, 1988), Princesse Mononoké/Mononoke-Hime (Japon, 1997) le mystérieux Porco Rosso/Kurenai no buta (Japon, 1992), Le voyage de Chihiro/Sen to Chihiro no Kamikakushi (Japon, 2001), Sosuke et sa petite copine Ponyo dans Ponyo sur la falaise/Gake no ue no Ponyo (Japon, 2008), nous révélant à chaque fois, par touches subtiles et obstinées, des pans entiers de l’imaginaire japonais, des légendes, de l’histoire récente, du quotidien des autochtones, de leurs habitudes et de leur éducation, des paysages terrestres et des liens étroits avec la mer, tout cela mêlé d’une connaissance approfondie de la culture européenne : le mélange Italie-Nipponerie dans Porco Rosso est délectable et le denier opus, Le vent se lève/Kaze Tachinu (Japon, 2013)reprend cette thématique du mélange des références.

A 72 ans, Miyazaki a décidé d’arrêter le cinéma et de retourner au simple dessin : il a bien raison. Sa succession est assurée et il a créé un style indestructible. Il nous a délivré sa passion pour sa propre société, pour le ciel, les avions, les nuages, la mer (le début de Ponyo sur la falaise est un chef d’œuvre), les enfants, les vieilles dames (ses mémés sont toujours pleines d’humour et d’énergie qu’il s’agisse des Italiennes de Porco Rosso ou des retraitées de Ponyo sur la falaise). Il aime aussi les crétins, a de l’indulgence pour eux et les rend amusants, de même que les monstres maléfiques, dont il fait presque toujours des perdants. Ce que je préfère chez lui c’est son amour des femmes, des jeunes femmes, des mamans à l’esprit indépendant et volontaire et l’énergie qu’il leur donne : la mère de Sesuke dans Ponyo sur la falaise est indestructible, comme dans Princesse Mononoke ou Nausicaä de la vallée du vent..

Je trouve très lamentable les critiques d’intention faites au beau et très adulte Le vent se lève. Sans doute ceux qui les émettent n’ont-ils rien compris au Japon ou ne le connaissent pas suffisamment. Bien sûr, Myiasaki est nationaliste ! Il aime profondément la société qui l’a éduqué, l’admire et tente de la transmettre. Il aime les avions, le petit Zero, un des plus extraordinaires avions créés, même s’il a servi à tuer : un avion, ça sert à partir en vacances, tout comme à balancer des bombes, même sur Hoshima ou Nagasaki… Et le B 27 alors ? C’est l’usage que les hommes font de leurs inventions qui est en cause, pas l’objet. Et dans les années 30 on fumait beaucoup, dans tous les bureaux du monde… On refumera d’ailleurs… Et encore davantage… La vaponette est comme la savonnette : elle va fondre.

Le vent se lève est un film sérieux dont on doit remercier son auteur, une sorte de testament cinématographique, plutôt lyrique et délicat, penché à la fois sur la bêtise incongrue et l’intelligence créative des humains. Que demander de plus ?

Françoise Thibaut

Correspondant de l’Institut

6ème édition du Festival Ciné-Droit sur le thème de "La guerre", du 3 au 8 avril 2014, Faculté Jean Monnet, Sceaux

Le thème de cette nouvelle édition a été choisi en commémoration du centenaire de la Grande Guerre. Colloque, débats, projections ponctueront ces 6 jours de festival.

Au programme, un colloque sur "les lois de la guerre", la projection des films "La vie et rien d'autre", "Aquel no era yo", "La 317ème section", "Gacaca, revivre ensemble au Rwanda", "Lebanon", "La honte", "L'oeuf du serpent", "Lignes de front" et "Heli".

Organisé en partenariat avec la ville de Sceaux, avec son cinéma d'art et d'essai "Le Trianon" et sa bibliothèque municipale, cette manifestation est l'occasion de nourrir des échanges sur un thème juridique à travers le cinéma, et offrir ainsi une rencontre entre universitaires, chercheurs et grand public.

Programme complet :

http://fr.slideshare.net/Cine-Droit/programme-cin-droit-2014-web?utm_source=slideshow02&utm_medium=ssemail&utm_campaign=share_slideshow

"Jacques Perrin, portrait d'un artiste engagé", Colloque 1er, 2 et 3 avril 2014, Université Paul Valéry-Montpellier III

 

 

 

Présentation du colloque et programme complet : http://www.univ-montp3.fr/ufr1/images/DOCUMENTS/ACTUALITES/2013-2014/CollPerrin2.pdf

 

 

DELAISSER LE BLANC DES CIMES POUR LE NOIR DES SALLES DE PROJECTION

   Se plonger dans les histoires de famille avec Un beau dimanche de Nicole Garcia (France, 2013). Sur un scénario écrit à quatre mains (Nicole Garcia et Jacques Fieschi) présentant un récit déconstruit, un prologue nerveux, apparemment incongru avant la première partie, mais qui en réalité assemble les deux parties juxtaposées, la réalisatrice virevolte avec sa caméra autour de son instituteur suppléant de fils (Pierre Rochefort), comme une mère cherchant à capter l’essence de cet être devenu un beau jeune homme.

Histoires de famille encore que celle de Mathias, enfant de parents séparés. Il est balloté entre un père plus intéressé par la course automobile et sa maîtresse que la garde de son fils le week-end de Pentecôte et une mère courant les emplois de serveuse au fil des saisons (la côte méditerranéenne l’été, les stations de ski ou les destinations tropicales l’hiver), afin de rembourser des dettes à des hommes peu recommandables. Heureusement pour Mathias, son instituteur Baptiste (Pierre Rochefort) va le recueillir quelques heures en attendant de le déposer auprès de sa mère, Sandra (Louise Bourgeois).

Histoires de famille enfin que celle que va retrouver Baptiste à la faveur d’un héritage longtemps refusé, mais finalement accepté pour sortir Sandra d’une ornière financière dangereuse. Derrière les écrevisses et la conversation badine autour de la grande table du déjeuner se rejoue l’histoire de Baptiste : pourquoi a-t-il abandonné ses brillantes études ? Pourquoi n’a-t-il pas revu sa famille depuis plusieurs années ? Pourquoi n’a-t-il pas assisté aux obsèques de son père ?

Mais l’essentiel est ailleurs. Le film par petites touches, tout comme Marion de Manuel Poirier (France, 1996) aborde la question des classes sociales. Plusieurs scènes apparemment anodines révèlent le fossé social existant entre Sandra et Baptiste : l’achat d’une veste par ce dernier juste avant le retour dans la demeure familiale dans un sursaut de conformisme vestimentaire, le tutoiement imposé à Sandra par le majordome de la famille de Baptiste qui a reconnu en elle une alter ego, l’agacement de Liliane (Dominique Sanda), la mère de Baptiste, vis-à-vis de Mathias toujours à proximité des adultes et de leurs conversations, car non intégré dans le groupe d’enfants… A l’image de Sandra à laquelle peu s’adressent, si ce n’est Liliane, redoutant que son fils préféré ne construise un couple avec cette jeune femme d’une autre classe sociale…

  

   Se ressourcer avec le noir et blanc sépia d’Ida de Pawel Pawlikowski (Pologne, 2012)et une riche bande son : Bach, Coltrane, Mozart… Et se retrouverdans une Pologne de 1962 avec Anna (Agata Trzebuchowska)  à la veille de prononcer ses vœux au couvent et sa tante Wanda (Agata Kulesza) procureure communiste, toutes deux à la recherche d’une famille juive cachée des occupants nazis, puis assassinée.

Le réalisateur d’origine polonaise, en voulant retrouver la Pologne idéalisée de son enfance, s’est éloigné du langage cinématographique contemporain. Il a ainsi réemprunté les chemins des cinémas polonais et tchèque des années soixante et soixante-dix, avec des plans du visage d’Anna décadrée, photographiée en plongée sur son lit, lui permettant de révéler son goût pour Bresson et Dreyer : http://www.franceculture.fr/emission-projection-privee-pawel-pawlikowski-2014-02-22

« Du dogmatisme de toute part – religieux (la prégnance culturelle du catholicisme), politique (le régime réformateur de Gomulka), antisémite (l’intrigue se déroule avant la grande campagne antisémite de 1968) -, les héroïnes s’abstraient pour retrouver les traces sédimentaires et urbaines de la judéité » ainsi que le note Nicolas Bauche, «Pawel Pawlikowski Ida Antisociale » Positif n° 636, février 2014, p. 15-16. En rencontrant sa tante, Anna découvre un passé méconnu et une identité jusqu’alors inconnue – elle est Ida Lebenstein -, tandis que Wanda la rouge doit affronter ses démons jusqu’à présent noyés dans l’alcool, les cigarettes et les amants. Et si découvrir le monde tel qu’il est permet à Anna de regagner le couvent sereinement, sa tante ploie sous le joug des mensonges trop longtemps enfouis…

  

   S’immerger durant 4 heures et 4 minutes dans les cours magistraux, les séminaires et les réunions de l’équipe de direction du plus célèbre campus de l’Université publique de Californie : At Berkeley de Frederick Wiseman (E.-U., 2013). Et ne pas se sentir asphyxié par le savoir : cours d’astrophysique, analyse des thèmes chers à Thoreau, recherches sur le cancer, poème de John Donne, mais pas de cours juridique pour ce diplômé de droit de l’Université de Yale et ancien enseignant à l'Université de Boston ! Et être témoin d’une écoute respectueuse et intéressée lors des cours ou réunions où chacun – de l’orateur ou de l’auditoire – n’a pas l’attention détournée par un ordinateur portable ou un smartphone et les infinies possibilités d’évasion de l’Internet en cette région de la Silicon Valley.

En un semestre et deux cent cinquante heures de rushes, un montage de quatorze mois étalé sur deux ans et demi, nous pénétrons à la suite de Frederick Wiseman dans l’enceinte de cette prestigieuse université, et une fois le portail monumental du campus étatsunien franchi, nous nous retrouvons face à la question centrale : comment pallier la crise financière et ses conséquences : le désengagement régulier de l’Etat de Californie du budget de l’Université ? Comment préserver les grands principes de l’établissement : aide financière aux étudiants moins fortunés, ouverture aux minorités, recherche de qualité accessible à tous les citoyens et envergure internationale acquise grâce aux nombreux prix Nobel ?

C’est en effet à la vie d’une communauté particulière que nous convie le réalisateur. Celle-ci fonctionne sur un mode horizontal et non vertical, fait de dialogues incessants et de respect entre ses composantes (étudiants, enseignants-chercheurs, direction et personnel administratif et technique). Héritage du Free Speech Movement né en 1964 après l’interdiction des activités politiques par l’administration universitaire, le droit à la liberté d’expression, obtenu par voie pacifique, a conduit au mouvement d’opposition à la guerre du Vietnam et au mouvement hippy. Depuis les contestations étudiantes y sont toujours tolérées, même si leur revendication filmée autour de la gratuité des droits d’inscription est vouée à l’échec. Elle a néanmoins le mérite de souligner les difficultés rencontrées par la classe moyenne blanche, hantée par le déclassement et l’endettement massif dû aux prêts étudiants.
http://www.franceinter.fr/emission-lhumeur-vagabonde-frederick-wiseman-pour-son-film-at-berkeley

Le documentariste, seulement aidé de deux autres personnes lors du tournage, mais n’ayant recours ni à la voix off, ni aux questions, ni aux sons additionnels, nous ménage des échappées, après chaque scène filmée en long plan séquence où un flot verbal se déverse. Conçues comme autant de respirations pour le spectateur elles nous entrainent vers le campus vert et fleuri, la ville de Berkeley et son marché californien, le travail du personnel d’entretien, les rencontres estudiantines sportives et théâtrales toujours rythmées et colorées, les bâtiments universitaires à l’architecture plus proche d’établissements hospitaliers que du modèle oxfordien dont s’est inspirée Harvard, la baie de San Francisco sous le fog ou dans le scintillement de la nuit…

Pour son trente-huitième documentaire consacré à une grande institution, Frederick Wiseman nous offre une plongée dans un monde universitaire idéal : écoute, intelligence et ouverture aux autres !

 

Rencontre avec Xavier Daverat, à la libraire La Machine à Lire à Bordeaux, autour du roman de Forrest Carter : "Josey Wales hors-la-loi", publié aux éditions Passage du Nord-Ouest.

Lorsque le 13 avril 1861 les troupes confédérées du général Beauregard s'emparent de Fort Sumter, depuis six ans déjà la frontière entre le Kansas et le Missouri est à feu et à sang. Maquisards abolitionnistes venus du Nord et guérilleros sudistes s'affrontent en une vendetta faite de granges brûlées et d'exécutions sommaires. Un jour de printemps 1858, la femme et le fils de Josey Wales sont assassinés par une bande de ruffians à la solde de l'Union.
Commencent alors pour le jeune fermier des Ozark Mountains des années de combat aux côtés des plus célèbres rebelles de l'époque. Bloody Bill Anderson, William Quantrill et Jesse James. Mais une fois signée la paix d'Appomattox, bon nombre d'irréguliers refusent de faire allégeance et de déposer les armes. Ces réprouvés deviennent alors des hors la loi dont l'unique salut est la fuite vers le Texas.
De cet épisode méconnu de la guerre de Sécession. Forrest Carter fait un roman de la quête identitaire, un hymne aux grands espaces où la survie dépend d'une paire de colts 44. Mais The Rebel Outlaw Joser Wales c'est aussi l'histoire d'un homme qui, à l'instar d'un pays, veut se reconstruire. Pour cela, quoi de mieux que l'amitié d'un vieux Cherokee, d'une Cheyenne à moitié folle et d'un chien galeux sur lequel on peut cracher sa haine ?

*

Jeudi 13 mars 18h30

Rencontre avec Xavier Daverat, à la libraire La Machine à Lire à Bordeaux, autour du roman de Forrest Carter : Josey Wales hors-la-loi, publié aux éditions Passage du Nord-Ouest.

Xavier Daverat est professeur à la faculté de droit de l’université Bordeaux Montesquieu, où il enseigne le Droit de la propriété intellectuelle et le Droit civil. Il y dirige les spécialités professionnelles de Masters Droit des créations intellectuelles et Droit et administration des établissements culturels.

Il est l’auteur de Tombeau de John Coltrane (Parenthèses, 2012) et le préfacier de l’édition française de Josey Wales hors-la-loi.

« Nous sommes sans doute nombreux à avoir vu Josey Wales hors-la-loi, le film de Clint Eastwood et à y avoir décelé, au-delà de la classique histoire de vengeance, un message de fraternité et de tolérance entre les peuples. En préface à cette fort bienvenue édition par Passage du Nord-Ouest, Xavier Daverat remet toutefois pertinemment en lumière les convictions politiques de l’auteur, Forrest Carter, afin d’éclairer l’œuvre sous un angle différent.

À travers l’itinéraire de ce fermiers des Monts Ozarks engagé chez les rebelles pendant la guerre de Sécession suite au massacre de sa famille, puis devenu un hors-la-loi pourchassé pour ne s’être pas soumis au serment d’allégeance à l’Union après la paix et se liant en chemin avec un vieux Cherokee et une Cheyenne, Forrest Carter, leader suprématiste blanc et fondateur d’un chapitre du Ku Klux Klan, nous explique Daverat, cherche moins à parler de fraternité que de personnages qui se retrouvent dans le même rejet de l’État fédéral. «   (encoredunoir.com)

Animée par Bernard Daguerre, la rencontre sera suivie, au cinéma Utopia, de la projection de l’adaptation de Josey Wales hors-la-loi de Clint Eastwood.

) 

"De la pauvreté", CinémAction n° 149, Andréa Grunert (dir.), Préface de Ken Loach

 

Que révèle la représentation des pauvres d’une société ou d’une époque ? Quel rôle est attribué aux pauvres ? Est-ce que le cinéma des dernières années est marqué par un « retour du social » ? En abordant ces questions, et bien d’autres, dans les cinématographies de différents pays (la France, la Grande-Bretagne, les États-Unis, l’Afrique du Sud, la Chine…) dans les œuvres de cinéastes les plus variés (Maurice Pialat, les frères Dardenne, John Boorman, Wang Bing…), ce numéro propose une multitude de points de vue en accord avec la richesse et la complexité de son thème.

 

L'auteur
Andrea Grunert est docteure en études cinématographiques et enseigne à l’Université Protestante des Sciences Appliquées de Bochum en Allemagne. Elle a soutenu sa thèse de doctorat sur les films de Clint Eastwood à l’Université de Paris X. Ses domaines de recherche sont le cinéma américain, britannique et irlandais. Elle poursuit actuellement ses travaux sur le réalisateur anglais Alan Clarke et la représentation filmique de la minorité des Irish Travellers. Elle est la coordinatrice de Le corps filmé (2006) et de L’écran des frontières (2010), parus dans la collection CinémAction aux Éditions Corlet.

 

CinémAction :http://www.corlet-editions.fr/de-la-pauvrete-andrea-grunert,fr,4,4598.cfm

"PHILOMENA" De Stephen Frears (Grande-Bretagne, 2013)

 

   C’est Judi Dench. Cette femme s’empare des personnages qu’elle doit incarner avec une totale gourmandise : elle les sculpte, les habite, leur offre son regard bleu, sa démarche, sa respiration, son don de l’évasion, son teint de rose strié de ridulettes non fardées.

Philomena est une histoire simple, presque banale dans l’Empire britannique post victorien. Et la personne Philomenaest une de ces jeunes naïves manipulées par le double carcan de la religion et de l’establishment.

Jusqu’à une décennie récente - il faut attendre les années 60, la pilule, les mini jupes de Mary Quant, les babas cools, les Beatles et les Stones - pour que cela se desserre un peu (et pas partout), les jeunes filles étaient presque toujours d’une incroyable naïveté, pas du tout renseignées sur leur propre corps, et absolument interdites de plaisir. Philomena l’avoue d’ailleurs, avec une désarmante simplicité.

Le prix à payer pour quelques moments de jouissance, en cas de suite inavouable, outre le rejet de familles le plus souvent modestes et pétries de religion, était l’envoi dans une des institutions mi couvent mi prison où ces malheureuses devaient rester plusieurs années afin d’expier leur faute, et travailler gratuitement afin de subvenir au coût de leur pension et celle de leur enfant. Il fallait accoucher dans la douleur pour expier (certaines en mourraient), et l’enfant était parfois retiré et mis à l’adoption tout de suite, ou bien laissé deux ou trois ans avec sa mère, qu’il ne voyait que de manière limitée afin qu’elle ne le dévoie pas, puis proposé (et vendu) à de riches adoptants.

C’est ce que Philomenaa gardé au fond d’elle-même pendant tant de temps. Et puis un jour, avec l’unique photo de son petit garçon à la main, elle n’y tient plus : « Il aurait aujourd’hui 50 ans » avoue-t-elle à la fille qu’elle eut dans sa seconde vie. On est entre femmes aimantes et intelligentes : l’action, la recherche s’enclenchent…

Il ne faut pas dévoiler la quête compliquée, les imbroglios, les hésitations, les résistances, l’inattendu, les rebondissements et le dénouement (prévisible). Le destin de ce garçon adopté aux Etats-Unis fut exceptionnel à bien des points de vue, et Philomenaconstate sans amertume qu’elle n’aurait jamais pu lui offrir une telle vie.

Philomena est certainement un des films les plus aboutis de Stephen Frears : très bien monté, il enchaîne avec élégance les péripéties, même si certaines séquences américaines restent plutôt plates. Frears aime et connaît bien les petites gens, et joue sur les contrastes : celui entre la suavité de la belle campagne irlandaise et la cruauté des actes perpétrés par le couvent, celui entre cette simple, instinctive et directe Philomenaet le journaliste Martin Sixsmith (excellent et subtil Steve Coogan, également scénariste) snobinard du West End, revenu de tout, désabusé, formaté au dénigrement par son éducation et Oxford ; il connaît tout le monde, accède facilement aux traces que Philomenane pourrait débusquer sans lui. Le contraste aussi entre les salamalecs anglais et la simplicité (voire la brutalité) des relations américaines. Philomena,elle, ne connaît que la rémission des péchés, possède un instinct infaillible pour débusquer les bonnes personnes et ne connaît pas vraiment le contenu réel de l’expression Oxsbridge.

Donc, c’est bien, savoureux et tendre, avec une bonne dose de cruauté et un sens aigu de la critique sociale.

On peut élargir le propos du film en indiquant que ce système d’« enfermentent » de prétendues pécheresses était fort courant dans la société de l’Empire : il permettait - avec la pingrerie qui caractérise les institutions britanniques - de fournir une main d’œuvre gratuite et soumise pour les travaux les plus ingrats : la blanchisserie, les filatures, les nettoyages de toutes sortes. La vente plus ou moins déguisée d’enfants issus du pêché, abandonnés(ou supposés tels) était également fort lucrative. Les odieux mensonges du couvent de Roscrea sont si peu exceptionnels que l’Eglise d’Irlande a jugé bon, il y a peu de temps, de demander pardon. Il y a pire et plus vaste : dans tout l’Empire, l’envoi de femmes indésirables aux colonies, accompagné de leur vente, la séparation d’avec leurs enfants, également objets d’adoption, était assez naturelle. La population féminine de l’Australie notamment, démarra en grande partie dans de telles conditions : il suffit, sur place, de lire les registres du bagne pour femmes de Paramatta (où séjourna Louise Michel). Cette politique de séparation de mères indésirables de leurs enfants destinés eux, à être européanisés fut appliquée pendant plus d’un siècle aux Maoris, aux Abos d’Australie. Déclarée Terra Nullius en 1788, l’immense Australie ne fut véritablement colonisée qu’à partir du milieu du 19ème siècle ; jusque dans les années 1950 des hommes équipés de chiens et de fusils étaient encore chargés de pister (on les appelait les pisteurs) les adultes et les enfants qui essayaient d’échapper au système et de se rejoindre. On peut lire le magnifique livre de Doris Pilkington - Follow the Rabbit-Proof Fence/Le chemin de la liberté - qui, dans les années 30, traversa avec sa petite sœur la moitié de l’Australie, poursuivie par des molosses, pour rejoindre sa famille. Il y eut aussi, de manière très européenne assez généralisée, le placement par des institutions laïques ou religieuses, des enfants orphelins de la guerre 39/45 dans divers pays : tout Américain, tout Australien ou Néo Zélandais, peut désormais accéder aux registres d’immigration de son pays d’adoption et tenter de retrouver ses origines.

Voila à quoi fait songer Philomena : cette mise en film d’une histoire véritable rouvre des pans entiers d’une histoire proche et secrète que l’on aimerait oublier, malgré ses aspects souvent positifs. Mais dans son cas, la question est plus hypocrite, car l’ordre du Sacré Cœur, dissimule et détruit systématiquement les traces.

Je ne sais pas si le film de Frears est un réquisitoire contre les pratiques de ces institutions catholiques. Elles recevaient à l’époque l’approbation sociale et paraissaient plus ou moins justifiées, face au risque de dévoiement que représentait alors la libre disposition de leur corps par les femmes. Et la religion - quelle qu’elle soit - a souvent du bon. Même si on n’y croit pas trop. Philomena est un bon film, bien fait, beau et intelligent, animé par des acteurs remarquables, et une héroïne attachante et lumineuse.

La littérature britannique (avant le cinéma ) pullule de ces jeunes héroïnes naïves à la recherche du bonheur et des hommes : leur ignorance est phénoménale, de même que leur appétit de vivre : « l’oie blanche et le séducteur (pervers) » est un thème récurent : à commencer par Jane Eyre et son Rochester, les sœurs Bennet de Jane Austen, l’héroïne d’Easy Virtue/Un mariage de rêve de Stephan Elliott (Canada/G.-B., 2008), les bouquins de Nancy Mitford, et tant d’autres… Récemment la BBC a financé pour la télévision un film remarquable sur le sujet : An Education/Une éducation de Lone Scherfig (E.-U./G.-B., 2009) avec la si fraîche Carey Mulligan (c’est Philomena jeune) et le mensonger Peter Sarsgaard, homme marié spécialisé dans la séduction des lycéennes. L’action se situe au début des années 60 ; le film bénéficie aussi de la présence d’Alfred Molina. Ce qui prouve que le thème n’est pas épuisé.

P.S. dans Philomena la très menteuse soeur Hildegarde vit bien mal sa chasteté : ce qui me conforte dans l’opinion qu’il vaut mieux être une gentille dévergondée qu’un saint chameau….

Françoise Thibaut

Correspondant de l’Institut 

On peut aussi lire sur ces sujets, ma chronique Billet d’Australie : Musées d’immigration et cimetières de pionniers sur le site de Canal Académie (2012).

 

"Présentations et représentations du droit international dans les films et les séries télévisées", Centre de Droit international de l'Université Libre de Bruxelles, 17-18 février 2014

 

Le Centre de Droit international fait son cinéma !

Atelier 1 - Droit international, réalité ou (science-)fiction ?
Atelier 2 - Guerre, force et opérations de police : de quel droit ?
Atelier 3 - La justice entre en scène
Atelier 4 - Les droits de la personne à l’écran

Présentation et programme complet du colloque : http://cdi.ulb.ac.be/colloque-international-presentations-et-representations-du-droit-international-dans-les-films-et-les-series-televisees/

 

 

Séminaire "Frontière(s) au cinéma", Université de Limoges, 13 février 2014

Programme

11h-11h30  : Christophe Bonnotte (MCF en droit public - Observatoire des Mutations Institutionnelles et Juridiques (OMIJ) - IPAG, Université de Limoges)

D’une frontière à l’autre : des limites territoriales aux limites éthiques

11h30-11h-45 : Débat

11h45-12h30 : Sylvie Pérrineau (MCF en Sciences du Langage - CeReS -IUT du Limousin)

Frontières au cinéma : conventions et jeux

12h30-12h45 : Débat

13h : Déjeuner

14h15 : Réunion salle B215

Université de Limoges, faculté des lettres et des sciences humaines : http://www.flsh.unilim.fr/2014/02/seminaire-frontieres-au-cinema/

5ème Festival international "Filmer le travail", Poitiers, 7-16 février 2014

Le programme complet du Festival : http://gestes.net/wp-content/uploads/2014/01/Web_Article_Filmer-LeTravail-2014-PROGRAMME.pdf

Dans le cadre du festival Filmer le travail


Samedi 08 février : 20h30


Lieu : Maison des étudiants - Poitiers
Tarif : 15 € / tarif réduit : 10 €



Pourquoi Philippe Widdershoven, directeur informatique et délégué CGT de l’usine de porcelaine Deshoulières, s’est-il suicidé ? Partant de cette interrogation, Jean-Pierre Bodin, seul en scène, se livre à l’exploration d’un monde en mutation, celui des travailleurs d’usine. Accompagné des images d’Alexandrine Brisson et de l’univers sonore de Thibault Walter, Jean-Pierre Bodin, avec une générosité fraternelle et sans misérabilisme, donne la parole aux ouvriers qui témoignent de leurs conditions. 


Suivi d’une rencontre avec Jean-Jacques Chavagnat, psychiatre, Hôpital Henri Laborit (Poitiers), Jean-Pierre Bodin, acteur, auteur, Alexandrine Brisson, réalisatrice et Sonya Faure, journaliste. Animée par Jean-Paul Géhin, sociologue, Université de Poitiers.


Réservez dès à présent vos places pour la pièce "Très nombreux, chacun seul" sur notre billeterie en ligne :
https://www.yesgolive.com/filmer-le-travail/tres-nombreux-chacun-seul 



Plus d'informations : http://2014.filmerletravail.org/theatre/tres-nombreux-chacun-seul/

11 février 2014

Les jeunes face au travail : quelques éléments de réflexion

Lieu : Espace Mendès France
Inscription obligatoire
Mardi 11 février

Thème de la journée : La tentation est grande d’attribuer à la jeunesse des qualités ou une culture qui lui seraient propres. La jeunesse est ainsi réputée pour son dynamisme et sa fraîcheur. Force est de constater qu’elle est fortement prisée pour son énergie et sa résistance physique dans les « emplois sans qualité », et pour son adaptabilité et sa familiarité avec les nouvelles technologies dans les emplois plus qualifiés. Ces particularités de la jeunesse sont également associées à des effets de génération. Après les « baby-boomers » et la génération X, serait venu le temps de la génération Y. Présentée comme rétive aux engagements professionnels durables, cette nouvelle génération manifesterait d’opportunes dispositions à la flexibilité dans le travail comme dans l’emploi. Les jeunes seraient ainsi détenteurs de « valeurs » qui les amèneraient à entretenir un rapport plus distant avec le travail. Ils se montreraient davantage soucieux de conciliation avec leurs engagements extra-professionnels que leurs aînés et davantage imprégnés de valeurs d’individualisme, d’utilitarisme et de court-termisme.  C’est cette vision de la jeunesse que nous interrogerons durant cette journée en mettant l’accent sur le travail et pas seulement sur l’emploi.

La journée s’organisera selon le programme suivant :

Matinée du 11 février : le rapport des jeunes au travail
● 9H30 Conférence introductive de Sylvie Monchatre (sociologue) : « La jeunesse est-elle une compétence ? ». Echanges avec la salle

● 10H30 Projection d’un film documentaire sur ce thème. "Etincelles", en présence de la réalisatrice, Alejandra Santander

Dans le lycée professionnel des arts du métal Ferdinand Fillod, nous rencontrons professeurs et élèves. Les premiers présentent les ateliers et les différentes formations qui y sont réalisées. Les seconds évoquent avec enthousiasme leur découverte du travail du métal et leur engagement dans la création artistique qu’il permet.

« Je suis particulièrement heureux que le Festival d’Évreux ait choisi de distinguer le film “Étincelles” : je sais l’investissement du lycée professionnel, de ses enseignants, de ses cadres éducatifs et de ses élèves pour réaliser ce document qui dit avec tant de force l’importance de la formation exigeante au geste juste dans une “pédagogie du chef d’oeuvre”. Ils montrent à quel point la formation professionnelle peut porter l’intelligence à incandescence ; ils font voler en éclats les vieilles et absurdes catégories qui opposent le “manuel” et "l’intellectuel” ; ils rappellent opportunément que la valeur fonctionnelle et le plaisir esthétique ne s’opposent pas mais convergent dans le symbolique ; ils illustrent à merveille la célèbre formule du philosophe grec Anaxagore : “L’homme pense parce qu’il a une main”. Philippe Meirieu, professeur en sciences de l’éducation à l’université Lumière-Lyon, décembre 2013.

·         11H30 Débat : témoignages d’acteurs : Mélanie Guitton, en service civique à la MJC Aliénor d’Aquitaine, Jules Aimé, jeune élu à la Mairie de Poitiers, Isabelle Taveneau, réalisatrice et animatrice d’ateliers sur les images du travail, un éducateur et un jeune de l’Ecole de la deuxième chance (sous réserve). Échanges avec la salle.

Après-midi du 11 février : la question de l’intergénérationnel

● 14H00 Regards croisés : « Les rapports intergénérationnels au travail »,

-          « Ages, générations : une question de travail », Jeanne Thébault, ergonome, chercheuse 
au CREAPT CEE.

-          « Tutorat et relations intergénérationnelles », Christian Papinot, sociologue, Université de Poitiers.

-          Échanges avec la salle.

● 15H15 « Les contrats de génération,  premier bilan » avec le Ministère du travail, un intervenant en entreprise  (ARACT), des acteurs junior et sénior (CISTE).

● 16H30 Table-ronde : « Quel travail des jeunes demain ? » Avec le Ministère du travail, la Région Poitou Charentes, un syndicaliste et un chef d’entreprise, animée par Jean-Paul Géhin, Sociologue

La journée du 11 février sera suivie de la projection du film suédois Eat, sleep, die premier long métrage de Gabriela Pichler, qui a obtenu le Grand Prix du Jury du 25e festival « Premiers Plans » d’Angers en 2013. Cette soirée s’inscrit dans le cadre d’une carte blanche donné au festival Premiers Plans d’Angers cette année.

 

12 février 2014

Le monde ouvrier : Image d’hier, regards d’aujourd’hui

Lieu : Espace Mendès France
inscription obligatoire
Mercredi 12 février

Thème de la journée : réfléchir sur les images d’ouvriers dans la société française de l’après-guerre mondiale à nos jours.

Cette réflexion s’organisera autour de deux axes : les images elles-mêmes, qui ont jalonné l’histoire récente du mouvement ouvrier en France et les propos tenus sur ces images, au moment de leur publication et par la suite. Si l’image ne parle jamais d’elle-même, si elle ne prend sens que dans les commentaires qui l’accompagnent – d’où l’importance des légendes, tant soulignée, entre autres, par Walter Benjamin ou Howard Becker –, c’est à parler des images de la classe ouvrière au cours des soixante dernières années que nous nous attacherons. Cette invitation paraît urgente au moment où la recrudescence des images signerait, à en croire certains discours, la fin de la classe ouvrière. Mais a–t-elle vraiment dit son dernier mot ? Et les images actuelles en sont-elles effectivement les dernières ?

Matinée du 12 février : « Ouvriers d’hier »

·         9H30 Conférence introductive de Roger Cornu : « La classe ouvrière n’est plus ce qu’elle n’a jamais été »

·          10H30 « Les ouvriers dans les années 1960 », intervention de Martine Sonnet (historienne et romancière) ; archives de l’Ina (reportage de Marcel Trillat, 1970)

·         11H30 Table ronde : « Point de vue artistique et approche scientifique » réunissant Gérald Bloncourt (photographe), Bruno Loth (dessinateur), Roger Cornu (sociologue) et  David Hamelin (historien) animée par Christian Papinot

Après-midi du 12 février : « Ouvriers d’aujourd’hui »

·         14H00 Regards croisés : « Évolution de l’image des ouvriers de l’après guerre à aujourd’hui » : Nicolas Hatzfeld (historien) et Henri Eckert (sociologue).

·         15H00 Présentation d’un montage de photos d’ouvriers et commentaires croisés : avec Gérald Bloncourt (photographe), Serge Lhermitte (photographe), Valérie Guénot (salariée ayant participé aux ateliers photo sur le travail ouvrier dans le cadre de la résidence de Serge Lhermitte au CCP de Saint-Nazaire), Marc Leclerc (photographe), Martin Thibault (sociologue), animée par Emilie Aunis, sociologue.

·         16H30 Table ronde conclusive « Quelle(s) image(s) des ouvriers demain ? »  avec un représentant du Ministère de la culture, de Georges Stupar (élu régional et municipal), de Serge Le Glaunec (syndicaliste CGT),  d’un chef d’entreprise (sous réserve), animée par Anne Jollet.

La journée du 12 février sera précédée, la veille à 18h, du vernissage de l’exposition de photographies de Gérald Bloncourt présenté à l’Espace Mendès France. Des planches à dessins de Bruno Loth extraites des bandes dessinées « Apprenti » et « Ouvrier » seront exposées en écho à cette journée de rencontres à la Maison de la région ainsi que des photographies réalisées par des salariés volontaires des chantiers navals STX, de la Slides et du Service Espace public de la ville dans le cadre de la résidence du photographe Serge Lhermitte au CCP de Saint-Nazaire.

Cette journée sera suivie d’une soirée en hommage à Armand Gatti lors de laquelle seront montrés des films de la série Le lion, sa cage et ses ailes, films réalisés à Montbéliard dans le bastion Peugeot, par, pour et selon les ouvriers immigrés eux-mêmes, à savoir :

Montbéliard

Documentaire – France – 43’ – 1976

Armand Gatti nous présente la ville à travers l’univers de ses habitants immigrés.

Le Premier mai (film polonais)

Documentaire – France – 27’ – 1976

Dans le chassé-croisé des transports de Montbéliard, naît l’histoire de Tadeusz le Polonais qui, chaque année, parcourt la distance qui le sépare Paris de Varsovie.

La bataille des trois P (film yougoslave)

Documentaire – France – 43’ – 1976

Ce film sera celui de Radovan, mis à la porte de chez Peugeot pour avoir attaqué au karaté une chaîne de montage de voitures.

En présence d’Armand Gatti, poète, dramaturge, cinéaste et de Nicolas Hatzfeld, historien.

Reprise de la série en intégrale à la Médiathèque François-Mitterrand du jeudi 13 au samedi 15 février.

 

LE LANGAGE, RÉGULATEUR DES CRISES INTERNATIONALES, "Quai d’Orsay" de Bertrand Tavernier (France, 2012)

Denrée rare et souvent fade du cinéma français, le film politique vient ces dernières années de gagner quelques lettres de noblesse ou, pour s’affranchir de toute terminologie aristocratique, quelques vaillantes couleurs républicaines. Après L’exercice de l’Etat (France, 2011), remarquable étude des cabinets ministériels signé par Pierre Schoeller, c’est au tour de Bertrand Tavernier de livrer, avec Quai d’Orsay, sa vision du fonctionnement du pouvoir exécutif. Il ne s’agit pas de sa première intrusion dans les hautes sphères de l’Etat. Il y a près de quarante ans, Que la fête commence  (France, 1975)mettait déjà en scène les plus éminentes figures de la monarchie française. Certains prendront plaisir à établir quelques parallèles saisissants entre la cour du duc d’Orléans et celle du ministre des Affaires étrangères. D'autres s’amuseront tout autant à reconnaître, parmi les acteurs qui firent une brève apparition dans Que la fête commence l’encore tout jeune Thierry Lhermitte, qui tient aujourd’hui le rôle du locataire phraseur et virevoltant du Quai d’Orsay.

Thierry Lhermitte endosse ici les habits d’Alexandre Taillard de Vorms, double assumé de Dominique de Villepin, au cœur de la crise internationale précédant l’invasion de l’Irak. Le film, adaptation plutôt fidèle d’une bande-dessinée éponyme (Abel Lanzac et Christophe Blain, ed. Dargaud, 2011), suit les premiers pas d’Arthur Vlaminck au sein du cabinet du ministre. Chargé des « langages », il se lance avec peine dans la rédaction de discours qui jamais ne semblent trouver grâce aux yeux de leur principal destinataire. « Il faut tout reprendre depuis le début ! » est souvent la seule indication qu'il reçoit du ministre. Jeté sans préavis dans le bain acide des tensions du grand monde diplomatique et des querelles intestines du petit monde des cabinets ministériels, il sera témoin de la gestion acrobatique de plusieurs crises internationales et participera finalement avec succès à la rédaction du fameux discours que prononça le ministre français devant le conseil de sécurité de l’ONU, le 14 février 2003.

(http://www.dailymotion.com/video/xc5ax8_dominique-de-villepin-a-l-onu-14-fe_news)

Derrière l’indéniable réussite du film dans son registre burlesque se dissimulent des thématiques plus sérieuses et des enjeux plus profonds. Le juriste cinéphile, nourri par la fréquentation des salles de négociation et des salles obscures, ne manquera pas de s’interroger sur la place réservée au droit international dans le déroulement des événements et dans les motivations de ses acteurs.

Le désir de « légitimité » revient sans cesse ; il devient même l'un des ressorts comiques du film, martelé par un ministre aux allures de pantin désarticulé. Mais cette légitimité n’est pas celle du droit ; elle apparaît plutôt comme forgée par l’histoire des rapports de force et par la place que la France entend pleinement occuper au sein du Conseil de sécurité, ou moins glorieusement dans son « pré carré africain ». À moins bien sûr qu’un esprit mal tourné ne puisse voir dans le droit international que la résultante de ces rapports de force, sans autre légitimité, précisément.

Car au fond, qu’est-ce qui animait vraiment la France, en février-mars 2003, lorsqu’elle s’opposait, non seulement à l’intervention militaire de la coalition menée par les Etats-Unis, mais aussi et surtout à toute validation de cette intervention par la communauté internationale, ici incarnée par le Conseil de sécurité ? Etait-ce le respect du droit international ? On peut en douter, car sans la menace du veto français, ladite intervention aurait sans doute été avalisée par l’ONU, et aurait donc pu, de jure, « devenir légitime ». En quelque sorte, l’illégalité de l’intervention américaine prit forme dans la menace du veto français.

Le spectateur d’aujourd’hui, découvrant par le cinéma cette réalité du droit international, saura la comparer avec ce qui se joue aujourd’hui autour de la crise syrienne. Certes, les deux situations ne sont pas entièrement comparables. Les armes de destruction massive de l’Irak n'étaient que de simples suppositions qui se révélèrent infondées, alors que les armes chimiques syriennes sont une réalité tragiquement avérée. Pour autant, le droit reste le même, et le recours à la force demeure lié à l’adoption d’une résolution du Conseil de sécurité. Cette institution, que la France défendait hier comme seul rempart légitime contre la tentation unilatérale, est-elle devenue soudain le complice de la barbarie ? Son inaction, jadis favorisée par la France, est désormais le résultat des pressions russes. Et le veto salvateur d’hier est devenu le veto coupable d’aujourd’hui.

Cette étrange fabrique de la norme internationale se lit en creux tout au long du film, au travers du cheminement tortueux du discours, axé dès l’origine autour d’une combinaison cryptique qui sonne comme une devise nationale : « légitimité, unité, efficacité ». Dans cette dynamique, les préoccupations juridiques n'occupent pas une place de premier plan. Ce qui se joue ici relève plutôt du répertoire classique du théâtre international : un face-à-face entre les États-Unis et la France, entre la puissance réelle et la puissance fantasmée, entre la grande armée et le commando.

Alexandre Taillard de Vorms : « La garde rapprochée du secrétaire d'Etat américain c'est 80 personnes, avec des moyens énormes. Nous, on est à peine une dizaine. C'est un tout petit navire. Ce n'est même pas un navire d'ailleurs, c'est une barque. C'est dérisoire. C'est un radeau. Mais, sur ce radeau, j'ai choisi les meilleurs. »

Devant l’étalage de la force américaine, que l’on perçoit dans le film sans jamais qu’elle ne soit montrée, Bertrand Tavernier met en scène un homme presque seul, qui se décrit lui-même comme étant « à poil », avec pour seul bagage des feuilles de papier remplis de mots, de concepts, de renvois historiques et de références littéraires ou poétiques. L’arme suprême que le ministre brandit, avant même la menace du veto, est un livre en forme de fragments écrit au VIème siècle avant notre ère par Héraclite, avec lequel il partage le goût immodéré pour l’obscurité aphoristique, mais aussi pour une forme étrange d’introspection narcissique, parfaitement illustrée par le fragment héraclitéen qui ouvre le film : « J’étais en quête de moi-même  (fragment 101)»

Les relations internationales, dans la vision embrouillée du ministre français, semblent animées par un mouvement permanent de forces contraires, à l’image des tensions dont Héraclite faisait le moteur du monde : « le combat est le père de toutes choses (fragment 53) ». Mais, dans ce combat incessant existe un principe d’ordre et d’équilibre, dont l’un des éléments clés est le logos, mot grec qui signifie à la fois « raison », « logique », « loi » et « langage ». On comprend mieux, dès lors, pourquoi le ministre admirateur d’Héraclite accorde au langage une importance primordiale. Et comment le discours, finalement, fait office de loi internationale.

Stéphane Cahut, conseiller du ministre : «Ce discours, c'est comme si vous lisiez le Talmud à une assemblée de copropriétaires. Il y aura 191 discours, de 10 minutes chacun ! »

Alexandre Taillard de Vorms : « Justement, chaque minute compte ! » 

À cet égard, on admirera tout autant les discours « fondateurs », déclamés par le ministre tribun, que l’usage discret mais obstiné du langage, au sens de dialogue, dont fait preuve l’infatigable directeur de cabinet du ministre, Claude Maupas. C’est le logos, encore lui, qui dénoue les crises, comme si les mots pouvaient desceller les pierres des murs réputés les plus infranchissables. C’est aussi par son discours chuchoté mais récurrent, sans éclat mais réaliste, cohérent, répétitif jusqu’à l’ennui mais habilement conçu et défendu, même lorsqu’il est en demi-sommeil, que Claude Maupas, serviteur de l'Etat, parvient à convaincre le ministre de l’importance primordiale de la relation franco-allemande.

Le film est aussi une illustration à la fois cruelle et drolatique du « cavalier seul » si souvent assumé par la diplomatie française. Le ministre présente la France comme un pays qui sait se tenir « debout, face à l’Histoire et devant les hommes » – citation authentique. Contre l’ignorance et la peur, vocables qui semblent désigner le reste du monde, le ministre prétend se faire le porte parole de l’humanité tout entière, en digne héritier des valeurs universelles dont le siècle des Lumières et la Révolution furent l’incarnation – à tort ou à raison. Il y aurait ainsi, comme le décrit Martti Koskenniemi dans son ouvrage de référence sur l’histoire du droit international, The Gentle Civilizer of Nations, une volonté hégémonique d’une certaine doctrine internationaliste française, qui s’appuie sur ce qu’elle imagine elle-même comme la symbiose parfaite entre le génie français et le bonheur de l’humanité.

Cette symbiose explique en partie le profond mépris que le ministre éprouve à l'égard de la construction européenne, confisquée selon lui par la technostructure administrative. Elle est aussi à l’origine de la « Françafrique », dont les soubresauts sont évoqués dans le film lors du passage consacré à la guerre civile en Oubanga, dont il n’est pas difficile de voir un proche cousin de la Côte d’Ivoire. Bertrand Tavernier ne fait ici qu’effleurer ce qu’il dénonçait avec verve dans Coup de torchon, trente deux ans plus tôt, et ne se sert de cet épisode que pour pointer les contradictions manifestes de la politique étrangère française – l’ONU, dont on ne souhaite surtout pas qu’elle endosse la fièvre va-t-en guerre des néoconservateurs américains, devrait en revanche avaliser dans l’heure l’envoi de militaires en Afrique pour éviter un bain de sang dans lequel, détail non négligeable, des milliers de ressortissants français pourraient être plongés. L’humanité, d’un seul coup, s’identifie aux réseaux humains et commerciaux que la France a tissés dans ses anciennes colonies. « Une route qui monte et qui descend – une et la même (fragment 60) », aurait sans doute dit Héraclite.

Pour conclure, il faut insister sur le rythme et l’exceptionnelle qualité documentaire du film, qui met en scène le théâtre du droit international dans ses décors naturels – les ministères, le siège des Nations Unies, mais aussi les routes à peine carrossables d’un pays en guerre. Aux pièces immenses richement décorées et totalement vides s’opposent les bureaux et les salles de réunions minuscules fourmillant de fonctionnaires surmenés et affamés, mais toujours soucieux de leur apparence extérieure. La sombre rigueur des costumes et la brillance des chaussures comptent autant que le contenu des positions défendues.

De ce chaos permanent, où les feuilles et les dossiers s’envolent plus vite que les idées, surgit enfin un discours, un exposé, une vision claire, un logos venant du fond des âges. Des fragments de droit, peut-être.

Immi Tallgren

LL.D., Research Fellow, Erik Castrén Institute of International Law and Human Rights, Université de Helsinki

Billet déjà posté sur le blog du Centre de droit international, Université Libre de Bruxelles :http://cdi.ulb.ac.be/quai-dorsay-bertrand-tavernier-2013-le-langage-regulateur-des-crises-internationales/#more-1737

 

EXPOSITION « INDOCHINE, DES TERRITOIRES ET DES HOMMES 1856-1956 » Paris, Musée de l’armée, jusqu’au 26 janvier 2014

   Regards croisés de français et d’indochinois sur l’histoire coloniale de l’Indochine, de ses débuts à la fin de l’Empire français en Extrême-Orient, à l’image des premiers cartons traduits en laotien, vietnamien, cambodgien Khmer.

Grâce à des cartes et croquis, des costumes d’apparat et tenues militaires, des objets usuels et des armes, des affiches, des archives sonores et audiovisuelles, nous partons sur les traces des premiers explorateurs français, de la compagnie des Indes en charge depuis le port de Lorient du commerce des marchandises avec l’Asie… jusqu’à la défaite de Dien-Bien-Phu le 7 mai 1954 et la signature à Genève le 21 juillet 1954 par Pierre Mendès France - lors de la conférence internationale sur les questions coréennes et indochinoise - d’accords établissant un cessez-le-feu, prélude à la fin de la présence française en Indochine.

Premières annexions, premiers protectorats, premiers films documentaires des frères Lumière, à la recherche de vues insolites tels la Revue des troupes (1900) ou les Tirailleurs annamites (1900), illustrant la construction d’un empire colonial français sous la III° République, jusqu’au film amateur du lieutenant Mademba Sy, Evacuation du Tonkin (1955).

Retour sur une histoire en partie méconnue, dans une perspective chronologique, quelques mois après le décès du général Giap:http://www.lemonde.fr/disparitions/article/2013/10/04/le-general-giap-heros-de-l-independance-vietnamienne-est-mort_3490198_3382.html

Colloque "Territoires et cinéma" L'ancrage territorial du cinéma : convergences économiques/identités culturelles/emblématiques locales, Espace culturel de l'Université d'Angers, 20 janvier 2014

9h00/9H40: Accueil des participants

 9H40 /10H00 : Présentation de la journée

Claude-Eric Poiroux (Délégué Général du Festival Premiers Plans Angers)

Dominique Sagot-Duvauroux (Responsable scientifique du projet « Valeurs », Professeur d’économie  à l’Université d’Angers, membre du GRANEM, Responsable scientifique du projet « Valeurs »)

Sandrine Emin  (Maître de conférences en gestion à l’IUT  d’Angers, membre du GRANEM,  co-responsable de l’axe  2  du projet « Valeurs » : spécialisation de la culture pour un territoire)

Christophe  Lamoureux (Sociologue du cinéma, maître de conférences à l’Université de Nantes, membre du CENS)

Matinée : Cinéma en région : configuration territoriale et effervescence festivalière (Restitution des travaux des chercheurs du projet «Valeurs »)

Modératrice : Nathalie Schieb Bienfait (Lemna, Nantes)

10h00/ 10h25 : Florian Guinaudeau (Doctorant Sociologie, Université de Nantes, CENS)

L’espace social de l’exploitation cinématographique dans la région Pays-de -Loire.

10h25 / 10h50: Stéphanie Peltier (Mcf/HDR  en  économie, Université de La Rochelle, Granem)

Festivals de cinéma et territoire : quelle perception de la population Rochelaise ?

10h50/11h15: Discussion

11h15/ 11H30 Pause

Modératrice : Sandrine Emin (Granem, Angers)

11h30/  11h55: Joël Guibert  (Mcf/HDR Sociologie) et Christophe Lamoureux (Mcf Sociologie), Université de Nantes, CENS.

Une cinéphilie à moyenne portée ? Valeurs éducatives, cultures générationnelles et construction sociale du goût au festival « Premiers Plans » à Angers

11h55/12h20 : Eve Lamendour (Mcf Gestion,  Université de La Rochelle, CEREGE)

L’expérience des festivaliers ou comment une pratique exceptionnelle est porteuse d’une identité forte (communication photographique)

 12h20/12h45 : Discussion

12h45/ 14H30 : Déjeuner

Après-midi : La valeur territoriale du cinéma : quelle place pour la salle et les festivals de cinéma dans la ville ?

Conférences plénières : modérateurs : Eve Lamendour (CEREGE) et Christophe Lamoureux (CENS)

14h30/15h15: Emmanuel Ethis (Pr. Sciences de la Communication.,  Président de l’Université d’Avignon Pays Du Vaucluse, Centre Norbert Elias)

La salle de cinéma comme lieu de rendez-vous: enracinement, liens et  attachement

15h15/16h00: Christel Taillibert (Mcf, Histoire du Cinéma, Université Nice Sophia-Antipolis, Lirce)

 Du global au local : les nouveaux enjeux des festivals de cinéma

16h00/ 16h30:  Discussion

16h30/ 17h00 Pause

17h00/ 18h30: Table ronde et Grands Témoins,  modérateur : Dominique Sagot-Duvauroux

Claude-Eric Poiroux /Xavier Massé (Festival Premiers Plans Angers)

Pilar Vasseur Martinez (Festival du Film Espagnol de Nantes)

Emmanuel Ethis (Université d’Avignon, Centre Norbert Elias)

Christel Taillibert (Université de Nice Sophia Antipolis, Lirce) 

18H30/19h30 :

Cocktail (Palais des congrès)suivi de la projection d’un film en compétition au

Festival « Premiers Plans »  à 19h30

*

Pour plus d'informations : http://www.projet-valeurs.org/l-ancrage-territorial-du-cinema.html

 

L'Orient Extrême

A Touch Of Sin/Tian Zhu Ding de Jia Zhang-Ke (Chine, Japon, 2013). Eblouissant ! La vraie Chine actuelle (pas pour touristes), où la vie est une survie, où l'on roue de coups ceux qui dérangent, où l'on paie pour leur silence... Rien n'a changé depuis les Ming, les Song, les Tang... Vie du peuple ordinaire, coincé entre tradition plus que bimillénaire et modernité galopante, gens modestes, instruits, asphyxiés d'injustice, dévorés de lassitude, avec aussi des éclairs de gaité, très chinoise où l'on rit fort pour cacher le mépris. Produit à Shanghai, dérangeant, d'une grande beauté plastique, avec des images magnifiques et une musique toute locale qui soutient parfois les silences, on y parcourt des paysages sublimes, des banlieues désolées, des paysages nimbés de brumes ou de pollution ? Comme on veut. Davantage - sans doute - documentaire social qu'histoire, le film déploie en quatre destins la vie des oubliés de la croissance : du Nord minier à Canton la tiède. Toutefois, le dernier épisode fait le lien avec le premier, en une morale sans vrai espoir. On a dit que c'était violent, mais c'est plutôt désespéré et cruel, ironique. Beaucoup de plans somptueux, selon un cadrage rigoureux, des moments suspendus entre la réflexion et le geste fatal qui surgira forcément, qui délivre de la soumission, de l'ennui. C'est dérangeant.

On ressort du cinéma la tête pleine de Chine, de ce motard sur une route grise, qui tue trois apprentis gangsters sans état d’âme, croise au milieu de cagots rutilants de tomates renversées celui qui fera justice avec sa pétoire enveloppée d'un tigre vengeur, face à l'insupportable. En même temps, on ressort de là gonflé à bloc... comme un chinois finalement.

Aussi : le très indien The Lunch Box/Dabba de Ritesh Batra (Inde, France, All., 2013) : souvent plein d'humour dans Mumbaï surpeuplée. On y est : on sent presque l'odeur du curry, des oignons, des mangues : cette passion amoureuse au milieu des casseroles et des livres de comptes a une lenteur, une saveur toute postcoloniale, où les protagonistes parlent l'Inglish, ce mélange d'anglais et d'indi, eux aussi coincés entre tradition et modernité galopante. Cela avec des touches esthétiques, rêveuses, dans le vacarme des trains surchargés. On apprend là que l'intimité se paie cher et le désir d'ailleurs n'en est que plus délectable. C'est également, - en tapinois -  la démonstration de l'évolution  extraordinaire des femmes des villes qui osent partir, quitter un mari négligent, ne plus obéir au père pour fuir avec leur amoureux. Quel chemin parcouru en si peu de temps ! Mais toujours en sari !

L'Asie, (toutes les Asies), a un cinéma  original, plein d'une imagination neuve, fraiche, très loin de nos critères occidentaux rabâchés : c'est revigorant. Ces films distillent le beau et l'affreux, le violent et le tendre, le sucré et le salé, le yin et le yang, l'aube et le crépuscule, le destin et la résolution avec un œil neuf, utilisant avec art les moyens techniques prodigieux qui s'offrent à elle. Ne pas oublier non plus le joli et très nippon Tel père, tel fils/Soshite Chichi ni Naru d’Hirokazu Kore-Eda (Japon, 2013). Après ce choc de civilisation, le joli mais subtil film d'Hirokazu Kore-Eda plane dans l'univers du trouble immense causé, après six années heureuses avec un enfant délicieux, par la découverte d'un malencontreux échange de bébés : le fils n'est pas le fils tout en étant le fils, mais le fils est ailleurs, dans une famille moins bien en apparence... Autre choc, terrible méprise : il faudra faire avec. La difficulté d'être ce que l'on est, la complexité de sentiments contradictoires, la colère, l'amour instinctif et l'amour raisonné, tout est là, narré au fil de cadrages élégants et dépouillés. Les acteurs sont parfaits. C’est très nippon, donc, comme une caresse d'éventail....

Et ne jamais perdre de vue le sublime, l’inoubliable oscarisé Departures/Okuribito de Yojiro Takita (Japon, 2008).

Les vrais voyageurs le savent : l'Orient commence à la gare de Lyon, et aussi dans les salles obscures....

Françoise Thibaut,

Correspondant de l’Institut

 

 

 

Les figures du procès au-delà des frontières, W. Mastor, L. Miniato (dir.), Dalloz, coll. Thèmes et commentaires, 2014

L'ouvrage Les figures du procès au-delà des frontières paraît aujourd'hui. Cet ouvrage constitue les actes d'une journée d'études, organisée par Wanda Mastor et Lionel Miniato, qui s'est tenue à l'Université Toulouse I Capitole le 18 octobre 2012.

Présentation

Les symboles du procès nous paraissent indissociables du rituel judiciaire. Une justice sans decorum est inconcevable car l'acte de juger n'est pas anodin, les symboles du procès exprimant la gravité du moment judiciaire. Pourtant, ces symboles sont parfois vus comme l'héritage d'une époque révolue, où juger était conçu comme une prérogative d'essence divine. D'ailleurs, la justice managériale et le process judiciaire ont tendance à les reléguer au second plan. L'étude du procès à travers ses symboles s'enrichit de celle de leurs représentations, notamment littéraires ou cinématographiques.

A travers les figures du procès - symboles et leurs représentations -, cet ouvrage vous invite à voyager au-delà des frontières disciplinaires pour mieux rendre compte de la justice passée, présente et à venir.

Sommaire

Propos d'ouverture, Jean-Christophe Gaven, professeur d'histoire du droit, Université Toulouse I Capitole

Le glaive et la balance, symboles universels de la fonction de juger, Julien Théron, professeur de droit privé, Université Toulouse I Capitole, membre du Centre de droit des affaires

Un Temple pour la justice. Notes sur le caractère sacré de la fonction de juger (XVIè-XVIIIè siècles), Jean-Louis Gazzaniga, prêtre, ancien avocat et professeur d'histoire du droit

Le procès administratif, un procès sans symbole ?, Jean-Gabriel Sorbara, professeur à l'Université Toulouse I Capitole, Institut Maurice Hauriou

Deux sites pour un procès : l'unité de lieu à l'épreuve de la visioconférence, Laurence Dumoulin, chargée de recherches CNRS, Institut des sciences sociales du politique (ISP) et Christian Licoppe, professeur de sociologie des technologies, Télécoms ParisTech, Département des sciences sociales

Les symboles en question dans le procès pénal, Jean Danet, avocat honoraire, maître de conférences à l'Université de Nantes (UMR 6297)

Regards croisés sur les figures des procès anglo-saxons, Aurélie Duffy, maître de conférences de droit public à l'Université Panthéon-Assas (Paris 2), membre du Centre de droit public comparé et Wanda Mastor, professeur de droit public à l'Université Toulouse I Capitole, membre de l'Institut Maurice Hauriou

Justice et République : charges et symboles autour de 1848, Alain Daguerre de Hureaux, directeur de la DRAC du Languedoc-Roussillon, ancien conseiller au tribunal administratif de Toulouse, ancien conservateur du patrimoine

Le procès dans le cinéma français, Lionel Miniato, maître de conférences en droit privé et sciences criminelles, Centre universitaire Jean-François Champollion, Institut de droit privé de l'Université Toulouse I Capitole et Magalie Flores-Lonjou, maître de conférences en droit public, Université de La Rochelle, CEREGE LR-MOS

La justice, ses alternatives et ses symboles. Venger, pardonner ou juger ? Variations littéraires, François Ost, Université Saint-Louis (Bruxelles)

Rapport de synthèse, Denis Salas, magistrat, directeur scientifique des Cahiers de la justice, secrétaire général de l'AFHJ

PETIT ABECEDAIRE CINEMATOGRAPHIQUE 2013

 

AFRIQUE : Tabou de Miguel Gomes (France, 2012)

ALCOOL : Haewon et les hommes de Hong Sangsoo (Corée du Sud, 2013)

BERLIN : Oh Boy de Jan Ole Gerster (All., 2012)

CENTRALE NUCLEAIRE : Grand central de Rebecca Zlotowski (France, 2013)

CONTESTATION : Sous surveillance/The Company you Keep de Robert Redford (E.-U., 2012)

DEJEUNER : The Lunch Box/Dabba de Ritesh Batra (Inde, France, All., 2013)

DICTATURE : No de Pablo Larrain (Chili, E.-U., Mexique, 2012)

DIVORCE : Le passé d’Asghar Farhadi (France, 2013)

ENFANCE : Le géant égoïste/The Selfish Giant de Clio Barnard (R.-U., 2013)

FAMILLE : Mud de Jeff Nichols (E.-U., 2012)

FILIATION : Tel père, tel fils/Soshite Chichi ni Naru d’Hirokazu Kore-Eda (Japon, 2013)

FOLIE : Camille Claudel de Bruno Dumont (France, 2013)

FOLK : Inside Llewin Davis de Joel et Ethan Coen (E.-U., 2012)

GANG :Foxfire. Confessions d’un gang de filles de Laurent Cantet (France, canada, 2012)

GAZ DE SCHISTE : The Promised Land de Gus van Sant (E.-U., 2012)

HOMOSEXUALITE : L’inconnu du lac d’Alain Guiraudie (France, 2012)

IP MAN : The Grandmaster/Yi Dai Zong Shi de Wong Kar-Wai (Chine, 2012)

JUSTICE : Michael Kohlaas d’Arnaud des Pallières (France, 2013)

KITSCH : Ma vie avec Liberace de Steven Soderbergh (E.-U., 2013)

KRACH : Le loup de Wall Street de Martin Scorsese (E.-U.,  2013)

LICENCIEMENT : Margin Call de J.C. Chandor (E.-U., 2012)

MAFIA : L’intervallo de Leonardo Di Costanzo (Italie, Suisse, 2012)

MATERNITE : Only God Forgives de Nicolas Winding Refn (France, DK, 2013)

MEMOIRE : Shokuzai. Celles qui voulaient se souvenir ; Shokuzai. Celles qui voulaient oublier de Kiyoshi Kurosawa (Japon, 2012)

MINISTERE : Quai d’Orsay DE Bertrand Tavernier (France, 2012)

MURMELSTEIN : Le dernier des injustes de Claude Lanzmann (France, Aut., 2013)

NEW YORK : Frances Ha de Noah Baumbach (E.-U., 2012)

PARANOÏA : Take Shelter de Jeff Nichols (E.-U., 2011)

PARIS : Le temps de l’aventure de Jérôme Bonnell (France, 2013)

PASSION : La vie d’Adèle, chapitres 1 et 2 d’Abdellatif Kechiche (France, 2013)

PATERNITE : The place beyond the pines deDerek Cianfrance (Etats-Unis, 2012) 

PHILOSOPHIE : Hannah Arendt de Margarethe Von Trotta (All., France, 2012)

PRESIDENT : Lincoln de Steven Spielberg (E.-U., 2012)

PRETRE : Elefante blanco de Pablo Traperes (Argentine, 2012)

PROSTITUTION : Jeune et jolie de François Ozon (France, 2013)

PSYCHANALYSE : Jimmy P. Psychothérapie d’un indien des plaines d’Arnaud Desplechins (France, 2013)

QUART-MONDE: Bellas Mariosas de Salvatore Mereu (Italie, 2012)

ROME : La grande bellezza de Paolo Sorrentino (Italie, 2013)

SACRIFICE : Skyfall de Sam Mendes(Etat-Unis/Royaume-Uni, 2012)

SAN FRANCISCO : Blue Jasmine de Woody Allen (E.-U, 2013)

SECTE : The Master de Paul Thomas Anderson (E.-U., 2012)

SEPPUKU : 25 novembre 1970. Le jour où Mishima choisit son destin de Kôji Wakamatsu (Japon, 2013)

SIXTO RODRIGUEZ : Sugar Man/Searching for Sugar Man de Malik Bendjelloui (R.-U., Suède, 2012)

SURNATUREL : La fille de nulle part de Jean-Claude Brisseau (France, 2012)

TAUREAU : Blancanieves de Pablo Berger (Esp., 2012)

THEATRE : La vénus à la fourrure de Roman Polanski (France, 2013)

VIOLENCE : A Touch of Sin/Tian Zhu Ding de Jia Zhang-Ke (Chine, Japon, 2013) 

WESTERN : Django Unchained de Quentin Tarantino (E.-U., 2012)

UNE BONNE MEDECINE

   Voilà le temps des jours courts, du froid, des glaces (pas au chocolat), de la nuit le matin quand on part au boulot, et de la nuit quand on rentre le soir... De quoi avoir le moral dans les chaussettes et le cœur en deuil... Mais la bonne médecine, l'antidote, le contre poison, existe : gai, beau, sans ordonnance, et ne doit rien à la Sécu : traitement court ou renouvelable, en plusieurs prises, ou en accéléré ; confortable, éventuellement patate de canapé,  le traitement  de choc, effaçant tout le gris commence par :

La mélodie du bonheur/The Sound of Music, traitée avec mépris par les intellos germano pratins (ce qui les rend aigris et obsolètes) de Robert Wise (G.-B./E.-U., 1965) à partir d’un spectacle musical de Richard Rodgers et Oscar Hammerstein. La merveilleuse Julie Andrew, déchainée dans ses frusques insensées, Christopher Plummer en aristo pondeur : c'est l'histoire de la famille Von Trapp. Il y a tout dans ce film : de merveilleux paysages alpins (le générique est un rêve aérien), Dieu, la famille, les enfants, la patrie, la liberté, l'honneur, l'humour, l'amour... On connait par cœur les chansons, on les emporte avec soi au bureau, on les chante en voiture,... Do Ré, Mi... Hello good night, Farewell... Edelweiss que Plummer chante la larme à l'œil... On fond... La seule question qui turlupine (mais j'ai mauvais esprit) : Vu l'âge des protagonistes, ayant déjà 7 mouflets, combien vont-ils en avoir encore, au bon air de la Suisse ? Fera-t-il mieux que Jean-Sébastien Bach? ... La musique n'adoucit pas que les mœurs...

Après, la seconde dose est Burlesque par Steven Antin (E.-U., 2010), avec la sublime Cher dont les sourcils tellement mobiles me fascinent lorsque qu'elle chante Welcome to Burlesque, et la pétaradante Christina Aguilera, indéfiniment changeante, rutilante... J'aime le passage où elle prend le pouvoir... et celui où toute nimbée de plumes et de perles elle chante I am a good girl... Quel rêve éveillé! C'est beau, c'est chaud, c'est jubilatoire, même si le scénario est simplet et téléphoné : et il y a aussi Stanley Tucci tellement drôle en gay libéré... On y apprend aussi du droit : connaissez-vous le "droit de l'air"? Très formateur...

Une dose céleste, un pur chef d'œuvre : LA comédie musicale, à emporter sur une île déserte : Chantons sous la pluie/Singin’ in the Rain de Stanley Donen (E.-U., 1952) : Gene Kelly, Debbie Reynolds,  Donald O'connor (mort récemment) : the best, the first... Pas seulement pour Singin’ in the Rain, mais pour tout le reste, et surtout son extraordinaire santé. A ma famille grognon le matin je chante Good Morning, Good Morning... et tout va mieux...

Madame Anderson propose/Mrs Anderson Presents de Stephen Frears (E.-U./G.-B., 2004) est une merveilleuse cure de bonheur : Judi Dench y est extraordinaire et forme avec Bob Hoskins un duo d'un humour aussi fin qu'efficace. La vie à Londres pendant le Blitz nous montre la route du courage et nous voilà plongés dans l'audacieuse révolution des revues de music-hall avec des dames toutes nues dans la victorienne Angleterre des années 30. Souvent désopilant, infiniment joli, avec des mélodies tellement britanniques et sirupeuses, énergiques et inattendues. Ah ! Quel bonheur !

Enfin, terminer la cure avec les incontournables Demoiselles de Rochefort de Demy (France, 1967) : on aime tout là-dedans : on connait toutes les chansons, depuis le générique avec Nous voyageons de ville en ville, du val de Loire au bord du Rhin... On nous appelle les forains... jusqu'à l'apparition de Gene Kelly sur fond de dégoulinade pianistique de Michel Legrand. Là aussi, il y a tout le bonheur du monde : la lumineuse Françoise Dorléac et sa fameuse sœur jumelle née sous le signe des gémeaux, Danièle Darrieux pleine de charme, Michel Piccoli en Monsieur Dame, Jacques Perrin, George Chakiris, la combinaison qui dépasse à la sortie d'école de Boubou,  et toute cette ville de toutes les couleurs... De quoi avoir les yeux  scintillants comme un arbre de Noël...

Bonne santé morale,  bon début d'année...

Françoise Thibaut,

Correspondant de l’Institut

Appel à contribution, "Frontière(s) au cinéma", VIIèmes rencontres Droit et cinéma, 27-28 juin 2014

La septième édition des rencontres « Droit et cinéma » sera consacrée au thème des frontières dans le cinéma. Nous tenterons par une approche interdisciplinaire (juridique, historique, économique, littéraire, civilisationniste, sociologique, communicationnelle, cinématographique) d'analyser la frontière au prisme du 7^ème art. La frontière est-elle coupure ou passage ? Les marches, héritées de l’Empire romain, ont-elles disparu ? La chute du Mur et la suppression d’une partie des postes frontières, notamment en Europe, signifient-elles disparition de toutes les frontières ou leur maintien dans les domaines économiques et politiques ? Le cinéma transcende-t-il les frontières nationales à la fois par son ingéniosité créative, mais également dans sa représentation des frontières symboliques, mentales, de genre.

La septième édition des rencontres « Droit et cinéma », organisées depuis 2008  pendant le Festival International du Film de La Rochelle, sera consacrée au thème des frontières dans le cinéma. Nous tenterons par une approche interdisciplinaire (juridique, historique, économique, littéraire, civilisationniste, sociologique, communicationnelle, cinématographique) d'analyser la frontière au prisme du 7^ème art. Le processus de délimitation d’une frontière - fruit d’une longue démarche diplomatique et/ou militaire - est à la fois un acte géographique de représentation des espaces sur une carte, un acte politique fixant les limites d’une souveraineté étatique, et un acte juridique fondant la compétence de chacun des Etats par un procédé de reconnaissance internationale. Dès lors les frontières - qu’elles soient terrestres, fluviales, maritimes ou spatiales - ont imprimé la pellicule cinématographique, à l’image du cinéma états-unien, comme des filmographies issues de pays en proie à des revendications territoriales, à travers lignes de démarcation, postes frontières, murs, mais aussi migrants, réfugiés ou populations déplacées.

À une époque de mondialisation, d’effacement apparent des frontières, celles-ci semblent s’intérioriser, devenir plus floues, avec une remise en cause des identités et des entités physiques, psychologiques et culturelles, conduisant à une nécessaire reconsidération éthique des changements opérés. Ainsi avec l’Internet, la (re)composition de groupes identitaires et de communautés virtuelles éphémères s’opère, au gré d’engouements et d’engagements divers.Le cinéma apparaît comme un médium privilégié pour interroger de manière interdisciplinaire cette notion de frontière. La frontière est-elle coupure ou passage ? Les marches, héritées de l’Empire romain, ont-elles disparu ? La chute du Mur et la suppression d’une partie des postes frontières, notamment en Europe, signifient-elles disparition de toutes les frontières ou leur maintien dans les domaines économiques et politiques ? Le cinéma, qui a pu être considéré comme un art de l’universel, transcende-t-il les frontières nationales à la fois par son ingéniosité créative, mais également dans sa représentation des frontières symboliques, mentales, de genre ?

Les films, par leur thématique, peuvent aborder la frontière diversement (western, roadmovie, science fiction, films de gangsters…), que ce soit par absorption, réécriture ou palimpseste, mais également la notion de transgenre, tout comme des festivals de cinéma – nés à la marge de festivals officiels dans l’utopie des années 70 – visaient à repousser les frontières établies par ceux-ci. Quant aux cinéastes, si certains filment à l’intérieur de leurs frontières nationales, d’autres s’en éloignent temporairementou définitivement. À travers leurs parcours et leurs œuvres, ils interrogent les notions de diaspora, d’exil, de transnationalisme, mais aussi les frontières du cinéma (fiction/documentaire, liens avec les autres arts...).

Le colloque envisagé ayant une dimension plurielle, le corpus de films à étudier - qu'ils soient de fiction ou documentaires, permettra aux communications de s’inscrire dans toute l’histoire cinématographique et toutes les cinématographies nationales, sans exclusive.

Colloque organisé avec le concours financier du PRES Limousin Poitou-Charentes.

Bibliographie indicative

• Robert BELOT dir., Frontières en images. Une mémoire cinématographique, Université de Technologie de Belfort-Montbéliard, 2006, coll. Sciences humaines et technologie ;
• Elyette BENJAMIN-LABARTHE dir., Cinéma métis aux Etats-Unis : représentations de la frontière Mexique/Etats-Unis, Maison des sciences de l’homme d’Aquitaine, 2012 ;
• Wendy BROWN, Murs. Les murs de séparation et le déclin de la souveraineté étatique, trad. Nicolas Vieillescazes, Paris : Les Prairies ordinaires, 2009, coll. penser/croiser, 206 p. ;
• Judith BUTLER, Bodies That Matter: On The Discursiv Limits of « sex », 1993 ;
• Andrea GRUNERT dir., « L’écran des frontières », Cinémaction n° 137, 2010 ;
• D. HASTINGS et T.M. WILSON, Borders, Frontiers of Identity, Nation and State, Oxford, New-York: Berg, 1999 ;
• N. JARMAN, Material Conflicts, Parades and Visual Displays in Northern Ireland, Oxford : Berg, 1997 ;
• J. W. JOHN HILL, Cinema and Northern Ireland : Film, Culture and Politics, London : BFI publishing, 2006 ;
• Stéphanie LATTE ABDALLAH et Cédric PARIZOT dir., A l'ombre du mur. Israéliens et Palestiniens entre séparation et occupation, Actes sud/MSHS, 2011, coll. Etudes méditerranénennes ;
• Sophie LE MENAHEZE, Nathalie MARTINIERE, Ecrire la frontière, Limoges : Pulim, 2003 ;
• Nolwenn MINGANT, Hollywood à la conquête du monde. Marchés, stratégies, influences, CNRS édition, 2010 ;
• Laura MULVEY, Visual and Other Pleasures, Houndmills, Basingstoke, Hampshire : Macmillan, 1989) ;
• Stan NEILSON, Robot Nation, Eridanus Press, 2011 ;
• M. NICCRAITH, Plural Identities, Singular Narratives : The Case of Northern Ireland, UK: Berghan Book, 2002 ;
• Jean-Marc  SOREL Dir., Les murs et le droit international, Ed. Pedone, 2010, coll. Cahiers internationaux n° 24 ;
• Bertrand WESTPHAL, Le Monde plausible. Lieu, espace, carte, Paris, Minuit, coll. « Paradoxe », octobre 2011.

Filmographie indicative

• Bloody Sunday, Paul GREENGRASS GB/Irlande 2002
• Bring Me The Head of Alfredo Garcia/Apportez-moi la tête d’Alfredo Garcia, Sam PECKINPAH, Etats-Unis/Mexique, 1974
• Dr Jekyll and Mr Hyde, Victor FLEMING, USA, 1941
• Frozen River, Courtney HUNT, Etats-Unis, 2008
• Ha-kala ha-surit/La fiancée syrienne, Eran RIKLIS, Israël, 2004
• The Hours, Stephen DALDRY, Etats-Unis/UK, 2002
• Hudutlann Kanunu/La loi de la frontière, Lütfi Ömer AKAD, Turquie, 1966
• Incendies, Denis VILLENEUVE, Canada, 2010
• Laurence anyways, Xavier DOLAN, Canada/France, 2012
• Loi, c’est la loi (La), Christian-Jaque, France/Italie, 1958
• Los que se quedan, Juan Carlos RULFO, Mexique, 2009
• Love Divided (A), Syd MACARTNEY, GB/Irlande, 1998
• Man on a Thightorpe, Elia KAZAN, Etats-Unis, 1952
• Men in Black, Barry SONENFELD, Etats-Unis, 1997
• Mur, Simone BITTON, France/Israël, 2004
• Searchers (The)/La prisonnière du désert, John FORD, Etats-Unis, 1956
• Sin nombre, Cary Joji FUKUNAGA, Etats-Unis/Mexique, 2009
• Storm/La révélation, Hans-Christian SCHMID, Allemagne, 2009
• Terraferma, Emmanuele CRIALESE, France/Italie, 2011
• The Time Machine/La machine à explorer le temps, George PAL, Etats-Unis, 1960
• Tiresia, Bertrand BONELLO, France/Canada, 2002
• To Vlemma tou Odyssea/Le regard d’Ulysse, Theo ANGELOPOULOS, France/Grèce/Italie, 1995
• The Three Burials of Melquiades Estrada/Los tres enterrios de Melquiades Estrada/Trois enterrements, Tommy LEE JONES, Etats-Unis/France, 2005
• Welcome, Philippe Lioret, France, 2008
• The Wind that Shakes the Barley, Loach (Ken), Irlande, GB, Allemagne, Italie, Espagne, France, Belgique, Suisse, 2006
• Wild side, Sébastien LIFSHITZ,France/Belgique, 2003
• XXY, Lucia Puenzo, Argentine, 2007
• Yadon ilaheyya/Intervention divine, Elia SULEIMAN, France/Maroc/ Allemagne/Palestine, 2002
• Zona (La)/Zona, propriété privée (La), Rodrigo Pla, Mexique, 2007

Calendrier

Les propositions de communication devront être adressées

avant le 6 janvier 2014

à Magalie Flores-Lonjou mflores@univ-lr.fr et comporter : 

• au moins 3 000 signes ;
• le titre de la communication, sa problématique, le corpus filmique ;
• une petite notice biographique du/des contributeurs ;

La liste des propositions retenues par le comité scientifique sera communiquée le 24 février 2014.  Les contributions définitives devront être reçues le 24 mai 2014.

Le colloque international se tiendra à La Rochelle les 27 et 28 juin 2014. les langues de travail seront le français et l'anglais.

NB : les actes de ce colloque seront publiés : les deux journées imparties à ces rencontres limitant de facto le nombre d’interventions, le comité scientifique se réserve la possibilité de retenir pour publication seule des textes ou de les proposer pour des journées d’études/séminaires organisés dans le cadre du projet PRES Limousin Poitou-Charentes « Frontière(s) au cinéma » sur les autres sites universitaires de La Rochelle, Limoges et Poitiers. 

Comité scientifique

• Elyette BENJAMIN-LABARTHE, professeur d’études américaines à l’Université Bordeaux III,  CLIMAS EA 4196
• Daniela BERGHAHN, professor of Film Studies, Department of Media Arts, Royal Holloway, University of London (Angleterre)
• Christophe BONNOTTE, maître de conférences en droit public, Université de Limoges, OMIJ EA 3177
• Xavier DAVERAT, professeur de droit privé, Université Montesquieu Bordeaux IV, IRDAP EA 4191
• Camille GENDRAULT, maître de conférences en études cinématographiques et audiovisuelles, Université Michel de Montaigne Bordeaux 3, MICA EA 4426
• Andrea GRUNERT, enseignante en études cinématographiques à l’Université protestante des sciences appliquées à Bochum (Allemagne)
• Thomas HOCHMANN, maître de conférences en droit public, Université de Reims Champagne-Ardenne, CRDT EA 3312
• Pascal KAMINA, professeur de droit privé, Université de Franche-Comté, CRJFC EA 3225
• Eve LAMENDOUR, maître de conférences en gestion, Université de La Rochelle, CEREGE LR-MOS EA 1722
• Ninon MAILLARD, maître de conférences en histoire du droit, Université de Nantes, Droit et Changement Social UMR 6297
• Nathalie MARTINIERE, professeure de Littérature anglaise, département d’études anglophones, Université de Limoges, EHIC EA 1087 
• Gilles MENEGALDO, professeur émérite en littérature américaine et études et cinématographiques, UFR Lettres et Langues, Université de Poitiers, équipe FORELL B3, esthétiques comparées EA 3816
• Nolwenn MINGANT, maître de conférences en civilisation américaine, Université Sorbonne nouvelle-Paris 3, CREW/CRAN EA 4399
• François OST, professeur de droit et de philosophie, Université St Louis, Bruxelles (Belgique), directeur du Séminaire interdisciplinaire d’études juridiques
• Séverine NICOT, maître de conférences en droit public, Université Grenoble-Alpes, Centre de Recherches Juridiques EA 1965, Institut Louis Favoreu-GERJC UMR 7318
• Nicoletta PERLO, maître de conférences en droit public, Université Toulouse 1 Capitole, IDETCOM EA785
• Marion POIRSON, maître de conférences en cinéma, Université Paul Valéry Montpellier 3, RIRRA 21 EA 4209

Comité d'organisation

• Danièle ANDRÉ, maître de conférences en civilisation et culture populaire nord-américaines, Centre de Recherches en Histoire Internationale et Atlantique (CRHIA) EA 1163, Université de La Rochelle
• Annabel AUDUREAU Docteur en Littérature comparée, Enseignante en Expression et Communication à l’Université de La Rochelle en qualité de PRAG (IUT), vacataire en Littérature française et comparée à la faculté de Lettres modernes de La Rochelle
• Brigitte BASTIAT, docteure en sciences de l’information et de la communication, PRCE d’anglais, Université de La Rochelle, membre associé du CRHIA EA 1163 et du Centre d’études irlandaises de Rennes 2
• Estelle EPINOUX, maître de conférences en études irlandaises, département d’études anglophones, Université de Limoges chercheur associé à la SOFEIR, à la SAES, membre du comité des publications de la FE2C, membre du groupe de recherche EHIC (Espaces Humains et interactions culturelles à Limoges)
• Magalie FLORES-LONJOU, maître de conférences en droit public HDR, Université de La Rochelle, CEREGE LR-MOS EA 1722, Le blog Droit et cinéma
• Franck HEALY, maître de conférences en anglais (CIEL), Université de la Rochelle
• Lionel MINIATO, maître de conférences en droit privé et sciences criminelles, Centre universitaire Jean-François Champollion, Institut de droit privé de l’Université Toulouse I Capitole, EA 1920, Le blog Droit et cinéma
• Jean-Baptiste THIERRY, maître de conférences en droit privé et sciences criminelles, Université de Lorraine, Institut François Gény EA 1138 Le blog Carnet de recherches d’un MCF en droit privé Sine lege

L'appel à contribution sur le site Calenda : http://calenda.org/261369

À une époque de mondialisation, d’effacement apparent des frontières, celles-ci semblent s’intérioriser, devenir plus floues, avec une remise en cause des identités et des entités physiques, psychologiques et culturelles, conduisant à une nécessaire reconsidération éthique des changements opérés. Ainsi avec l’Internet, la (re)composition de groupes identitaires et de communautés virtuelles éphémères s’opère, au gré d’engouements et d’engagements divers.Le cinéma apparaît comme un médium privilégié pour interroger de manière interdisciplinaire cette notion de frontière. La frontière est-elle coupure ou passage ? Les marches, héritées de l’Empire romain, ont-elles disparu ? La chute du Mur et la suppression d’une partie des postes frontières, notamment en Europe, signifient-elles disparition de toutes les frontières ou leur maintien dans les domaines économiques et politiques ? Le cinéma, qui a pu être considéré comme un art de l’universel, transcende-t-il les frontières nationales à la fois par son ingéniosité créative, mais également dans sa représentation des frontières symboliques, mentales, de genre ?

Les films, par leur thématique, peuvent aborder la frontière diversement (western, roadmovie, science fiction, films de gangsters…), que ce soit par absorption, réécriture ou palimpseste, mais également la notion de transgenre, tout comme des festivals de cinéma – nés à la marge de festivals officiels dans l’utopie des années 70 – visaient à repousser les frontières établies par ceux-ci. Quant aux cinéastes, si certains filment à l’intérieur de leurs frontières nationales, d’autres s’en éloignent temporairementou définitivement. À travers leurs parcours et leurs œuvres, ils interrogent les notions de diaspora, d’exil, de transnationalisme, mais aussi les frontières du cinéma (fiction/documentaire, liens avec les autres arts...).

Le colloque envisagé ayant une dimension plurielle, le corpus de films à étudier - qu'ils soient de fiction ou documentaires, permettra aux communications de s’inscrire dans toute l’histoire cinématographique et toutes les cinématographies nationales, sans exclusive.

Colloque organisé avec le concours financier du PRES Limousin Poitou-Charentes.

Bibliographie indicative

• Robert BELOT dir., Frontières en images. Une mémoire cinématographique, Université de Technologie de Belfort-Montbéliard, 2006, coll. Sciences humaines et technologie ;
• Elyette BENJAMIN-LABARTHE dir., Cinéma métis aux Etats-Unis : représentations de la frontière Mexique/Etats-Unis, Maison des sciences de l’homme d’Aquitaine, 2012 ;
• Wendy BROWN, Murs. Les murs de séparation et le déclin de la souveraineté étatique, trad. Nicolas Vieillescazes, Paris : Les Prairies ordinaires, 2009, coll. penser/croiser, 206 p. ;
• Judith BUTLER, Bodies That Matter: On The Discursiv Limits of « sex », 1993 ;
• Andrea GRUNERT dir., « L’écran des frontières », Cinémaction n° 137, 2010 ;
• D. HASTINGS et T.M. WILSON, Borders, Frontiers of Identity, Nation and State, Oxford, New-York: Berg, 1999 ;
• N. JARMAN, Material Conflicts, Parades and Visual Displays in Northern Ireland, Oxford : Berg, 1997 ;
• J. W. JOHN HILL, Cinema and Northern Ireland : Film, Culture and Politics, London : BFI publishing, 2006 ;
• Stéphanie LATTE ABDALLAH et Cédric PARIZOT dir., A l'ombre du mur. Israéliens et Palestiniens entre séparation et occupation, Actes sud/MSHS, 2011, coll. Etudes méditerranénennes ;
• Sophie LE MENAHEZE, Nathalie MARTINIERE, Ecrire la frontière, Limoges : Pulim, 2003 ;
• Nolwenn MINGANT, Hollywood à la conquête du monde. Marchés, stratégies, influences, CNRS édition, 2010 ;
• Laura MULVEY, Visual and Other Pleasures, Houndmills, Basingstoke, Hampshire : Macmillan, 1989) ;
• Stan NEILSON, Robot Nation, Eridanus Press, 2011 ;
• M. NICCRAITH, Plural Identities, Singular Narratives : The Case of Northern Ireland, UK: Berghan Book, 2002 ;
• Jean-Marc  SOREL Dir., Les murs et le droit international, Ed. Pedone, 2010, coll. Cahiers internationaux n° 24 ;
• Bertrand WESTPHAL, Le Monde plausible. Lieu, espace, carte, Paris, Minuit, coll. « Paradoxe », octobre 2011.

Filmographie indicative

• Bloody Sunday, Paul GREENGRASS GB/Irlande 2002
• Bring Me The Head of Alfredo Garcia/Apportez-moi la tête d’Alfredo Garcia, Sam PECKINPAH, Etats-Unis/Mexique, 1974
• Dr Jekyll and Mr Hyde, Victor FLEMING, USA, 1941
• Frozen River, Courtney HUNT, Etats-Unis, 2008
• Ha-kala ha-surit/La fiancée syrienne, Eran RIKLIS, Israël, 2004
• The Hours, Stephen DALDRY, Etats-Unis/UK, 2002
• Hudutlann Kanunu/La loi de la frontière, Lütfi Ömer AKAD, Turquie, 1966
• Incendies, Denis VILLENEUVE, Canada, 2010
• Laurence anyways, Xavier DOLAN, Canada/France, 2012
• Loi, c’est la loi (La), Christian-Jaque, France/Italie, 1958
• Los que se quedan, Juan Carlos RULFO, Mexique, 2009
• Love Divided (A), Syd MACARTNEY, GB/Irlande, 1998
• Man on a Thightorpe, Elia KAZAN, Etats-Unis, 1952
• Men in Black, Barry SONENFELD, Etats-Unis, 1997
• Mur, Simone BITTON, France/Israël, 2004
• Searchers (The)/La prisonnière du désert, John FORD, Etats-Unis, 1956
• Sin nombre, Cary Joji FUKUNAGA, Etats-Unis/Mexique, 2009
• Storm/La révélation, Hans-Christian SCHMID, Allemagne, 2009
• Terraferma, Emmanuele CRIALESE, France/Italie, 2011
• The Time Machine/La machine à explorer le temps, George PAL, Etats-Unis, 1960
• Tiresia, Bertrand BONELLO, France/Canada, 2002
• To Vlemma tou Odyssea/Le regard d’Ulysse, Theo ANGELOPOULOS, France/Grèce/Italie, 1995
• The Three Burials of Melquiades Estrada/Los tres enterrios de Melquiades Estrada/Trois enterrements, Tommy LEE JONES, Etats-Unis/France, 2005
• Welcome, Philippe Lioret, France, 2008
• The Wind that Shakes the Barley, Loach (Ken), Irlande, GB, Allemagne, Italie, Espagne, France, Belgique, Suisse, 2006
• Wild side, Sébastien LIFSHITZ,France/Belgique, 2003
• XXY, Lucia Puenzo, Argentine, 2007
• Yadon ilaheyya/Intervention divine, Elia SULEIMAN, France/Maroc/ Allemagne/Palestine, 2002
• Zona (La)/Zona, propriété privée (La), Rodrigo Pla, Mexique, 2007

Calendrier

Les propositions de communication devront être adressées

avant le 6 janvier 2014

à Magalie Flores-Lonjou mflores@univ-lr.fr et comporter : 

• au moins 3 000 signes ;
• le titre de la communication, sa problématique, le corpus filmique ;
• une petite notice biographique du/des contributeurs ;

La liste des propositions retenues par le comité scientifique sera communiquée le 24 février 2014.  Les contributions définitives devront être reçues le 24 mai 2014.

Le colloque international se tiendra à La Rochelle les 27 et 28 juin 2014. les langues de travail seront le français et l'anglais.

NB : les actes de ce colloque seront publiés : les deux journées imparties à ces rencontres limitant de facto le nombre d’interventions, le comité scientifique se réserve la possibilité de retenir pour publication seule des textes ou de les proposer pour des journées d’études/séminaires organisés dans le cadre du projet PRES Limousin Poitou-Charentes « Frontière(s) au cinéma » sur les autres sites universitaires de La Rochelle, Limoges et Poitiers. 

Comité scientifique

• Elyette BENJAMIN-LABARTHE, professeur d’études américaines à l’Université Bordeaux III,  CLIMAS EA 4196
• Daniela BERGHAHN, professor of Film Studies, Department of Media Arts, Royal Holloway, University of London (Angleterre)
• Christophe BONNOTTE, maître de conférences en droit public, Université de Limoges, OMIJ EA 3177
• Xavier DAVERAT, professeur de droit privé, Université Montesquieu Bordeaux IV, IRDAP EA 4191
• Camille GENDRAULT, maître de conférences en études cinématographiques et audiovisuelles, Université Michel de Montaigne Bordeaux 3, MICA EA 4426
• Andrea GRUNERT, enseignante en études cinématographiques à l’Université protestante des sciences appliquées à Bochum (Allemagne)
• Thomas HOCHMANN, maître de conférences en droit public, Université de Reims Champagne-Ardenne, CRDT EA 3312
• Pascal KAMINA, professeur de droit privé, Université de Franche-Comté, CRJFC EA 3225
• Eve LAMENDOUR, maître de conférences en gestion, Université de La Rochelle, CEREGE LR-MOS EA 1722
• Ninon MAILLARD, maître de conférences en histoire du droit, Université de Nantes, Droit et Changement Social UMR 6297
• Nathalie MARTINIERE, professeure de Littérature anglaise, département d’études anglophones, Université de Limoges, EHIC EA 1087 
• Gilles MENEGALDO, professeur émérite en littérature américaine et études et cinématographiques, UFR Lettres et Langues, Université de Poitiers, équipe FORELL B3, esthétiques comparées EA 3816
• Nolwenn MINGANT, maître de conférences en civilisation américaine, Université Sorbonne nouvelle-Paris 3, CREW/CRAN EA 4399
• François OST, professeur de droit et de philosophie, Université St Louis, Bruxelles (Belgique), directeur du Séminaire interdisciplinaire d’études juridiques
• Séverine NICOT, maître de conférences en droit public, Université Grenoble-Alpes, Centre de Recherches Juridiques EA 1965, Institut Louis Favoreu-GERJC UMR 7318
• Nicoletta PERLO, maître de conférences en droit public, Université Toulouse 1 Capitole, IDETCOM EA785
• Marion POIRSON, maître de conférences en cinéma, Université Paul Valéry Montpellier 3, RIRRA 21 EA 4209

Comité d'organisation

• Danièle ANDRÉ, maître de conférences en civilisation et culture populaire nord-américaines, Centre de Recherches en Histoire Internationale et Atlantique (CRHIA) EA 1163, Université de La Rochelle
• Annabel AUDUREAU Docteur en Littérature comparée, Enseignante en Expression et Communication à l’Université de La Rochelle en qualité de PRAG (IUT), vacataire en Littérature française et comparée à la faculté de Lettres modernes de La Rochelle
• Brigitte BASTIAT, docteure en sciences de l’information et de la communication, PRCE d’anglais, Université de La Rochelle, membre associé du CRHIA EA 1163 et du Centre d’études irlandaises de Rennes 2
• Estelle EPINOUX, maître de conférences en études irlandaises, département d’études anglophones, Université de Limoges chercheur associé à la SOFEIR, à la SAES, membre du comité des publications de la FE2C, membre du groupe de recherche EHIC (Espaces Humains et interactions culturelles à Limoges)
• Magalie FLORES-LONJOU, maître de conférences en droit public HDR, Université de La Rochelle, CEREGE LR-MOS EA 1722, Le blog Droit et cinéma
• Franck HEALY, maître de conférences en anglais (CIEL), Université de la Rochelle
• Lionel MINIATO, maître de conférences en droit privé et sciences criminelles, Centre universitaire Jean-François Champollion, Institut de droit privé de l’Université Toulouse I Capitole, EA 1920, Le blog Droit et cinéma
• Jean-Baptiste THIERRY, maître de conférences en droit privé et sciences criminelles, Université de Lorraine, Institut François Gény EA 1138 Le blog Carnet de recherches d’un MCF en droit privé Sine lege

L'appel à contribution sur le site Calenda : http://calenda.org/261369

Gao Xingjian à l'honneur, Strasbourg, 11-12 décembre 2013

La Faculté des Arts de l'Université de Strasbourg reçoit Gao Xingjian, prix Nobel de littérature, pour son dernier film Le deuil de la beauté.

Pour plus d'informations : http://arts.unistra.fr/fileadmin/upload/DUN/arts/Actus_Agenda/affiche_GaoXINGJIAN.pdf

Réflexion sur l’histoire ou mélodrame passionnel ? Autour de "The Immigrant" de James Gray (E.-U., 2013)

Après trois polars et une comédie romantique, James Gray s’attaque au mélo historique à forte consonance biographique, sa propre famille ayant émigré aux Etats-Unis à la même époque que l’héroïne de son dernier long-métrage. Le cinéaste est-il parvenu à insuffler au genre une énergie similaire à celle qui régnait dans ses premiers films ? La réponse est malheureusement mitigée, comme si le réalisateur s’était senti corseté par la dimension historique et l’ampleur du drame qu’il tente ici de raconter.

Films de gangsters aux allures shakespeariennes, Little Odessa (E.-U., 1994) et The Yards (E.-U., 2000) avaient fait de James Gray le nouveau maître du polar américain. Digne héritier du cinéma de Sidney Lumet pour sa peinture désenchantée du monde de la police et des gangsters et son approche bouleversante d’individus tiraillés entre le désir de réussite et la volonté de respecter la loi, James Gray s’était imposé, en seulement deux films, comme l’un des cinéastes les plus passionnants du moment. La nuit nous appartient (We Own the Night, E.-U., 2007), s’il ne retrouvait pas la puissance thématique des deux premières œuvres, avait également confirmé le talent du cinéaste, capable de transcender des scènes de polar classiques, proposant l’une des scènes de poursuite en voiture les plus impressionnantes des années 2000. Two Lovers (E.-U., 2008), comédie romantique aux accents hitchcockiens, variation à partir de Sueurs froides (Vertigo, E.-U., 1958) et de Fenêtre sur cour (Rear Window, E.-U., 1954), pouvait également faire croire que James Gray était capable d’adapter sa mise en scène à des genres forts différents. En revanche, il y avait déjà quelque chose de répétitif dans les deux derniers opus de l’auteur, tant le classicisme des thèmes évoqués n’était plus réellement transcendé par ses personnages, réduits à de purs automates sans prise sur leur destin. Dans Two Lovers, le poids de la fatalité ôtait même à la résolution du récit toute possibilité d’empathie pour le spectateur. Du classicisme à l’académisme, il ne restait plus qu’un pas, désormais franchi par The Immigrant.

Ewa (incarnée par Marion Cotillard), belle immigrante polonaise, accompagnée de sa sœur Magda, arrive par bateau au port d’Ellis Island. Magda, malade, est directement refoulée à l’hôpital situé sur l’île et se trouve immédiatement interdite de séjour sur le territoire des Etats-Unis. Ewa trouve de l’aide auprès de Bruno (Joaquin Phoenix, aussi à l’aise dans ce rôle que dans les précédents films de Gray), souteneur local qui va la pousser sur la voie de la prostitution. Emil, alias Orlando (Jeremy Renner), cousin de Bruno, va soutenir Ewa et s’opposer à ce dernier, afin qu’elle puisse trouver l’argent nécessaire pour faire sortir sa sœur de l’hôpital. Bref, James Gray verse à la fois dans le film historique et dans le mélodrame, proposant, sur fond de misère sociale, un  triangle amoureux d’un classicisme éprouvé. Car, il faut bien l’avouer, c’est le premier reproche que l’on peut adresser au cinéaste. L’extrême minutie de la reconstitution historique – le travail sur les décors et les costumes est remarquable de précision – ne sert qu’une histoire amoureuse sans grand intérêt, au sein de laquelle Joaquin Phoenix est le seul à tirer son épingle du jeu, en incarnant un personnage complexe et dense. Au contraire, les deux autres protagonistes sont d’une lourdeur à la fois fonctionnelle et symbolique. Dans ce registre, la palme va sans conteste à Marion Cotillard, dont l’interprétation triste et sans ambiguïté risque de rebuter bon nombre de spectateurs. Elle passe littéralement tout le film à pleurer, sans parvenir à faire preuve d’un quelconque pouvoir de décision. L’unilatéralité du personnage, défini par sa seule tristesse et un désir christique de rédemption, vient empêcher toute possibilité d’identification pour le spectateur. Il faut d’ailleurs en passer par une scène de confession dans une église, particulièrement pesante, laquelle dévoile, par le discours, les ressorts psychologiques déjà largement compréhensibles par la seule mise en scène.

Cette lourdeur glacée des personnages se retrouve dans la thématique principale. En effet, ce qui faisait précisément la grande qualité des premiers films de Gray était la manière dont le cinéaste adaptait des thèmes grandioses, shakespeariens, à des histoires humaines, quotidiennes, faisant résonner harmonieusement intime et universel. Or, au lieu de partir des personnages pour construire l’écho d’une universalité, Gray semble ici s’arrimer à l’universalité pour s’attacher, dans un second temps, à ses personnages. Le premier plan du film en est ici la représentation parfaite, partant du dos de la statue de la liberté avant de prendre pour cible le dos du personnage de Bruno. En somme, le contraire de ce qui constituait la charpente fondamentale de sa filmographie. Lorsque Little Odessa se situait à hauteur d’homme et de spectateur, The Immigrant conceptualise au lieu de toucher par le biais d’un registre émotionnel varié. Du coup, l’humanité fait désormais place à l’académisme, dans un mouvement d’évitement de la complexité des personnages.

Si le cinéma de Gray n’a jamais été un cinéma de la nuance, la composition de ses cadres a toujours servi une puissance d’évocation métaphorique particulièrement réussie. Cependant, The Immigrant ne possède que très partiellement cette caractéristique. Il faut d’ailleurs attendre les cinq dernières minutes pour retrouver ce sens du cadre. Le dernier plan renoue, mais bien trop tard, avec l’alchimie du cinéma de Gray, proposant, en un cadre directement symbolique, le futur des deux personnages principaux : d’un côté l’avenir enfin radieux qui attend Ewa (sur un canot, voguant sur une mer enfin bleue), de l’autre le futur sombre dans lequel s’inscrit désormais la vie de Bruno (enserré dans l’encadrement de la fenêtre) qui accepte d’endosser le crime de son cousin pour permettre à Ewa de s’échapper. Si Gray n’a jamais été nuancé dans les thèmes abordés, il parvenait jusqu’ici, toujours, à capter l’attention par la grande sensibilité qui se dégageait de ses protagonistes. Or, hormis cette dernière scène durant laquelle le personnage de Joaquin Phoenix se dévoile en sa vérité, rien jusqu’à la résolution du récit ne permettait de capter autre chose que l’enchaînement quasi automatique des rouages du destin. Alors que, dans The Yards, un regard perdu du père de famille (il est vrai magnifiquement joué par James Caan), un geste de la mère malade, venaient à eux seuls donner chair au tragique, il faut attendre les dernières séquences de The Immigrant pour retrouver des émotions qui puissent donner un semblant de vie à cette parabole trop systématique sur la destinée, le sacrifice et la rédemption.

A cet égard, si James Gray avait voulu traiter la petite histoire au travers de la grande (la misère d’Ewa, aliénée par son milieu, désireuse de trouver le bonheur dans cette nouvelle vie aux Etats-Unis), encore aurait-il fallu le faire par des métaphores davantage en concordance avec le grand sujet, à savoir la question de la construction de l’identité individuelle au regard des promesses engendrées par le rêve américain. Or, pour représenter cette dichotomie entre l’espoir de liberté d’une polonaise immigrée aux Etats-Unis et la misère à laquelle elle est effectivement confrontée, Gray ne trouve d’autre moyen que d’appeler son héroïne Miss Liberty dans le numéro qu’elle interprète dans le cabaret tenu par Bruno, comme si le seul décalage entre sa tristesse infinie et le rôle qu’elle joue sur scène devait suffire à démontrer l’impossible réalisation d’une utopie fondamentale. Gray a-t-il voulu tenter d’édifier une parabole sur les Etats-Unis, un peu comme Martin Scorsese l’a conçu dans Gangs of New York(E.-U., G.-B., Ital., All., P.-B., 2002)? Ou souhaitait-il raconter l’histoire de l’aliénation d’une femme, voire simplement évoquer un triangle amoureux ? Le récit paraît balancer entre ces différentes voies, sans qu’aucune résolution claire ne soit perceptible.

Et, précisément, cette absence de choix entre reconstitution historique et drame passionnel rend difficile l’attachement du spectateur au personnage d’Ewa. Là où Sergio Leone parvenait, avec une minutie sans égale, à imbriquer le destin de ces personnages dans une réflexion sur la mythologie fondatrice des Etats-Unis, dans son chef-d’œuvre Il était une fois en Amérique (Once upon a time in America, Ital., E.-U., 1984), notamment l’intégration des communautés étrangères dans le melting-pot et le poids de la mafia dans la construction de la machine administrative, James Gray peine à dépasser la simple illustration de l’époque qu’il fait revivre. Alors que le titre laissait présager une réflexion contextualisée eu égard à l’importance d’Ellis Island comme espace de transition pour des immigrants sur le chemin de la terre promise, le cinéaste s’en tient à une peinture de femme oppressée, quasi atemporelle. Les descriptions de la froideur bureaucratique et de l’implacable système étatique se perdent dans un pathos emphatique.

Au final, l’une des problématiques essentielles de l’œuvre de Gray est peut-être celle de l’insertion de thèmes hautement symboliques à l’intérieur d’une autre architecture que celle du polar. Lorsqu’elles s’inséraient dans le cadre du film policier Little Odessa, The Yardset La nuit nous appartient), les thématiques du cinéaste semblaient comme transcendées par les codifications du genre et l’humilité du récit proposé. Lorsqu’elles se trouvent intégrées dans le cadre du mélodrame historique, ses obsessions prennent une dimension schématique, sans nuance, qui saute d’autant plus aux yeux. Les prochaines œuvres du cinéaste permettront de voir s’il poursuit dans la veine du symbolisme pompier ou s’il revient à la simplicité de ses premiers films, à la fois nettement plus frontaux et autrement plus bouleversants.

Ghislain Benhessa, doctorant en droit, critique cinéma

 

"Alfred Hitchcock de l'écran à l'écrit. Le cri métaphysique", Ed. Amandier, 2013

Les amateurs de cinéma savent qu’Alfred Hitchcock s’est imposé, au fil du temps, comme le maître incontesté du suspense. Ses films n’avaient guère besoin de porter sa signature, tant étaient singuliers et quasiment inimitables, son savoir faire et son art . Beaucoup de réalisateurs ont essayé de l’imiter,de faire " à la manière de Hitchcock " mais très peu y sont parvenus, du moins de façon convaincante.

Mais qu’avait donc de particulier l’art du maître ? C’est à proposer une approche crédible et à suggérer une réponse que s’est engagée Françoise Barbé-Petit. Pour y parvenir elle s’est livrée à un travail minutieux d’analyse, à une sorte d’enquête policière sur les secrets de fabrications du maître. Film après film le livre révèle une démarche "diabolique", une sorte de code à base de symboles, quasiment un cryptogramme. C’est passionnant, excitant et donne une folle envie de s’engager dans ce labyrinthe patiemment édifié par Hitchcock que Françoise Barbé- Petit suit à la trace avec une infinie patience.

*

Françoise Barbé-Petit, maître de conférences à l’UPMC, auteur d’une thèse sur David Hume et les articulations du discours, écrit plus spécifiquement sur la littérature et le cinéma d’un point de vue philosophique. En 2008, elle a contribué à un ouvrage collectif : « Marguerite Duras et la Pensée contemporaine ».  Elle a participé en 2009 à l’écriture d’un livre sur le cinéma irlandais : « Cinemas of Ireland ». Début 2010, les éditions kimé ont fait paraître son ouvrage intitulé : Marguerite Duras, au risque de la philosophie. Ses articles traitent des influences possibles d’Heidegger sur D.H.Lawrence, de Lévinas sur Marguerite Duras, de Descartes sur Shakespeare, de Hobbes sur Swift, de Hume sur Richardson. Ayant travaillé autour du thème du pouvoir dans Richard II, Othello et King Lear, elle se consacre désormais à un livre sur Shakespeare et la philosophie.

Présentation de l'ouvrage et commande sur le site des éditions Amandier : http://www.editionsamandier.fr/f/index.php?sp=liv&livre_id=369

"Propos impertinents sur le cinéma français", de Jean Cluzel, préface de Raymond Boudon (PUF, mai 2013, 219 pages)

Dans les années 85/90 le sénateur Jean Cluzel fut surnommé « la Cassandre du PAF » par les journalistes, en raison de son rapport annuel sur les médias français et le cinéma. Ses connaissances étaient pointues, ses analyses redoutables et ses prévisions peu amènes. Tous les avatars qu’il prévoyait arrivèrent ponctuellement, comme s’il avait écrit le pénible roman des médias dévoyés, monétisés, décrépits et vantards, et du cinéma roulant peu à peu vers un nombrilisme creux.

En 1993 il résuma tout cela dans un livre percutant, qui fit du bruit, mais bien vite oublié, enterré, de peur sans doute de son efficacité, et dont les modestes exemplaires furent bien vite épuisés.

Vingt ans plus tard, certains - et non des moindres, qui avaient gardé ce petit bouquin dans leur bibliothèque - s’aperçurent que ce livre était d’une actualité et d’une modernité brûlantes : le directeur des PUF l’accepta, Raymond Boudon en écrivit la belle préface, et Jean Cluzel s’attela à le ré-écrire entièrement et l’actualiser.

Voici donc Propos impertinents sur le Cinéma français, version 2013, pointu, aigu, sensé et pesé, et vraiment très impertinent.

L’auteur y dénonce en ces temps difficiles (mais où le cinéma a rarement aussi bien marché) les dérives d’une structure obsolète, jamais actualisée, le gâchis d’argent et surtout de talents, faute de clairvoyance et de souci d’efficacité. La production française est la deuxième (en quantité) du monde occidental, après celle (pléthorique) des Etats-Unis : elle finance et co-finance des films très variés, mais souvent mollassons, nombrilistes (…je t’aime, je t’aime pas, la société m’aime, m’aime pas, maman veut, maman veut pas…) fort peu diffusés et dont les entrées dépassent rarement 40.000 spectateurs. En 2012, 209 longs métrages ont été produits dont 139 d’initiative entièrement française, et dont seulement 30 à 35 ont dépassé les 500.000 entrées. De 2003 à 2013 seulement 1 à 3 films par an dépassent les 3 millions. Pourtant le nombre de spectateurs dépasse régulièrement les 200 millions depuis plus de 5 ans, ce qui est un merveilleux cadeau après des années de déclin.

Les gens aiment le cinéma : s’asseoir dans une salle obscure, attendre le lever de rideau (pas forcément rouge), s’immerger dans les images, le son, la musique, vivre par rêverie collective les aventures, les voyages, les histoires passées ou récentes, les tribulations fantastiques ou terre à terre de héros réels ou inventés.

Quelles plaies dénonce donc Jean Cluzel dans ce livre pétillant, plein de lucidité et de malice ?

* D’abord la désastreuse vision de concurrence entre cinéma et télévision. En France, les tenants des médias continuent à opposer les deux productions : il en ressort des films TV pauvres, calamiteux, essentiellement policiers, répétitifs, avec toujours les mêmes intrigues et les mêmes protagonistes de moins en moins crédibles. Coté cinéma, davantage de moyens mais eux aussi claquemurés dans des profils souvent désuets, très franco-franchouillards, qui dépassent rarement l’hexagone. Les dernières comédies à la française ont toutes fait des flops délirants, à l’exception d’Intouchables parce que ce dernier contenait un message d’universalité, des acteurs neufs et un humour subtil. Les cinémas qui marchent pratiquent les vases communicants, se permettent des productions somptueuses pour la télévision (BBC : Orgueil et préjugés, les Tudors, DowntownAbbey) dont les retombées financières (vente aux chaînes étrangères, DVD, etc…) profitent à tous.

* Le système d’avance sur recettes, qui en général est en fait un don à fonds perdus, sur des films choisis par un petit aréopage cloisonné (telle la colline d’Arès) et dont les retombées sont généralement à peu près nulles. L’ouvrage de Jean Cluzel est fort disert et très bien documenté sur ce système obsolète et dont la révision est remise d’année en année. Cela coûte à la collectivité - donc aux contribuables - des centaines de millions par an, sans aucun profit pour la notoriété française et le savoir faire international.

* L’indemnisation des intermittents du spectacle, qui entretient des milliers des gens sans aucun contrôle : certes, la collaboration à la production est aléatoire et engendre parfois de longues interruptions d’activité. La préparation d’un film dure - à cause de la lenteur et de l’idiotie du système - entre deux et trois ans. Mais de là à entretenir à perte de vue des soi-disant agents du spectacle, il y a un fossé. Cette dilatation des aides coûte un argent fou, sans résultats tangibles.

* Enfin, on ne peut passer sous silence l’écrasante présence américaine sur le marché et dans les productions. Plus encore : le Festival de Cannes, sous son apparent cosmopolitisme, ne vit que d’Amérique. Idem pour Deauville, etc…

Jean Cluzel nous parle savamment du "système Luc Besson", de la fabuleuse aventure d'Amélie Poulain ou des Intouchables, du marché Astérix, du parcours sans faute de The artist, dont le généreux réalisateur, Michel Hazanavicus, rue dans les brancards (http://www.lemonde.fr/idees/article/2013/05/03/cinema-jusqu-ici-tout-va-bien_3170774_3232.html). Nos meilleurs talents, nos plus beaux musiciens (Jarre, Legrand, Yared, Kosma, et tant d’autres…), nos belles actrices, nos acteurs surdoués, lassés de la France immobile, s’exilent et franchissent l’Atlantique, en quête, peut être de dollars, mais surtout de reconnaissance.

Les systèmes qui marchent bien, avec moins de gâchis et plus de clairvoyance, avec une bonne analyse des marchés, en tenant compte de la puissance du DVD et de la télévision, sont ceux qui se sont totalement réformés : le livre de Jean Cluzel a le mérite d’être comparatif et cite avec compétence les exemples de la Grande-Bretagne, du Canada (dont les productions sont remarquables mais rarement diffusées en France) et du Danemark. Il signale aussi la présence prégnante des Asiatiques, souvent soutenus par le marché américain et dont la qualité n’est plus à démontrer qu’il s’agisse de la Corée du sud, de la Chine (Hong Kong) ou du Japon. Lisez, lisez Propos impertinents sur le cinéma français, lisez ce petit livre (219 pages seulement) si bien informé et bien écrit : vous en ressortirez savant sur un domaine obscur, plein d'espoir, tout à fait impertinent, et plus cinéphile que jamais.

Bonne lecture !

Françoise Thibaut, Correspondant de l'Institut

Appel à communication pour le colloque "Jacques Perrin, portrait d’un artiste engagé", Université Montpellier 3, 1-3 avril 2014

Jacques Perrin est sans doute actuellement l’une des personnalités les plus emblématiques du PAF. D’abord jeune premier du cinéma français et italien, puis producteur visionnaire et enfin réalisateur éclairé, le fondateur de Galatée Films s’est en effet imposé au fil des décennies comme le pygmalion d’un certain audiovisuel, exigeant, inspiré et charismatique à l’image de son maître d’œuvre.

Il s’agira au cours de ce colloque de creuser la figure matricielle et kaléidoscopique d’un homme dont la carrière semble obéir à la stratégie du coup de cœur et au credo du décalage (voire du décalé). Car s’il donne l’impression d’un être à la douceur imperturbable, l’artiste est un homme de combat.

Acteur fétiche de Pierre Schoendoerffer depuis son interprétation du lieutenant Torrens dans La 317e Section (1965), il relève le défi de produire Z de Costa-Gavras (1969, Oscar du meilleur film étranger en 1970) avant de marquer profondément l’histoire de la télévision par l’audacieux La 25^e heure (1991-2000, 7 d’or de la meilleure émission culturelle en 1997).

Trois exemples, trois temps forts représentatifs d’une capacité à se renouveler, à surprendre en refusant de se soumettre aux diktats du système. Incontournable outsider, il fait de l’imprévisible la recette infaillible de ses succès. La Françafrique fait peser un lourd tabou sur le passé colonial de la France ? La Victoire en chantant de Jean-Jacques Annaud (1976, Oscar du meilleur film étranger en 1977) tourne au ridicule les bassesses de l’Empire. Les insectes sont sans intérêt ? Microcosmos (1996, 5 César dont celui de meilleur producteur remporté par Jacques Perrin) les rend spectaculaires. Les Petits Chanteurs à la croix de bois sont has been ? Les Choristes (2004, nommé aux Oscars 2005, 2 César) sont tendance. Face à un tel palmarès, des questions se posent : peut-on conserver l’esprit d’un artisan du cinéma et de l’audiovisuel français tout en étant « bankable » ? La fréquentation assidue des plateaux de télévision n’a-t-elle pas écorné l’aura du légendaire interprète de Jacques Demy ?

Sans doute ces paradoxes sont-ils liés à la faculté de Jacques Perrin de faire résonner le mot « engagement » tout au long de son atypique carrière.

Ce terme sera donc au cœur de la réflexion menée au sein de ce colloque. Il sera à travailler dans ses acceptions les plus diverses : artistiques, économiques, juridiques, politiques, mais aussi sociologiques, éthiques, philosophiques, etc.

La notion d’engagement sera ainsi la clef de voûte d’un portrait critique pluriel organisé autour de trois champs de réflexion prioritaires (mais non exclusifs) qui recouperont chacun les multiples « emplois » et « fonctions » assumés par Jacques Perrin :

-          l’écologie et la défense du monde vivant sous toutes ses formes,

-          les représentations historiques et historiennes (qu’il en soit l’instigateur et/ou l’interprète),

-          le renouveau d’un certain « populaire » à l’écran (cinéma et tv).

Les propositions de communication (maximum 2000 signes espaces compris) et une courte bio-bibliographie sont à envoyer avant le 30 novembre à :

guillaume.boulange@univ-montp3.

delphine.robic-diaz@univ-montp3.fr

La sélection des interventions sera communiquée par mail fin décembre.

Les Actes du colloque seront publiés courant 2015.

Comité scientifique :

- Guillaume Boulangé (MCF, Université Montpellier 3)

- Christophe Damour (MCF, Université de Strasbourg)

- Camille Gendrault (MCF, Université Bordeaux 3)

- Delphine Robic-Diaz (MCF, Université Montpellier 3)

- Ana Vinuela (MCF, Université Paris 7).